Les meilleures expositions de galerie à voir à Londres pendant la Frieze

Elie Coplan | un. ÉCURIEUR | 05 octobre – 09 novembre

En entrant dans l’exposition personnelle d’Eli Coplan, « US TV and Film », les spectateurs sont accueillis par un écran LCD qui, à première vue, semble vide (Événement actueltous travaux 2024). En approchant de la galerie sous un angle différent, vous pourriez apercevoir le film polarisant collé sur la fenêtre, rendant l’émission visible depuis la rue. L’écran diffuse en direct des émissions de télévision américaines apparemment aléatoires – un contenu qui deviendra de plus en plus sensationnaliste à mesure que l’élection présidentielle américaine approche, le vainqueur probable devenant clair vers la fin de l’exposition. Dans Conducteur osseuxun modèle abandonné de brosse à dents pour enfants – initialement conçu pour transmettre « I Love It (feat. Charli XCX) » (2012) d’Icona Pop à travers la mâchoire et dans l’oreille interne – joue à la place via un klaxon de phonographe Edison de 1890. Pour Coplan, défaire est une pratique. La brosse à dents et la télévision sont méticuleusement démontées et rétro-conçues, mais l’intervention de l’artiste n’est qu’une soustraction : ces technologies sont dystopiques telles quelles. « US TV and Film » est à la fois pessimiste et drôle, et Coplan crie dans le vide sur l’air des paroles de Charli XCX « I DON’T CARE… I LOVE IT ».

Alexandra Bircken | Herald St et Maureen Paley | 19 septembre – 02 novembre

L’exposition d’Alexandra Bircken « Gebrochenes Pferd » (Cheval cassé), qui se déroule dans deux galeries, poursuit la pratique de l’artiste consistant à examiner les systèmes structurels qui constituent la base de la domination économique occidentale à travers la bissection des animaux et des machines. Paysage marin (2024) est une planche à découper de boucher abandonnée après la fermeture d’une usine de kebab située sous l’atelier de l’artiste. C’est le seul objet que Bircken a laissé intact dans l’exposition – son intervention n’est pas nécessaire ici puisque la planche à découper est pré-tranchée. Deux œuvres, partageant toutes deux le titre de l’exposition, complètent l’offre de Bircken. Chez Maureen Paley, Gebrochènes Pferd (2024) prend la forme d’un cheval jouet grandeur nature, fendu et concédé sur le sol de la galerie, ses prouesses perdues servant de clin d’œil aux machines qui ont remplacé les chevaux dans l’industrie et la guerre. Chez Herald Street, l’itération (2023) étend les thèmes de la puissance abandonnée avec un moteur à combustion Audi V10 démembré en six parties symétriques.

« Peinture à la machine » | Art moderne, rangée de casques | 07 octobre – 14 décembre

Présentant un appel de grands noms de la peinture, dont Sigmar Polke, Rosemary Trockel et Christopher Wool, « Machine Painting » s’ouvre sur Cellule qui explose (1983), la seule vidéo de Peter Halley. Une première animation par ordinateur, Cellule qui explose prolonge les expérimentations chromatiques qui définissent sa pratique picturale, mais cette fois à travers les pixels. Impression jet d’encre de Wolfgang Tillmans, 1988 Reimsépinglé sur le mur du fond de la galerie dans le style classique de Tillmans, incarne un artiste externalisant le contrôle de la machine. Un groupe de bougies allumées a été muté par des photocopies répétées jusqu’à ce que l’image se brise, créée autant par la machine que par l’artiste. L’œuvre de Christopher Kulendran Thomas est construite à partir d’un agrégat de peintures abstraites européennes d’après-guerre : le matériau source provient d’un réseau neuronal formé à l’histoire de l’art apporté par les colonisateurs britanniques dans son pays du Sri Lanka. On pourrait s’attendre à ce qu’une exposition de 2024 intitulée « Machine Painting » soit propulsée par l’afflux récent d’artistes travaillant avec l’intelligence artificielle. Cependant, j’étais heureux que l’art moderne ait adopté une approche différente, en se concentrant sur une véritable collaboration plutôt que sur une sous-traitance totale – un appel et une réponse entre la machine et la main de l’artiste.

Olivia Erlanger | Ouverture douce | 04 octobre – 23 novembre

« Fan Fiction », l’exposition personnelle d’Olivia Erlanger à Soft Opening, inspecte le système fermé de l’espace domestique et le désir humain insatiable de contrôler les microcosmes de nos maisons, le tout dans un contexte de banlieue américaine de classe moyenne. Dans le passé, Erlanger a utilisé des machines à laver et des palissades pour illustrer ces thèmes. Ici, le médium de l’artiste est le modeste ventilateur de plafond, offrant une illusion rafraîchissante mais, en réalité, ne faisant que déplacer l’air. Des ailes de papillon surdimensionnées remplacent les pales de quatre ventilateurs utilitaires, répartis symétriquement dans la galerie comme pour cartographier l’architecture de l’espace lui-même. Les ventilateurs ailés tournent – ​​assez lentement pour décevoir – ce qui ne fait que suggérer une fonctionnalité. Le court métrage Appareil (2024) recontextualise les sculptures comme des tueurs possibles : les appareils électroménagers sont les protagonistes de ce court métrage, où un soulèvement technologique inexpliqué hante la maison d’un pauvre banlieusard. La valeur de la production hollywoodienne de Appareil ne semble pas à sa place dans une galerie, mais je suppose que c’est le but. Erlanger est le marionnettiste, nous attirant avec une harmonie promise qui se transforme en absurdité sous nos yeux.

