« Ils ont fait un travail fantastique » : comment l’exposition à succès de Vincent Van Gogh à Londres redéfinit les mythes | Vincent van Gogh

VLe talent non-conformiste de Van Gogh l’a placé au centre de la culture européenne depuis plus d’un siècle. Ses œuvres font la une des journaux lorsqu’elles sont vendues, depuis le record de 27 millions de livres sterling pour ses Iris chez Sotheby’s en 1987, jusqu’au battage médiatique prévu ce mois-ci à Hong Kong, où Christie’s va se rendre ce week-end. vendre aux enchères sa scène au bord de la rivière, Bateaux amarréspeint deux ans plus tôt, pour un montant estimé entre 30 et 50 millions de dollars – ce qui constitue probablement un record pour les œuvres de sa période parisienne ultérieure.

Les représentations spectaculaires de choses simples – plantes, arbres, meubles et visages – par l’artiste néerlandais sont des emblèmes internationaux de la valeur que nous accordons à l’art. À tel point que le célèbre tournesol peint en 1888 à la National Gallery de Londres a été délibérément pris pour cible l’année dernière par les militants écologistes de Just Stop Oil, qui lui ont lancé le contenu d’une boîte de soupe.

Les fleurs jaunes, heureusement protégées par le verre, fleurissent malgré tout et prennent ce week-end la place qui leur revient aux côtés de deux autres Van Gogh : un portrait d’une figure maternelle, La Berceuseet un autre vase de tournesols de 1889, prêté par le Philadelphia Museum of Art. Le peintre avait toujours eu l’intention de les exposer ensemble et aujourd’hui, grâce à la nouvelle exposition exceptionnelle de la National Gallery, Van Gogh: Poets and Lovers, ils sont réunis pour la première fois depuis leur création dans l’atelier de l’artiste dans le sud de la France. Cette fois-ci, cependant, comme le souligne Martin Bailey, expert de Van Gogh, ils apparaissent dans des « cadres fantaisie ».

« Les conservateurs ont fait un travail fantastique pour obtenir tous ces prêts, qui comprennent des chefs-d’œuvre majeurs, tels que La chambre à coucher et La Maison Jaune. Ils auront dû se battre pour chacun d’entre eux », explique Bailey, qui blogue pour le Journal d’art.

« Les expositions prennent souvent les choses de manière chronologique, en suivant l’évolution d’un artiste, mais ici se mêlent les peintures d’Arles et celles du séjour de Van Gogh dans un asile voisin à Saint-Rémy.

« Ils veulent qu’on se concentre sur la peinture et qu’on mette les mythes de côté. »

L’exposition, qui marque à la fois les 200 ans de la National Gallery et les 100 ans de l’arrivée de Van Gogh Tournesolsouvre au public et est pré-étiqueté comme un « blockbuster » ; le genre d’attraction incontournable dont rêvent les directeurs de musée. C’est aussi un terme qui a quelques connotations malheureuses, notamment celle de la pensée commerciale prudente.

Mais Cornelia Homburg, commissaire invitée et spécialiste renommée de Van Gogh, est bien armée pour contrer ces critiques. Elle est claire sur l’objectif de l’exposition, qui présente 61 œuvres spectaculaires, dont certaines des plus vénérées et rarement, voire jamais, prêtées. « Nous voulons montrer l’artiste plutôt que son âme torturée », explique-t-elle. « Bien sûr, notre intérêt est renforcé par ce que nous comprenons de sa vie difficile. »

Homburg admet qu’il existe un lien entre la souffrance de Van Gogh et son art, mais souligne qu’il ne s’agit pas de la même chose. La justification principale du « blockbuster » sur lequel elle travaille avec Christopher Riopelle depuis début 2019 est son « postulat solide ».

« Nous avions besoin d’un angle qui signifie quelque chose », dit-elle, « et le temps que Van Gogh a passé dans le sud de la France est le moment de maturité créative où il a vraiment réfléchi à la manière de devenir un artiste moderne. »

L’exposition remet donc en question ce que nous savons, mais pas ce que nous aimons chez le peintre. Elle actualise l’idée répandue selon laquelle il était peu apprécié à son époque et qu’il s’efforçait, de manière presque thérapeutique, d’exprimer sa psyché troublée sur la toile.

Comme le souligne Homburg, s’il est vrai que l’artiste était à la fois pauvre et malade mental, il jouissait du respect des autres artistes et s’accrochait à une forte confiance en son futur public. « Il pensait à son public et à l’impact qu’il aurait. Tout était délibéré et planifié », dit-elle.

« Il savait qu’il ne serait peut-être pas bien compris à son époque, mais il croyait que dans 100 ans, il le serait. Il changeait ce qu’il voyait quand il peignait pour le rendre plus expressif, mais pas pour exprimer ses propres sentiments. C’était totalement intentionnel. »

Ainsi, si nous ressentons un traumatisme et une mélancolie dans son bosquet tortueux de troncs d’oliviers, ou dans un paysage de ciel tourbillonnant, c’est parce que Van Gogh le voulait, soutient Homburg, et non parce qu’il ressentait cela lui-même.

Bailey est d’accord : « Il est tentant de lire des significations dans les peintures, mais c’est une erreur. Il y en a quelques-unes provenant de l’asile où l’on pourrait dire que l’on y voit l’effet d’une lutte mentale. Cette exposition a délibérément évité ces peintures. »

Le titre choisi par la galerie, Poètes et amants, Le terme « portrait » fait référence à la distribution des personnages et aux décors changeants que Van Gogh crée, jouant avec la couleur pour modifier les visages et les paysages réels. Les visiteurs découvrent d’abord deux portraits, celui d’un amant en uniforme, puis celui d’un poète, imaginé à partir du visage d’un ami peintre, et orné du firmament d’étoiles qui représentent les rêves de Van Gogh.

Dans le tableau original représentant la chambre de l’artiste à Arles, ces deux portraits sont accrochés au-dessus de son lit. Mais dans une seconde version, celle exposée à Londres, Van Gogh remplace de manière romantique ces œuvres par un Autoportraitégalement présents dans l’exposition, et un tableau représentant une femme mystérieuse.

Plus tard dans l’exposition, les visiteurs rencontrent un membre moins familier du dramatis personae de Van Gogh dans le film de 1888 Portrait d’un paysanqui réinvente un vieux jardinier en archétype rural. L’œuvre n’a jamais été prêtée auparavant à une institution britannique par la Norton Simon Collection de Pasadena.

Il s’agit d’un spectacle qui donne clairement l’impression que Van Gogh parlait toujours à son public – et même le divertissait.