« The Streetcar Project », une production simple de « A Streetcar Named Desire » de Tennessee Williams, a traversé la ville la semaine dernière. Le premier arrêt était un hangar d’avions à l’Est de Los Angeles, suivi d’un entrepôt à Venise.
J’ai assisté au spectacle à Venise vendredi, après qu’un cauchemar de circulation m’a empêché de le voir plus tôt dans la semaine à Frogtown. La production, co-créée par Lucy Owen, qui joue Blanche DuBois, et le réalisateur Nick Westrate, employait un casting de quatre personnes. Il n’y avait aucun accessoire ni décor (à l’exception de quelques chaises pliantes et d’un éclairage de base). Les costumes semblaient sortis des placards des acteurs. Quelques effets sonores (un tramway qui crépite, des chats de gouttière rauques) et quelques musiques d’époque ont étoffé le monde environnant.
L’accent était mis sur les paroles de Williams. Parfois, les acteurs prononçaient leurs répliques depuis des coins obscurs de l’aire de jeu caverneuse. Je me retrouvais parfois à fermer les yeux et à écouter attentivement, comme si j’écoutais une série radiophonique. La production, conçue pour être jouée dans des espaces alternatifs, cherchait à nous faire réentendre la pièce.
La plupart du temps, bien sûr, les acteurs étaient au premier plan. Leurs apparitions, à l’exception de Mitch, suggéraient à quoi pourrait ressembler le personnage dans un film amateur. La Blanche d’Owen, battue par la vie, semblait avoir désespérément besoin d’une bonne nuit de sommeil. Le costaud Stanley de Brad Koed semblait avoir rampé sous une voiture en panne.
La simplicité de Stella de Mallory Portnoy était incarnée par la façon dont elle menottait son jean. Le seul joker était « Mitch » de James Russell (comme Harold Mitchell est connu de ses amis), une version plus maigre et moins maladroite du personnage.
Russell a été appelé à servir de joueur utilitaire, alors peut-être valait-il mieux qu’il ne soit pas une réplique du lourd Mitch que nous attendons du portrait mémorable de Karl Malden. Koed n’était d’ailleurs pas Marlon Brando. Mais il était plus proche du vendeur de pièces détachées d’usine polono-américain que des types plus glamour d’Hollywood s’efforçant d’être à la hauteur de l’archétype masculin de Brando.
Peu de classiques contemporains ont été aussi définis que « Streetcar » par sa production originale. Elia Kazan, qui a réalisé la première à Broadway et l’adaptation cinématographique qui a suivi, a inauguré une nouvelle ère du jeu d’acteur américain avec le drame de Williams.
Brando, Malden et Kim Hunter, qui jouaient Stella, ont repris leurs performances à Broadway à l’écran. Le seul changement important dans le casting a été Vivien Leigh en remplacement de Jessica Tandy dans le rôle de Blanche. Ce changement visait en partie à modifier l’équilibre dramatique des pouvoirs entre Stanley et Blanche. (À Broadway, le public a été tellement séduit par Brando que certains ont supposé qu’il était censé être le héros de « Streetcar » et non l’antagoniste brutal de la pièce.)
J’ai apprécié l’opportunité de revivre la pièce, même si je ne suis pas convaincu par cette production que « Streetcar » soit le chef-d’œuvre éternel qu’il est largement considéré comme étant. Je réalise qu’il s’agit d’une hérésie, mais je pense qu’il est important de reconnaître l’étrangeté irréductible du drame.
Lucy Owen dans le rôle de Blanche et Mallory Portnoy dans le rôle de Stella dans la production de « The Streetcar Project » de « A Streetcar Named Desire ».
