Tintoretto: un peintre "colossal" arrive en Amérique après 500 ans

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La Cène, vers 1563/1564

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La Cène, vers 1563/1564

Cela a pris 500 ans, mais Tintoretto, l'un des grands maîtres de la Renaissance et un géant de l'art européen, a finalement fait ses débuts aux États-Unis.

Pour la première fois, certaines de ses plus belles peintures présentées à la National Gallery of Art de Washington ont été réunies sous un même toit pour célébrer une grande exposition célébrant l'année de naissance approximative de l'artiste – vers 1518 ou 1519.

Certaines œuvres de l'exposition n'ont jamais quitté Venise, où Tintoretto a vécu et travaillé pendant 75 ans. D'autres ne pouvaient pas être accueillis parce qu'ils étaient trop grands pour passer à travers les portes de la galerie ou trop fragiles pour voyager.

"Le Tintoret a travaillé à très grande échelle", a déclaré Frederick Ilchman, co-commissaire de l'exposition. "Il avait l'ambition de couvrir tous les murs de son lieu de naissance et il a vraiment pensé grand." Pour lui, il était urgent de transmettre l'urgence de faire les choses à une échelle colossale. "

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Co-commissaires Robert Echols (à gauche) et Frederick Ilchman

Son vrai nom était Jacopo Robusti – il prit le surnom de Tintoretto, qui signifie "le petit teinturier". Il était un pionnier dans le nouveau format de l'époque – huile sur toile.

Il était un innovateur à la recherche constante de nouvelles façons de donner vie à la mythologie biblique et classique. Le drame était plus important pour lui qu'une graduation en douceur.

Les peintures à l'huile à texture rugueuse ont permis aux artistes d'expérimenter la taille et la texture. Et au lieu d'aller voir les œuvres d'art sur le terrain, les toiles, même les plus grandes, pourraient être enroulées et expédiées dans le monde entier.

Pour faire avancer le récit de ses images, il a utilisé la figure humaine – principalement musculaire et souvent sortie de la vie. Ils guident le regard du spectateur à travers des scènes complexes de gestes et de poses dramatiques, parfois de manière surprenante.

"Il veut que vous ayez l'air plus dur", dit M. Ilkman. "Tu prends quelque chose de plus sérieux si tu ne peux pas tout comprendre tout de suite, et on a envie de participer au processus, comme s'il avait pensé au sujet avant de commencer à peindre."

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Saint Georges et le dragon, peint vers 1560, est l’une de ses œuvres les plus célèbres et montre l’ampleur de ses expériences.

Lorsque St. George tue l'animal à l'arrière-plan, c'est la princesse, et non le héros, qui attire notre attention. Elle court vers nous, semble avoir sauté de l'écran, son manteau violet sonnant derrière elle. La lumière étrange augmente la tension.

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Saint Georges et le dragon

Et tandis que de nombreux artistes ont dépeint avec dignité et retenue l'histoire biblique de la Dernière Cène, les disciples du Tintoret sont clairement choqués et choqués d'apprendre que l'un d'eux trahira Jésus le matin.

Dans sa version la plus célèbre de The Last Supper (1563/1564), ils utilisent les informations ou se penchent pour écouter de plus près. Une chaise est renversée, tandis qu'un chat gris tigré semble utiliser cette confusion pour renifler un bol de nourriture par terre.

Tintoretto a également été très productif et a dirigé un atelier pour faire ressortir ses images afin de suivre le rythme des missions. Au 16ème siècle, Venise était un centre commercial et créatif pour les artistes, y compris son grand rival Titian.

"Tizian – 30 ans de plus – voulait vraiment bloquer le Tintoret chaque fois que c'était possible, mais le Tintoret n'a pas produit de spécialités à partir de peintures religieuses très grand format, ce que Titien avait l'habitude de dépasser l'âge moyen", explique M. Ilchman.

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Avec autant de grands kahunas du Tintoret, on peut facilement oublier ses portraits, qui sont regroupés sur un mur.

"Ses peintures narratives sont dynamiques, elles inondent et s'étendent, ses portraits sont à l'intérieur, réduits", explique le co-conservateur Robert Echols. "On ne croirait jamais vraiment que c'était le même artiste."

