LONDRES – Sonia Boyce a l’habitude de briser les murs.

Le mois dernier, elle est devenue la première artiste noire à représenter la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise, la plus ancienne exposition d’art internationale au monde. Le travail qu’elle a présenté dans le pavillon britannique a remporté le premier prix, le Lion d’or. Six ans auparavant, elle avait été la première femme noire britannique à être élue à la prestigieuse Royal Academy of Arts du pays.

Pourtant, le cheminement de carrière de Boyce a été tout sauf une ligne droite. Les percées passées ont été suivies d’années d’oubli, comme lorsqu’elle est devenue la première femme noire britannique à entrer dans les collections du musée Tate en 1987, puis a disparu des projecteurs. Elle a fait de l’invisibilité et de l’amnésie culturelle le centre de son art. Son pavillon de Venise – une installation de sons, de vidéos et de souvenirs – est consacré à l’effacement des chanteuses britanniques noires du passé.

Même son Lion d’Or s’inscrit dans sa pratique. C’est un rappel de l’invisibilité subie par des générations d’artistes qui n’étaient ni blancs ni masculins et qui n’ont pas été reconnus.

Ainsi, comme elle l’a dit dans une récente interview, elle accueille le trophée avec un mélange de gratitude et de circonspection.

“Il semble presque ridicule qu’il faille entrer dans le 21e siècle pour qu’une artiste noire britannique soit invitée à faire Venise”, a déclaré Boyce, assise dans son studio ensoleillé du sud de Londres. Le studio portait des traces de son installation gagnante : paillettes, contreplaqué, papier peint et disques vinyles à prix réduits de chanteuses noires.

“Être la première suggère qu’il n’y avait pas de place pour quelqu’un comme moi auparavant”, a-t-elle déclaré, ajoutant qu’elle espérait que sa victoire à Venise n’était pas simplement “une sorte de blip” et que “la porte reste ouverte pour plus passer. »

“Feeling Her Way”, l’œuvre présentée à Venise (jusqu’au 27 novembre), est un hommage aux chanteuses britanniques oubliées d’origine africaine, caribéenne et asiatique. Une cacophonie de sons flotte dans le pavillon alors que quatre chanteuses chantent, sifflent, fredonnent et gémissent sur des écrans vidéo. Les écrans sont suspendus dans des pièces tapissées de papier peint en mosaïque; disposés dans tout le pavillon sont des objets géométriques dorés basés sur la forme de la pyrite, un minéral également connu sous le terme de l’époque coloniale “l’or des fous”. Dans une galerie, les chanteurs noirs britanniques du passé sont rappelés à travers une exposition de pochettes d’albums (avec des étiquettes de prix réduites), de cassettes et de souvenirs.

“Différentes voix essayant de négocier l’espace dans lequel elles se trouvent”, a déclaré Boyce : “C’est l’essence de ma pratique.”

Boyce a rappelé que “Feeling Her Way” est né d’un projet de 1999 à Liverpool, en Angleterre, dans lequel des artistes ont coproduit des œuvres avec des membres de la communauté locale. Elle s’est associée aux Liverpool Black Sisters, un centre pour femmes de Toxteth, un quartier de Liverpool qui a été le théâtre d’émeutes raciales dans les années 1980. Boyce a demandé aux femmes de dresser une liste de chanteuses britanniques noires dont la musique avec laquelle elles avaient grandi. Mais lors de la première session, “c’était très, très gênant”, a déclaré Boyce, “parce qu’il a fallu littéralement environ 10 minutes avant que quiconque puisse penser à qui que ce soit.”

“C’est ce que je veux dire par amnésie collective et structurelle”, a-t-elle ajouté. Les femmes étaient gênées et, après avoir consulté leur famille et leurs amis, sont revenues avec 46 noms qui sont devenus la base de l’exposition que Boyce a organisée. Boyce a continué à travailler sur le projet elle-même, l’élargissant pour inclure plus de 300 artistes.

Boyce est né à Londres de parents d’origine caribéenne et a grandi dans une maison couverte de papiers peints et de tissus à motifs. Son père était tailleur et sa mère, infirmière et couturière. En tant que fille, Boyce était fascinée par les motifs de papier peint, qui semblaient prendre vie la nuit, a-t-elle déclaré.

Elle a commencé à étudier l’art à 15 ans et est partie à l’université près de Birmingham, en Angleterre. Une visite à l’exposition “Black Art an’ Done” de 1981 à la Wolverhampton Art Gallery a été une révélation, a-t-elle dit, car elle a découvert qu'”il y avait ces jeunes artistes noirs” qui faisaient “un travail très politique”.

Inspirée par Frida Kahlo, elle a commencé à s’imaginer dans de riches pastels à l’huile, portant des robes à motifs et regardant le spectateur. Dans une pièce en quatre parties – “Lay Back, Keep Quiet and Think of What Made Britain So Great” (1986) – elle s’est dessinée sans sourire sur fond de papier peint de l’époque victorienne avec les emblèmes de l’empire et des colonies britanniques.

Ses pastels la font remarquer et collectionner par la Tate et font d’elle l’une des pionnières du mouvement artistique noir britannique, axé sur la race et la différence culturelle à une époque de discrimination, d’émeutes et de violences policières.

Pourtant, pour Boyce, les autoportraits sont devenus un “cul-de-sac”, a-t-elle déclaré. Elle ne se sentait pas à l’aise de travailler avec elle-même au centre, a-t-elle dit, et est passée à la représentation “d’identités multiples : une pratique sociale où j’incite les autres à dire qui ils sont et ce qu’ils font”.

