Suchitra Mattai utilise des tapisseries vibrantes pour créer de nouvelles histoires

Alors qu’elle était encore lycéenne à Metuchen, dans le New Jersey, Suchitra Mattai s’est retrouvée intriguée par un cours d’histoire qu’elle suivait. Le cours s’intitulait Histoire du monde, mais malgré son nom, il portait clairement sur l’Occident et non sur le monde entier. Des années plus tard, elle s’est rendu compte qu’elle avait rencontré une « lacune manifestement absurde » dans le programme du cours.

Née en Guyane de parents d’origine indienne, Mattai a été confrontée à une situation similaire au cours des années précédentes, lorsque sa famille vivait au Canada. Les professeurs enseignaient principalement l’histoire européenne et américaine, avec des unités occasionnelles sur l’Asie et l’Afrique. Cependant, sa famille l’a exposée aux contes populaires et aux histoires de l’Inde, où sont nés ses arrière-grands-parents. Elle a déterminé qu’elle comblerait les lacunes des histoires qui lui étaient enseignées à l’école.

Mattai, 51 ans, a depuis poursuivi ce projet avec son art, dans lequel des saris vintage richement colorés, des tissus, du fil à broder, des points d’aiguille vintage, des perles, des vidéos et des objets trouvés comme des bijoux se combinent dans des œuvres explorant le genre, le travail, la migration, le colonialisme et ce que signifie appartenir à une communauté.

L’artiste « s’appuie sur des techniques et des traditions qui existent depuis de nombreux siècles, mais en même temps elle trace sa propre voie », a déclaré Hannah Shambroom, conservatrice adjointe au National Museum of Women in the Arts de Washington, DC. ARTactualités. « Elle invente ses propres techniques pour tisser ces tapisseries à très grande échelle, puis elle utilise des matériaux provenant d’autres décennies et générations. »

« Je suis convaincu que l’examen des histoires orales et de l’histoire matérielle est le moyen le plus efficace de raconter ces histoires », a déclaré Mattai. Elle a ajouté que les saris qu’elle utilise « portent déjà le corps de ces personnes écrit dessus, [connecting their] des histoires et des odeurs.

Chant des sirènes (2022), une œuvre de l’enquête actuelle de Mattai au Musée national des femmes dans les arts, est une installation composée de saris et de tissus vintage ; au plafond, une projection de l’océan Atlantique filmée par l’artiste. Les tapisseries pendent d’en haut, créant un intérieur semblable à un ventre dans lequel on peut entrer. L’œuvre reflète le parcours des ancêtres de Mattai, qui ont émigré de l’Inde vers la Guyane en tant que travailleurs sous contrat au 19e siècle pour travailler dans les plantations de canne à sucre après la fin de l’esclavage pendant la domination coloniale britannique.

« J’ai pu traverser, bizarrement à bord d’un bateau, en suivant en quelque sorte les traces de mes ancêtres. J’ai traversé tout le chemin depuis l’Inde jusqu’au Brésil et ce chemin est le [one I believe] mes ancêtres auraient été enlevés », se souvient Mattai. « Et je me souviens que lors de ce voyage, j’avais été tellement frappé par les vastes eaux, par l’inconnu, mais aussi par le fait d’être de plus en plus éloigné du passé. Je pouvais y ressentir une énergie vraiment écrasante.

Son exposition à DC – l’une des quatre expositions institutionnelles américaines de Mattai à ouvrir au cours des six derniers mois – présente 40 de ses installations textiles à grande échelle et ses œuvres multimédias, et associe ces œuvres à des œuvres d’art d’autres personnes originaires d’Asie du Sud et d’Europe. réalisé entre le XVIIIe et le XXe siècle. L’artiste a déclaré que l’idée était de contextualiser son art et de créer de nouvelles histoires, en plaçant les peintures miniatures indiennes dans les mêmes galeries que les sculptures de Louise Bourgeois. Le spectacle est sa façon de « défaire ce que nous savons [and] créer un espace où peuvent être établis ces liens qui ne sont pas habituellement établis.

Née en Guyane en 1973, Mattai et sa famille ont émigré de ce pays d’Amérique du Sud alors qu’elle avait trois ans et demi. Sa famille a déménagé à l’étranger pour que son père puisse poursuivre ses études supérieures, d’abord à Wolfville, en Nouvelle-Écosse, puis à Halifax, au Canada. La famille a ensuite immigré aux États-Unis lorsque Mattai avait 10 ans.

À la fin de son adolescence, elle a commencé à faire des recherches sur l’art indien parce qu’elle « voulait se connecter à son passé ». Mattai savait qu’elle avait toujours voulu être artiste, mais en tant qu’enfant d’immigrants, une carrière dans les arts n’était pas considérée comme une option viable. Parce qu’elle devait d’abord satisfaire les souhaits de sa famille, il lui a fallu « un certain temps » pour devenir artiste. Pour réaliser ce souhait, elle a fréquenté l’Université Rutgers dans le New Jersey en tant qu’étudiante de premier cycle, avec une spécialisation en statistiques. Elle a étudié l’art, mais n’a jamais terminé les cours nécessaires pour déclarer l’art comme sa spécialité.