Jaspe Marsalis | Emalin, Holywell Lane | 26 septembre – 16 novembre

Une caméra capture les visages des visiteurs montant les escaliers de la galerie dans l’exposition personnelle de Jasper Marsalis « \m/ ». Ces images sont ensuite diffusées, étirées et sans vie, sur un mur LED à taille humaine (Visage 8tous travaux 2024). Ponctuant l’exposition, ces portraits non consensuels nous obligent à réfléchir sur notre propre position de spectateurs. Dans des œuvres sculpturales telles que MèreMarsalis présente les boules de bowling comme des globes oculaires percés de diverses pointes de bois, comme si la lumière frappant la rétine prenait une forme physique. Ce regard fracturé se poursuit dans Visage 6 et Visage 7dans lequel un emballage de tartelette aplatie ou une goutte de soudure interrompt le reflet du spectateur dans des panneaux de boules disco reconstituées. L’expérience personnelle de l’artiste sur scène en tant que musicien Slauson Malone 1 éclaire sans aucun doute cette production statique : voir et être vu fusionnent et l’attention fait la guerre à la distraction. Ne pas savoir où regarder ni quoi regarder en fait une exposition incongrue, distrayante, intrusive et l’une des meilleures de Marsalis à ce jour.

Tarek Lakhrissi | Nicoletti | 19 septembre – 02 octobre

L’origine de l’exposition « Spit » de Tarek Lakhrissi est un crime de haine dont l’artiste a été victime à la Paris Pride alors qu’il portait un drapeau palestinien. Pour l’agresseur, qui a craché sur l’artiste, l’étrangeté de Lakhrissi et son soutien à la Palestine étaient inconciliables. Dans « Spit », l’artiste transforme un geste extérieurement agressif en quelque chose d’érotique, avec l’éclat et la transparence de la salive comme motif récurrent. UN DÉSIR IMPOSSIBLE (toutes les œuvres 2024) se compose de deux langues de verre, de couleur et d’échelle étrangères, s’étendant du mur, se taquinant, trop éloignées pour pouvoir se toucher. Dominer l’espace, c’est Cette partie maléfique à l’intérieur de moi ritune sculpture de l’emoji du diable violet réinventée grandeur nature et avec des cils semblables à ceux d’une drag queen. Ici, l’artiste s’approprie et retravaille ce symbole pop-culturel pour brouiller les frontières entre mal et désir. Le public voit Lakhrissi traiter puissamment ses émotions et ses traumatismes à travers l’humour et l’érotisme, nous permettant d’envisager la possibilité que le poison puisse devenir son propre antidote.

Jack Whitten | Hauser et Wirth | 07 octobre – 21 décembre

Jack Whitten a écrit dans des notes inédites de 2016 : « La vitesse était l’essence même d’AB/EX. [abstract expressionism] et mon intention était de courir plus vite que [Willem] de Kooning ! Le rythme de Whitten est au premier plan dans « Speedchaser », une exposition de peintures, d’œuvres sur papier et de sculptures des années 1970. L’artiste a réalisé la série « Greek Alphabet » (1975-1978) en utilisant son « développeur », un râteau en bois de trois mètres et demi, pour appliquer la peinture sur la toile en un seul mouvement. Les gestes employés pour réaliser ces œuvres, notamment Groupe Gamma #1 (1976), n’a pris que quelques secondes. Whitten a sévèrement jugé sa propre production, et les toiles en grande partie monotones ici font partie de la petite fraction que l’artiste a jugée digne d’être exposée. Les œuvres sculpturales moins connues de Whitten illustrent son affection pour l’île grecque de Crète, où il passait ses étés. Le bois sculpté converge magistralement avec les os, les clous ou les lignes de pêche pour aborder les thèmes du lieu, de la mémoire et de la migration.

Yorgos Prinos | Roues chaudes | 04 octobre – 09 novembre

Têtes baissées et épaules affaissées, les neuf portraits d’hommes qui peuplent le mur principal de la galerie Hot Wheels dans l’exposition personnelle de Yorgos Prinos pourraient être endormis ou perdus dans la prière (« Prologue To A Prayer I – IX », 2024). Dans ces images, les téléphones des hommes anonymes sont leurs idoles et l’artiste les a capturés immergés dans leurs mondes numériques invisibles. Les sujets de Prinos – photographiés dans les métropoles du monde entier – représentent la masculinité contemporaine ; leurs expressions faciales et leur langage corporel sont une archive corporelle des conditions de nos villes. Confrontation (image de John Roca) (2003) est une photographie que je reconnais sur Internet : un tigre patte à la fenêtre de son appartement de Harlem, face à face avec un flic new-yorkais armé d’une arme à feu, descendant en rappel à l’extérieur. Ici, Prinos déploie cette image trouvée pour contextualiser les autres œuvres de l’exposition, suggérant que les citadins sont des animaux sauvages piégés dans des espaces confinés ; il est suspendu à une corde précaire, essayant de capturer cette condition.

^{Image principale : Tarek Lakhrissi, Cracher! (détail), 2024, fusain et crayon graphite sur papier, cadre métallique, 29 × 42 cm. Avec l’aimable autorisation : l’artiste et Nicoletti, Londres}