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La Vierge et l'Enfant avec les Saints du Tintoret "

Cependant, les portraits de Tintoret comptent parmi les meilleurs du XVIe siècle et inspirèrent par la suite des artistes tels que Rubens, Rembrandt et Velasquez.

"Les gardes du Tintoret vous regardent droit dans les yeux, on dirait qu'ils viennent de vous voir, ce qui leur donne une impression très contemporaine, et ils ont l'impression d'être ceux que vous connaissez aujourd'hui, marchant dans les rues de Venise allez, vous reconnaîtrez peut-être l’une de ces personnes, "dit M. Echols.

Le Tintoret était particulièrement doué pour peindre des vieillards, car il y en avait beaucoup à Venise.

L'un des portraits, l'homme à la barbe rousse (vers 1548), a récemment été identifié comme une œuvre du Tintoret et sera exposé pour la première fois.

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Une femme examine le portrait d'une veuve de l'artiste

L'un des tableaux les plus spectaculaires de la National Gallery of Art est la vision du paradis par Tintoret (Paradiso, modello c 1583).

Il faisait plus de cinq mètres de long et correspondait à une énorme carte de visite lorsqu'il a téléphoné avant un contrat pour un tableau du Palais des Doges, le plus important bâtiment gouvernemental de Venise.

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Paradiso, Modello, vers 1583

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Paradiso est considéré comme un dessin à l'huile, qui est utilisé pour la peinture d'un palais plus grand.

Contrairement à la pièce murale finie, cette "esquisse" monumentale à l'huile est entièrement tenue dans sa main et constitue un soulèvement de figures et de mouvements qui entourent le Christ et couronnent sa mère, Marie, en tant que reine de cœur. Les critiques modernes l'aiment beaucoup plus que la version finale.

En recherchant et en assemblant le travail de cette exposition, Ilchman et Echols en ont découvert plus sur le mode de fonctionnement du Tintoret.

De nombreux tableaux ont été restaurés pour l'anniversaire grâce à un don d'un million de dollars de Save Venice, une organisation dédiée à la préservation de l'art et de l'architecture de la ville.

Les rayons X et la réflectographie infrarouge ont permis aux conservateurs de regarder sous les couches de couleur supérieures pour voir comment Tintoretto traçait ses compositions.

Il utilisait souvent une grille pour transférer un petit dessin sur un grand écran, contrecarrant ainsi l’idée qu’il était imprudent et arbitraire. Son autoportrait (1546/1548) donne cette impression avec ses cheveux indisciplinés et son regard conflictuel.

Les conservateurs ont également beaucoup appris sur les pigments utilisés.

"De nombreuses peintures, surtout au cours de ses dernières années, étaient plutôt marron et sombres, une sorte de palette monochromatique, comme s'il devenait intentionnellement plus sombre dans son art postérieur qu'il ne s'approchait de la mort", explique Ilkman.

Mais Tintoretto, mort de fièvre en 1594, n'était peut-être pas aussi déprimé par les pensées de sa propre mortalité que les critiques l'avaient imaginé à l'origine.

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"Au lieu de cela, il s'avère que beaucoup de ces paysages ont été d'un vert luxuriant, c'est simplement que le pigment, le minéral, a changé au fil du temps au contact du pétrole, c'est un peu trompeur."

Cela suggère que deux grandes toiles de la Vierge Marie, qui lisaient et méditaient (1582/1583) – jamais montrées en dehors de l'Italie – étaient beaucoup plus vivantes qu'aujourd'hui, avec un ciel bleu éclatant et des paysages plus verts.

Les visiteurs de Venise peuvent toujours voir la meilleure collection d'œuvres du Tintoret dans la Grande Scuola de San Rocco, siège d'une fraternité charitable ou d'une guilde incluant le Tintoret.

"Mais à l'exception de ce bâtiment", dit Ilkman. "Je dirais que cet ensemble de galeries ici à la National Gallery of Art montre vraiment le meilleur de cet artiste et explique pourquoi il a encore le poing des siècles plus tard."

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