Dix surprises à l’exposition cinq étoiles Van Gogh à la National Gallery

L’exposition de la National Gallery Van Gogh : poètes et amants (jusqu’au 19 janvier 2025) a ouvert ses portes aux critiques cinq étoiles. Nous découvrons ici dix surprises sur des tableaux individuels prêtés du monde entier. Profitez des histoires, puis réservez un billet pour voir les œuvres, avant que l’exposition ne se vende.

Un autoportrait autrefois accroché dans Regent’s Park

Ce célèbre Autoportrait (Septembre 1889) était autrefois accrochée dans Winfield House, la résidence officielle de l’ambassadeur américain. Construite en 1936, la demeure est située dans un endroit isolé de Regent’s Park et possède le plus grand jardin privé de Londres après celui de Buckingham Palace.

Comme le montre cette photographie peu connue, le portrait de Van Gogh a été accroché pendant quelques années au-dessus de la cheminée de l’antichambre qui mène à la salle à manger. John Hay Whitney, ambassadeur au Royaume-Uni de 1957 à 1961, l’avait dans sa collection personnelle. Il est décédé en 1982 et sa veuve Betsy a légué l’autoportrait à la National Gallery of Art de Washington en 1998. Il est aujourd’hui de retour à Londres, dans l’exposition actuelle.

Peint sur un torchon

Lorsque Van Gogh manquait de toile, il utilisait parfois un tissu connu en français sous le nom de torchonqui est largement utilisé pour les torchons. Il présente souvent des lignes ou des motifs rouges.

Le 26 novembre 1889, Vincent s’était plaint à son frère Théo qu’il était « complètement au bout de ma toile ». Quelques jours plus tard, il réalisait Les grands platanes sur torchonCertaines zones ont été peintes en couche mince et des formes de losanges rouges peuvent à peine être distinguées parmi les pierres au premier plan, à gauche du centre.

Le Van Gogh du patron du casino Steve Wynn

Le nom de Steve Wynn est révélé dans l’exposition de Londres en tant que propriétaire de Le pont de Trinquetaille (Juin 1888). Il l’a acheté chez Christie’s en 2021, pour 39 millions de dollars, et il appartient à sa société basée à Las Vegas, Wynn Fine Art. La société décrit Wynn comme « un entrepreneur, philanthrope, collectionneur d’art et visionnaire américain à qui l’on doit la transformation du Strip de Las Vegas en une destination internationale ». Il a pris sa retraite du secteur hôtelier en 2018.

Pourquoi un cadre blanc éclatant ?

Ce fut une surprise, même pour les commissaires de l’exposition. Le Musée national d’art occidental de Tokyo a décidé de recadrer son Roses (avril 1889), le sortant de son cadre doré traditionnel. Ce que peu de visiteurs de l’exposition londonienne remarqueront, c’est que le nouveau cadre blanc est une réplique de celui qui se trouvait peut-être sur le tableau en 1890, peu après que l’œuvre ait été donnée au docteur Paul Gachet, qui soignait l’artiste à Auvers-sur-Oise.

Gachet possédait un certain nombre de tableaux que lui avaient donnés les frères Van Gogh, pour lesquels il avait conçu lui-même ses cadres. Il y a quelques années, on a découvert des cadres vides, abandonnés chez un voisin du fils du médecin. Leur existence a été révélée pour la première fois il y a un an, lors d’une exposition au musée d’Orsay à Paris.

Roses Le cadre avait appartenu au médecin, avait été vendu par son fils en 1923, puis acheté par un collectionneur japonais, pour finalement finir au musée de Tokyo. Plus tôt cette année, les conservateurs du Musée national d’art occidental ont eu l’idée de créer une réplique du cadre Gachet. Quel cadre convient le mieux à Roses? Le blanc est peut-être un peu brillant, mais à mon avis, la simplicité est toujours la meilleure.

La troisième personne la plus riche du monde

Une fondation créée par l’homme d’affaires, philanthrope et collectionneur à succès Bernard Arnault est propriétaire Le Jardin Public, Arles (Octobre 1888). La Fondation Louis Vuitton est financée par Louis Vuitton, la société de luxe parisienne de Bernard Arnault. Dans le monde de l’art, elle est surtout connue pour son impressionnant centre d’exposition, aménagé dans un bâtiment conçu par Frank Gehry en 2014 dans le bois de Boulogne.

Le Jardin Public, Arles L’œuvre a été prêtée par la fondation aux expositions Van Gogh à Paris (2014) et à New York (2023), mais de manière anonyme. Le secret est désormais dévoilé, avec le crédit Vuitton sur le mur de la National Gallery.

Tournesols recadré pour recréer un rêve

Le plus grand coup de la National Gallery est d’avoir emprunté l’une des deux versions du tableau de Van Gogh. Tournesols sur un fond bleu. Cela permet de recréer l’idée de l’artiste de présenter un triptyque, avec à la fois le jaune et le bleu Tournesols de chaque côté de La Berceuse (La berceuse) (Janvier 1889, Musée des Beaux-Arts, Boston).

Le problème pour les conservateurs londoniens était que le bleu du Philadelphia Museum of Art Tournesols était dans un cadre doré et décoré, alors que celui jaune de la National Gallery est dans un cadre plus simple fabriqué en Italie au XVIIe siècle. Ils auraient semblé maladroits ensemble.