Pour ses contemporains, cette décision avait du sens.

“Je suis un grand fan de ses premières œuvres”, a déclaré Isaac Julien, le cinéaste et artiste d’installation noir britannique, “mais je reconnais aussi que vous voulez de l’autonomie et une certaine liberté.” Boyce “a été une star très tôt”, a-t-il ajouté, “et sa pratique a évolué de manière à suivre son propre sens de l’expérimentation”.

À partir du début des années 1990, Boyce a commencé à travailler en tant qu’artiste de «pratique sociale», impliquant des membres de communautés marginalisées – qu’elles soient fondées sur la race, la classe ou le sexe – dans l’élaboration de son travail. Le but de l’art de la pratique sociale est de “mettre en lumière et de récupérer les expériences et les récits des gens de l’oubli, parce qu’ils n’ont pas été archivés ou parce qu’ils ont été négligés”, a déclaré Anna Colin, chargée de cours sur la conservation à Goldsmiths, Université. de Londres.

Le nouveau travail de Boyce était déroutant et désagréable pour le monde de l’art traditionnel en Grande-Bretagne à l’époque. (Les temps changent : l’année dernière, tous les nominés pour le prix artistique le plus prestigieux du pays, le prix Turner, étaient des collectifs socialement engagés.) l’art et a dominé l’attention des médias, des musées et du marché en Grande-Bretagne pendant des décennies.

Pourtant, Boyce a continué à faire ce qu’elle faisait.

Les relations et la collaboration ont été “vraiment la marque de tout ce qu’elle a fait”, a déclaré Alex Farquharson, directeur de la Tate Britain et co-commissaire de “Life Between Islands”, une récente enquête sur l’art des Caraïbes britanniques qui comprenait des œuvres de Boyce. “Elle a poursuivi une pratique marquée par la générosité et une réelle expérimentation”, a-t-il ajouté.

L’amie de Boyce, l’artiste franco-algérienne Zineb Sedira, a déclaré que les deux hommes s’étaient liés par une autre collaboration : un groupe d’étude d’artistes femmes noires, qu’elles ont cofondé à Londres au début des années 1990. Il se réunissait chaque mois pour discuter du travail d’un artiste.

Les deux artistes ont été voisins pendant des années dans le quartier de Brixton au sud de Londres ; leurs enfants jouaient ensemble dans le parc. Par un coup du sort, ils étaient également voisins à la Biennale de Venise cette année, où Sedira représente la France dans le pavillon voisin de celui de la Grande-Bretagne. Sedira y a remporté une mention spéciale pour son installation cinématographique.

La Biennale de Venise a changé la donne pour Boyce bien avant son Lion d’or. Elle a été invitée en 2015 à montrer une performance dans l’exposition principale de la Biennale, organisée cette année-là par Okwui Enwezor. Cela l’a remise sur le radar du monde de l’art et elle a été élue à la Royal Academy l’année suivante.

En 2018, une enquête sur son travail a été ouverte à la Manchester Art Gallery. Au cours de l’année qui a précédé l’exposition, Boyce a engagé le personnel du musée dans des discussions sur la collection, qui comprend la peinture de 1896 de John William Waterhouse représentant des nus au bain, “Hylas et les nymphes”.

Après que des membres féminins du personnel ont parlé d’être harcelées sexuellement près du tableau, comparées aux nymphes et approchées par des visiteurs masculins, Boyce a temporairement retiré le Waterhouse lors d’une performance et l’a remplacé par des textes qu’elle avait enregistrés dans les discussions de groupe, tels que : présente le corps féminin soit comme une « forme décorative passive », soit comme une « femme fatale ». Défions ce fantasme victorien !

Cette performance incarne le type de pratique artistique sociale de Boyce, a déclaré Grant Kester, professeur d’histoire de l’art à l’Université de Californie à San Diego. Elle s’est engagée auprès des membres du personnel, des visiteurs et d’autres personnes pour “intégrer ce dialogue au projet”, a déclaré Kester. Tout était dans la conviction, a-t-il ajouté, “que les individus extérieurs au monde de l’art institutionnel ont des opinions, des points de vue et des idées légitimes à offrir”.

Pourtant, la tentative de Boyce d’impliquer davantage de personnes dans le processus de conservation a également été considérée comme une censure d’une peinture préraphaélite bien-aimée et a déclenché l’indignation nationale. Écrivant dans The Guardian, le critique d’art Jonathan Jones a déclaré que Boyce avait fait “un geste grossier qui finira du mauvais côté de l’histoire”.

En repensant à l’épisode, Boyce a déclaré que le tumulte était dû au fait que la performance impliquait “une peinture du XIXe siècle, c’est-à-dire de l’art proprement dit, par un homme blanc, reconnu comme un véritable artiste”.

Boyce elle-même jouit maintenant d’une reconnaissance similaire – et s’y habitue toujours.

Elle s’est rappelée s’être tenue sur les marches du pavillon britannique le jour de l’ouverture de la Biennale et avoir repéré des femmes artistes dans la foule qui méritaient également d’avoir leur travail exposé à l’intérieur. “Tu devrais être ici”, se souvint-elle s’être dit. « Pourquoi cela n’est-il pas encore arrivé ? »

C’était un moment de jugement qu’elle avait reporté jusque-là, a-t-elle dit. “J’ai soudain senti le poids de l’histoire.”