(Murs Trimble)
C’est l’histoire d’une professeur d’anglais de lycée culpabilisée qui, après son rôle dans le suicide de son mari gay, est devenue une paria sexuelle. Elle a été expulsée de sa résidence hôtelière à cause de ses rendez-vous nocturnes et a été jugée moralement inapte à enseigner après une liaison avec un garçon de 17 ans. Considérée comme une nymphomane, une prédatrice d’enfants et un huard, elle n’a eu d’autre choix que de se réfugier dans l’appartement exigu et délabré de sa sœur, Stella, à la Nouvelle-Orléans, qui a sagement échappé à Belle Reve, la plantation DuBois qui a été perdue avec la famille. dernier lien restant avec la noblesse du Sud.
Mariée à Stanley, un homme aux appétits charnels et aux manières vulgaires, Stella a embrassé les plaisirs bruts du réalisme, tandis que sa sœur parasite s’accroche toujours à des illusions aristocratiques en lambeaux. L’affrontement entre l’esthétisme peu pratique de Blanche et le pragmatisme impitoyable de Stanley est au cœur de ce drame typiquement américain. Westrate, cependant, s’intéresse moins à la signification allégorique de cette bataille qu’à la dynamique interpersonnelle des combattants.
La production était déterminée à rendre la situation dramatique et les personnages crédibles pour un public du 21e siècle. Mais ce faisant, la pièce ne peut s’empêcher de révéler son âge.
Williams écrivait dans un langage qui lui était propre. Les approches plus stylisées des renaissances traditionnelles du « tramway » ne sont pas seulement frivoles. Williams met les metteurs en scène au défi de répondre à sa poésie sans perdre de vue le caractère terreux de la pièce. Les personnages doivent être plus grands que nature et l’un d’entre nous.
Même si les scènes sont souvent jouées en musique, la mise en scène de Westrate manque d’un certain lyrisme. Lorsque des éléments plus théâtraux entrent en jeu – comme la dame aux fleurs mexicaine criant « Flores para los Muertos » – la mise en scène semble presque envahie par une sensibilité étrangère. L’humour, partie intégrante de l’arsenal flamboyant du dramaturge, manque également. Dans la scène finale, le mélange de voix secondaires, réparties entre les acteurs, crée un carambolage déroutant.
Le manque de sentimentalité était admirable. La Blanche débraillée d’Owen, trop épuisée pour suivre ses propres mensonges, semblait complice de sa propre disparition. Le Stanley de Koed, plein de griefs de classe, avait d’emblée un regard vengeur. Stella de Portnoy aimait clairement Blanche mais ne semblait pas beaucoup l’aimer. Le Mitch de Russell était aussi en contact avec ses besoins animaux qu’avec son inquiétude coupable pour sa mère malade.
La véritable compensation de ce « Tramway » était la façon dont le langage était traduit par les acteurs en un discours au son naturel. Chaque interprète a fait en sorte que le dialogue soit fidèle aux mœurs contemporaines. L’authenticité qui en résulte a passé le test de vraisemblance avec brio. Mais Williams, comme Blanche, veut de la magie, pas le réalisme des séries télévisées d’aujourd’hui.
« Streetcar » est peut-être la pièce la plus excitante et même hypnotique de Williams, mais je ne suis pas sûr que ce soit sa meilleure. (Je préfère « La Ménagerie de verre ». Le critique de théâtre Gordon Rogoff a un jour fait l’observation astucieuse que Williams était toujours meilleur dans l’écriture de scènes que dans la construction de drames fluides et que son véritable don était peut-être celui de « peintre pointilliste aux portraits chatoyants ».
C’est assez de génie pour n’importe quel écrivain, mais Williams va plus loin en offrant aux acteurs l’opportunité d’incarner sa poésie intérieure. Il donne également aux metteurs en scène l’occasion de prouver que le théâtre peut simultanément capturer les niveaux transpirants et symboliques de nos vies.
La simplicité de la production a permis d’éliminer les clichés accumulés autour de la pièce au fil des décennies. Mais cela nous a également rappelé que le naturalisme n’est qu’un fil dans le tissu multicolore de l’écriture dramatique de Williams.