des œuvres à grande échelle de jeremy deller, oliver beer et bien d’autres se dévoilent à la biennale de lyon
la 17e édition de la Biennale de Lyon est là
La 17e Biennale de Lyon, qui se tiendra du 21 septembre 2024 au 5 janvier 2025, promet une réinvention audacieuse du premier événement d’art contemporain français. Sous le commissariat d’Alexia Fabre, directrice des Beaux-Arts de Paris, cette édition a pour thème Les voix des fleuves – Crossing the Water, explorant la fluidité des relations humaines et notre lien à l’environnement. Utilisant le Rhône comme métaphore des voies navigables interconnectées, la Biennale de Lyon exposition favorise l’unité et la collaboration, en impliquant plus de 15 territoires de la région métropolitaine de Lyon et d’Auvergne-Rhône-Alpes. En mettant l’accent sur l’implication de la communauté et sur de nouvelles voix artistiques, il invite les visiteurs à découvrir des œuvres spécifiques au site qui entrent en résonance avec les lieux, les histoires et les habitants de la région.
designboom a eu le plaisir de visiter l’édition 2024 de la Biennale de Lyon qui a présenté deux nouveaux lieux : Les Grandes Locos, un ancien complexe de bâtiments industriels utilisé comme centre de maintenance des trains SNCF au XXe siècle, et le site patrimonial du Grand Hôtel-Dieu, un ancien hôpital du XIIe siècle, organisé en
en lien avec la programmation de la Cité Internationale de la Gastronomie de Lyon. Parmi les artistes présentés dans les nouvelles et anciennes salles, citons Jeremy Deller, Oliver Beer, Nathan Coley, Mona Cara, Hans Schabus, Matthias Odin et bien d’autres.
à l’intérieur des Grandes Locos | image par Les ruelles de Jair
Grandes Locos — un symbole de force, de réparation et de protestation
Situées le long du Rhône, juste en aval de sa confluence avec la Saône, Les Grandes Locos est un complexe de bâtiments industriels s’étendant sur plusieurs dizaines d’hectares. Initialement inauguré en 1846 par la Compagnie des Hauts Fourneaux, Forges et Ateliers d’Oullins, le site est devenu au XXe siècle un centre de maintenance des trains de la SNCF. Ces usines, témoins de l’histoire ferroviaire française, ont été opérationnelles jusqu’en 2019 pour la maintenance des locomotives électriques et des pièces détachées. Aujourd’hui transformées en lieu culturel, elles accueillent la 17e Biennale de Lyon (en savoir plus) ici), où l’histoire du site résonnera à travers les œuvres des artistes, explorant les thèmes du voyage et du mouvement, de la réparation et de l’entretien, de la force collective et de la protestation.
« Les Grandes Locos illustrent le thème de la 17e édition de la Biennale, consacrée aux relations humaines. Les Grandes Locos, c’est en effet un lieu, un site particulier, un paysage même où la nature a repris ses droits et qui est imprégné de l’histoire humaine, celle du travail et de l’industrie. Nous sommes, après tout, dans les usines où les trains ont été fabriqués et réparés pendant de nombreuses années. Cette histoire est toujours présente. Elle se lit sur les sols et les murs de cette cathédrale moderne. » Alexia Fabre, commissaire invitée, partage. « Les artistes ont créé des œuvres et des univers qui interagissent avec l’architecture et l’esprit du lieu. Ces œuvres révèlent des traces de travail, des traces de travaux de réparation, mais aussi son histoire politique, car ce vaste lieu a également été un lieu de résistance pendant la Seconde Guerre mondiale et a toujours été un lieu d’activité. C’est un lieu qui nous rappelle la puissance du rassemblement et, à travers les œuvres créées par les artistes, il nous montre à quel point nous devenons plus forts lorsque nous travaillons ensemble, un peu comme la Seine et le Rhône qui se rejoignent au confluent. »
l’intérieur industriel du site Les Grandes Locos | image © designboom
Oliver Beer explore la résonance acoustique
À l’intérieur des structures industrielles, des installations à grande échelle de divers artistes du monde entier se déploient. Les visiteurs du nouveau site peuvent découvrir une vaste installation du compositeur et artiste pluridisciplinaire Oliver Beer, connu pour ses sculptures, installations, vidéos et performances live immersives qui révèlent les propriétés cachées et la musicalité des objets et des espaces.
Cette année, à la Biennale de Lyon, Beer présente The Resonance Project – The Cave, une exploration du phénomène acoustique de résonance, où les ondes sonores créées par les vibrations matérielles ou corporelles entraînent des oscillations. Le projet s’est adapté à des lieux divers, allant des égouts de Londres aux cages d’escalator du Centre Pompidou. Cependant, il intègre systématiquement la voix, le corps, l’architecture environnante et une partition spécialement composée pour mettre en valeur la fréquence naturelle du site. « Cela fait partie d’une série sur laquelle je travaille depuis de nombreuses années, où j’entre dans un espace architectural et je trouve la note qui le fera chanter pour vous », l’artiste explique. « Par cela, je veux dire que vous pouvez chanter une note particulière dans une pièce, et si cette note résonne parfaitement avec l’espace, elle se renforcera et vous chantera en retour exponentiellement plus fort que vous ne chantez (…) C’est une expérience surréaliste d’entendre votre voix venir des murs qui vous entourent, plutôt que de votre propre corps. »
Le projet Resonance – La grotte d’Oliver Beer | image de Jair Lanes
Bannières de protestation : la fusion de l’art et de l’activisme de Jeremy Deller
L’artiste britannique Jeremy Deller, connu pour son intérêt pour l’histoire sociale, la politique et la musique, a développé une pratique multidisciplinaire qui englobe l’art conceptuel, la performance, l’installation et la vidéo. Privilégiant la collaboration plutôt que le travail avec des objets, Deller rassemble des personnes d’horizons divers pour créer des rencontres, des objets et des événements, allant des festivals locaux aux archives documentaires en passant par les bannières politiques.