«Je savais que je n’allais pas utiliser les statistiques [degree]. C’était une question de peur. Être un artiste demande beaucoup de courage », a déclaré Mattai. «Et je n’avais pas de modèles artistes. Quand j’avais 20 ans, je ne voyais pas de personnes de couleur dans les musées et les galeries, donc je n’avais pas l’impression que je pouvais exercer cette profession. »

Elle a continué en poursuivant un doctorat en études sud-asiatiques, avec une spécialisation sur l’art contemporain sud-asiatique, à l’Université de Pennsylvanie parce qu’elle pensait que cela lui permettrait d’écrire sur des idées dans le domaine et parce que « le monde universitaire laisse de la place à d’autres voix ». aussi », a-t-elle déclaré. Après sa troisième année, elle s’est rendu compte qu’elle n’était « pas au bon endroit » et a décidé de quitter le programme pour « poursuivre mon amour de toujours » : devenir une artiste pratiquante. (Néanmoins, elle a rempli les conditions requises pour recevoir une maîtrise.)

Cela marque le début de sa carrière d’artiste, principalement de peintre. Ses premières tentatives pour incorporer la broderie dans son travail n’ont pas été bien accueillies. Cela a conduit à ce qu’elle appelle « une longue sorte de pause » dans sa pratique – et, plus tard, une « renaissance » il y a huit ans. Cette dernière est née d’une décision de se débarrasser des traditions occidentales et de suivre son « intuition dans la manière dont ma famille fonctionnerait ». L’artiste a commencé à utiliser la couture, le tissage, la broderie et d’autres techniques textiles qu’elle a apprises de ses grands-mères. À l’époque, elle vivait à Denver. Être dans cette ville du Colorado, en dehors des centres d’art de New York et de Los Angeles, était un avantage, dit-elle, car cela lui donnait la liberté d’explorer et d’expérimenter sans la pression de se conformer à la mode.

Durant cette période, Mattai a commencé à broder et à crocheter des pièces destinées à célébrer la résilience des femmes et les rôles qu’elles jouent dans la sphère domestique, qui sont souvent négligés. Elle a pensé à sa grand-mère analphabète, qui travaillait dans les rizières et s’est mariée à 14 ans, et a décidé de raconter des histoires sur sa patrie ancestrale à l’aide d’objets trouvés et de saris autrefois portés par les femmes en Inde et dans sa diaspora.

En 2018, Mattai a participé à la Biennale de Sharjah aux Émirats arabes unis, qui lui a demandé de créer sa plus grande installation à ce jour. Le travail comprenait des tapisseries sari à grande échelle, une vidéo de murs frontaliers et un manège vintage en rotation.

Elle a continué à travailler à grande échelle, produisant des œuvres comme celle de 2024 elle s’est levée (d’une mare de larmes)qui figure dans son exposition DC. La sculpture s’inspire des membres de sa famille qui dansaient, dont deux de ses sœurs. (Mattai a déclaré qu’elle avait également étudié la danse classique, mais qu’elle « était tout simplement terrible ».) À l’aide de saris tressés, l’artiste a sculpté une danseuse grandeur nature basée sur le Bharatanatyam, une forme de danse classique indienne. La danseuse est « entre deux poses, passant d’une pose ancrée dans la tradition à une de ses propres créations », a déclaré Mattai. « C’est en fait une nouvelle direction pour moi en termes de sculpture figurative, ce que je n’avais jamais fait auparavant. »

L’exposition comprend également le travail spécifique au site, une transe yakshi II, 2024qui présente des moulages en plâtre et en sel de yakshis indiens antiques, ou des figures associées à la fertilité et à la prospérité. Mattai a enroulé ses yakshis autour des colonnes des galeries du musée.

Ces œuvres côtoient des objets comme le livre de 1856 La grammaire de l’ornement par l’architecte et designer britannique Owen Jones. Le livre contient des propos sur le monde non occidental, notamment en classant certains ornements d’Afrique comme appartenant à des « tribus sauvages », ce que l’artiste a décrit comme « peu surprenant mais très déconcertant ». Ici, Mattai utilise des pages du livre comme matériaux de collage dans des pièces comprenant espace sûr, 2021, le jardin, 2022 et une femme que nous n’avons jamais connue mais aimée quand même, 2024 pour partager différents récits et histoires. « Déconstruire et retravailler les pages est un acte postcolonial », explique-t-elle.

L’artiste « ré-envisage notre façon de voir le monde » [and] dont les histoires sont racontées », a déclaré Shambroom, qui a organisé l’exposition de Mattai « Mythe de la matière » au Musée national des femmes dans les arts, ajoutant que l’artiste « crée ces nouvelles histoires, ces nouvelles histoires et cette façon alternative de voir ».

Mattai a déclaré : « C’est l’aspect principal de ma pratique de partager ces histoires et d’explorer les différentes manières de le faire. »