Les peintures géométriques de Laís Amaral relient abstraction et activisme

Amaral a connu une ascension fulgurante ces dernières années, bien qu’elle n’ait jamais fréquenté une école d’art et qu’elle ait d’abord visité un musée d’art, le Museu de Arte do Rio, à l’âge de 24 ans (elle a maintenant la trentaine). Même si l’art a toujours été très présent dans sa vie, le monde de l’art a toujours semblé exister à la périphérie. Enfant, elle regardait ses proches réaliser des broderies, des bijoux fantaisie et d’autres objets artisanaux comme des compositions florales. Mais la production artistique de sa famille « a toujours été considérée comme de l’artisanat et non comme des beaux-arts », a-t-elle déclaré. « Il existe toujours cette division dans la société brésilienne, surtout lorsqu’il s’agit des personnes racialisées. »

Il y a une dizaine d’années, Amaral a choisi d’étudier les services sociaux à l’Université fédérale Fluminense de Niterói et a travaillé comme travailleur social à Rio de Janeiro jusqu’en 2023 environ, en se concentrant sur l’art et l’éducation. Elle a officiellement commencé sa pratique artistique en 2017, lorsqu’elle a cofondé le collectif d’artistes Trovoa (« Tonnerre ») à Niterói avec Ana Almeida, Ana Clara Tito et Carla Santana. Chaque artiste venait d’horizons très différents, de l’art à la science. « Même si j’ai grandi autour de l’art, le soi-disant monde de l’art pour moi a commencé avec Trovoa », a déclaré Amaral. « C’était définitivement le destin. »

Lors de la création de Trovoa, les artistes partageaient un espace de vie et un studio adjacent à Niterói, qui avaient été reconvertis à partir de la chambre d’amis d’un voisin. Dans leur travail, le groupe a cherché à réfléchir sur les expériences de femmes artistes au Brésil, abordant des thèmes liés à la race et au genre à travers des peintures, des installations, des photographies et des rassemblements publics. Cela comprenait la série « Chá de Verão » (« Thé d’été »), qui réunissait des femmes à différentes étapes de leur carrière artistique pour discuter de la production artistique non blanche.

« C’était un moment très intense et puissant », a déclaré Amaral. « Nous nous sentions encore éloignées du monde de l’art et n’avions pas beaucoup de références aux femmes artistes racialisées au Brésil. Nous avons également reconnu que de nombreuses femmes sont confrontées aux mêmes problèmes que nous et ne s’en sortent jamais. Dans certaines de ses premières expériences avec Trovoa, elle a peint sur du verre et d’autres surfaces récupérées dans la rue, bien que la plupart de ces œuvres aient été perdues.

« Je n’avais aucune idée que ces œuvres pouvaient devenir quelque chose à l’époque », a déclaré Amaral. « Depuis le début de Trovoa, je suis artiste depuis environ huit ans. Mais ce n’est que dans les trois derniers que mon travail a pris un poids commercial, ce qui a grandement impacté ma pratique, puisque peindre nécessite un excès de matériaux qui étaient rares pour moi auparavant. Cela signifie qu’il reste encore beaucoup à apprendre, à pratiquer et à expérimenter.

Ces dernières années, Amaral s’est principalement concentrée sur les peintures acryliques, qu’elle incise parfois avec des matériaux non conventionnels comme des cure-cheveux et des outils de manucure, créant ainsi des grilles et des motifs géométriques. « Au début, je n’avais que quelques toiles, alors quand je n’aimais pas le travail, je recommençais avec de la peinture acrylique noire », a-t-elle déclaré. « Dans l’un de ces cas, j’ai gratté la peinture mouillée et cette forme est apparue. »

Amaral a eu sa première exposition personnelle au Museu de Arte Contemporânea de Niterói en 2018, avec d’autres expositions à la Anita Schwartz Galeria à Rio de Janeiro en 2020 et à M+B à Los Angeles en 2022. Renato Silva, associé principal de Mendes Wood DM, était une adepte de longue date de son travail et a présenté Amaral dans une exposition collective intitulée « Accords possibles » à Bruxelles en 2022, où elle a été bien accueillie. L’année suivante, la galerie organise dans le même espace la première exposition personnelle d’Amaral en Europe, « Estude fundo ».

Alors qu’elle commençait à exposer son travail, Amaral a constaté que la critique de son travail n’était jamais trop négative, mais qu’elle manquait parfois la cible. « On me comparait aux abstractionnistes européens, ou certains diraient que cela leur rappelait favelas de Rio de Janeiro. Mais cela n’était pas présent dans le travail », a-t-elle déclaré. « Lorsque la critique concernait un artiste masculin, elle impliquait généralement davantage de théorie. Les artistes ont besoin d’espaces où nous pouvons expérimenter sans jugement et où l’œuvre peut être libérée de toute interprétation erronée. Cette phase embryonnaire de la carrière d’un artiste est très importante.

En préparation de « What Happens at the Seaside at Dawn ? », sa première exposition personnelle à New York chez Mendes Wood DM, inaugurée début septembre, l’artiste a passé la première moitié de l’année à vivre et à travailler dans la ville. Depuis un loft de Long Island City, elle a réalisé une série de peintures énigmatiques qui reflètent ce qu’elle décrit comme la « désertification de la nature – une valeur coloniale dans laquelle nous nous retirons de la nature et commençons également à devenir quelque chose d’artificiel ».

Fonctionne comme O sol na altura dos olhos (« Le soleil au niveau des yeux », 2024) réfléchit à la dissonance de l’urbanisation, un fil conducteur récurrent dans son travail qui a gagné en pertinence à mesure qu’elle a vécu l’impasse de la ville de New York. « J’ai commencé à observer la ville par rapport au soleil et à la manière dont la lumière se propage à travers elle. Ici, le coucher du soleil est toujours à la hauteur des yeux », a-t-elle déclaré. « La présence de la grille réaffirme que nous sommes des animaux urbanisés. La majeure partie de l’exposition montre une dissolution de cette idée.

La plupart des nouvelles peintures sont subtilement imprégnées de références personnelles. Sans titre IV de la série « Como um zumbido estrelar, um pássaro no fundo do ouvido » (2024) rend hommage à son défunt père, avec des lignes dorées qui représentent la divinité Candomblé Ubaloaê, la orixá lié à la maladie et à la mort, puis à la renaissance, qui est communément représenté portant des couvertures de paille. D’autres travaux visent à élever d’autres femmes noires influentes, comme Pour Rihanna (« For Rihanna », 2024) – toujours dans une forme de pure abstraction.

« En tant que femme racialisée, je reconnais l’importance de conquérir un espace de liberté visuelle, car on s’attend à travailler uniquement sur certains thèmes, ou à travailler uniquement dans des pratiques curatoriales participatives ou plus féminines », a déclaré Amaral. « C’est presque comme si je ne pouvais m’empêcher d’être un activiste, même si je ne parle que de couleur et de forme. »