Le musée de Philadelphie a donc pris la décision inhabituelle de réencadrer temporairement son chef-d’œuvre. Il a créé un cadre similaire à celui de la National Gallery, mais volontairement différent de celui-ci. Cela crée un effet équilibré pour le triptyque.

La question intéressante est de savoir ce qui se passera lorsque le Tournesols est de retour à Philadelphie à la fin du mois de janvier. Va-t-il retrouver son cadre doré ou rester dans son cadre londonien ? Une fois de plus, je trouve que le cadre plus simple donne plus de force au chef-d’œuvre de Van Gogh.

Une sauterelle s’est coincée

Une découverte récente réalisée par les conservateurs du Nelson-Atkins Museum of Art dans le Missouri confirme que son Oliviers Le tableau a été peint à l’extérieur, et non dans l’atelier de Van Gogh à l’asile de Saint-Rémy-de-Provence. On a trouvé des morceaux d’une sauterelle, qui ont dû être soufflés sur la peinture fraîche de Van Gogh. La peinture n’a pas été perturbée, ce qui aurait pu se produire si un insecte vivant s’était coincé, donc il est probable qu’elle était morte à son arrivée.

Les restes de la sauterelle ne sont pas visibles à l’œil nu, mais Oliviers c’est un tableau magnifique, alors appréciez son coup de pinceau tourbillonnant de façon spectaculaire.

L’amant avec le mauvais emblème

L’amantl’un des deux portraits qui ont donné son sous-titre à l’exposition de la National Gallery, présente l’emblème régimentaire du lieutenant Paul-Eugène Milliet à l’envers. Comme l’explique le catalogue de l’exposition, le croissant de lune doit pointer vers la droite et non vers la gauche. Vincent l’a dessiné correctement dans une lettre à son frère Théo.

Pourquoi l’avoir mal peint ? Il se peut que ce soit une erreur, même si cela n’aurait pas pu se produire si Milliet avait été présent au moment de la réalisation. Il s’agissait plus probablement d’une liberté artistique, pour créer une composition plus équilibrée. Mais l’erreur suggère que l’emblème a été ajouté peu de temps après la séance avec Milliet. S’il l’avait su, le lieutenant aurait sûrement considéré la déformation de son symbole régimentaire comme une insulte.

Faisons un échange (depuis quelques mois)

La plupart des visiteurs d’une exposition n’ont pas la moindre idée de la manière dont se négocient les prêts de tableaux importants. Il arrive parfois que la galerie emprunteuse propose de prêter un tableau important à la galerie emprunteuse, ce qui constitue en réalité un échange, mais cela se fait généralement de manière discrète et parfois informelle.

Le Norton Simon Museum de Californie a demandé que leur arrangement soit rendu public, ce qui est inhabituel. Dans la seule légende murale de l’exposition londonienne, l’accord est clairement indiqué : le « prêt extraordinaire » de Portrait d’un paysan est en « échange » du prêt par la National Gallery du tableau de Jean-Auguste-Dominique Ingres Madame Moitessier (1856) à une exposition de Norton Simon il y a deux ans.

Un porte-parole de Norton Simon a déclaré Le journal des arts que lorsqu’il s’agit d’œuvres d’art, le musée ne « prêtera que dans le cadre de ces partenariats ».

Voir ensemble les images d’Ingres et de Van Gogh met en évidence la manière dont le portrait s’est développé en un peu plus de 30 ans et à quel point l’art du Néerlandais était révolutionnaire. Portrait d’un paysan est l’une des plus belles œuvres de l’exposition de Londres et n’a été montrée qu’une seule fois en Europe depuis les années 1930. Ne la manquez pas.

Une bordure blanche révolutionnaire pour un mur blanc

Nature morte avec cafetière (mai 1888) est particulièrement inhabituel, car Van Gogh a peint une fine bordure rouge sur sa toile, puis y a ajouté une bordure blanche plus large, ce qui « encadre » le tableau. Appartenant à la fondation Goulandris d’Athènes, il est aujourd’hui présenté de manière conventionnelle dans un cadre doré et orné. Dans l’exposition de Londres, il est accroché sur un mur ocre.

L’effet du tableau à l’époque de Van Gogh aurait été tout autre. Il l’aurait probablement accroché à Arles, sans cadre, comme il le faisait pour la plupart de ses tableaux. Il aurait été sur un mur blanc (bien que connu sous le nom de Maison Jaune, cette couleur faisait référence à l’extérieur, et son intérieur était blanchi à la chaux). La bordure rouge Nature morte avec cafetière aurait pu apparaître comme un cadre visuel, tandis que le contour blanc de la toile accrochée au badigeon aurait presque donné l’impression que le tableau flottait sur le mur.

J’ai toujours imaginé que Nature morte avec cafetière accroché dans la cuisine de la Maison Jaune. Les objets de la nature morte étaient à portée de main : sa cafetière en émail récemment acquise, un pot à lait caractéristique avec un motif en damier, une grande cruche en majolique, des tasses et des soucoupes, deux oranges et trois citrons.

Voir le tableau dans l’exposition de la National Gallery nous donne un délicieux aperçu de la vie domestique dans la Maison Jaune, où il a peint ses plus grandes œuvres.