Depuis 2000, Deller collabore avec Ed Hall, créateur de banderoles syndicales, pour produire une série d’expressions visuelles contemporaines qui remettent en question la formation des identités, qu’elles soient individuelles, collectives, nationales ou marginales. Exposées à la Biennale, ces banderoles ont été créées à l’origine pour les espaces publics et présentent des messages qui trouvent un écho auprès d’un large public. Ces panneaux aux couleurs vives portent des slogans tels que More Poetry is Needed, Smoking Kills et Every Age Has Its Own Fascism. Grâce à leur utilisation de couleurs et de hauteurs variées, les banderoles évoquent l’énergie des défilés de rue et des parades de festivals. « J’aime les processions », Deller a déclaré. « En tant qu’êtres humains, il est dans notre ADN d’être instinctivement attirés par les grands événements publics qui nous rassemblent. » Les banderoles sont accompagnées de vidéos qui documentent des ateliers artistiques et des rassemblements politiques, mettant encore davantage en valeur l’installation.
Les bannières en tissu vibrantes de Jeremy Deller | image © designboom
Monument de Hans Schabus pour les personnes en déplacement
Les installations sculpturales et architecturales de Hans Schabus naissent d’un engagement profondément personnel envers les espaces d’exposition et leurs contextes. Il étudie l’interaction entre ses œuvres et leur environnement en employant des matériaux inattendus et en tirant le meilleur parti de circonstances non conventionnelles. Au moyen de techniques radicales telles que le creusement, le remplissage, le cerclage et la découpe, Schabus déconstruit et reconstruit les espaces, incitant les visiteurs à réévaluer leurs repères et leurs mouvements, acquérant ainsi une nouvelle perspective sur le site d’exposition.
À la Biennale, Schabus présente une sculpture en tunnel de bois intitulée Monument for People on the Move. « Mon travail porte sur le principe de se déplacer et de rester, d’être à un endroit et de se déplacer d’un endroit à un autre, ou de se déplacer sans avoir de destination. » dit l’artiste. « Elle reprend l’échelle d’un Airbus A321 (…) C’est en fait un énorme cylindre ou tube, et j’ai pensé que ce serait un bon élément pour ce grand espace. Je dirais que c’est une œuvre sur le mouvement et le contre-mouvement, sur le fait d’être à l’intérieur ou à l’extérieur. C’est une œuvre qui, d’une certaine manière, questionne l’identité et les relations entre les identités. Qui suis-je, et qui sommes-nous ? Comment sommes-nous connectés ? » Les deux éléments du projet de Schabus, l’avion et les tortues, interagissent harmonieusement, les tortues assurant la stabilité de l’ensemble de la structure. Les sculptures de reptiles symbolisent un mouvement lent et naturel, contrastant fortement avec le mouvement rapide de l’avion.
Monument pour les personnes en mouvement par Oliver Beer | image © designboom
Le cactus de Mona Cara est une tapisserie ludique de symboles et d’histoires
Mona Cara travaille à la croisée de la tapisserie et de la bande dessinée, créant des pièces textiles hybrides qui transforment le chaos du monde en une joyeuse apocalypse. Dans son exploration des possibilités picturales et sculpturales de la chaîne et de la trame, elle mêle l’artisanat traditionnel et manuel à des techniques industrielles comme le tissage jacquard, qui lui permettent de programmer des motifs complexes et des textures variées dans ses pièces. S’inspirant d’une gamme d’images pour enfants, Cara adopte une approche ludique et détournée dans ses œuvres tragi-comiques qui sondent les dysfonctionnements de la société contemporaine.
Pour la Biennale, Mona Cara a créé un cactus tissé vibrant mêlant une variété de symboles et de références ludiques.
« Mon travail consiste toujours à raconter une histoire. Et pour la Biennale de Lyon, cette histoire est une histoire collective qui se déroule dans une ville de cactus. Ici, j’ai voulu créer une interaction entre plein de personnages, inspirés de vraies personnes qui fréquentent toutes un café, le Café Vola, qui existe réellement (…) Cette pièce est le fruit d’un énorme travail collectif, impliquant le dessin, le tissage, la dentelle, la couture. Il y a eu beaucoup de discussions, et beaucoup de gens ont contribué à la création du cactus. Je dirais même des centaines de personnes », l’artiste mentionne. « Dans mon travail, on retrouve toutes sortes de références visuelles, toutes sortes d’iconographies. On y trouve des images de peintures classiques, mais aussi des jouets, des symboles et bien plus encore. Il y a toujours une possibilité de créer une histoire à partir de ces différentes idées, qui sont souvent ancrées dans la culture populaire. »
Le cactus tressé de Mona Cara | image © designboom
La Biennale conserve également son site historique, le Musée d’Art Contemporain de Lyon, aux côtés d’autres lieux familiers : le Musée des Beaux-Arts de Lyon, la Fondation Bullukian et l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne. L’événement se déroule également dans deux espaces publics insolites, le parking lyonnais LPA Saint Antoine et la station de métro de Lyon. La directrice artistique Isabelle Bertolotti explique que l’utilisation de ces deux lieux inattendus est « une opportunité de montrer l’œuvre dans d’autres contextes et surtout, gratuitement, à un public très large ». Cette année, l’événement se déroule également au Musée gallo-romain de Saint-Romain-en-Gal, où des pièces contemporaines sont présentées au sein de l’exposition permanente.
image de Jair Lanes
image © designboom
