Richard Mayhew, qui a peint des visions floues du monde, est mort à 100 ans

Richard Mayhew, connu pour ses peintures abstraites floues qui ressemblaient parfois à des paysages, est décédé jeudi à l’âge de 100 ans. La nouvelle a été confirmée par les galeries ACA de New York, qui avaient précédemment exposé l’artiste.

Tout au long de sa vie, Mayhew a souvent été identifié comme un peintre paysagiste, mais il a évité ce titre, corrigeant les gens en leur disant qu’il était en fait un peintre paysagiste. paysage mental peintre. « Parce que quand je vais sur une toile, je mets juste de la peinture dessus et c’est suggestif, c’est très suggestif », a-t-il expliqué dans un communiqué. Histoire orale 2019 dans le cadre de l’Initiative sur l’histoire de l’art afro-américain du Getty Research Institute. « Puisque je suis impliqué dans le sentiment de désir, d’ambition, d’amour, de haine, de peur, ce sont mes peintures. Cela prend ce genre de structure et d’imagerie.

Il a ajouté : « J’utilise le paysage comme métaphore pour exprimer une émotion. C’est ça. »

Les peintures de paysages mentaux de Mayhew ont une qualité éthérée, dans laquelle des bandes de couleurs se mélangent les unes aux autres. Parfois, ce sont des décharges électriques de violet, de magenta, de néon, de vert, de rose et de verge d’or, qui ressemblent à des négatifs de photographies couleur. Dans d’autres toiles, ce sont des tons plus flous de la même teinte qui se fondent les uns dans les autres. Des plans d’eau et des forêts d’arbres et de buissons émergent de certaines toiles ; d’autres sont totalement abstraits, suggérant peut-être une ligne d’horizon ou le fracas d’une vague.

Dans une entrevue au Musée d’art moderne de San Francisco, il se souvient avoir visité une ancienne plantation en Géorgie. Il remarqua une grande zone de buissons sur une partie du terrain et il se demanda ce qui se passait dans cette zone et comment étaient traités les esclaves qui travaillaient dans la plantation. « J’ai donc peint cette zone, en me basant simplement sur une impression. Je voulais vraiment m’impliquer dans l’interprétation émotionnelle », a-t-il déclaré. Il disait souvent qu’il « peignait quarante acres et un mulet », une référence aux promesses faites aux anciens esclaves après la guerre civile et qui n’ont jamais été tenues.

Il a ajouté : « Il y a une certaine mystique dans l’ombre sous un buisson. Il y a cette petite zone de ressenti qui est représentative de presque toutes les possibilités.

Dans le cadre d’un hommage pour célébrer le 100e anniversaire de Mayhew publié par Type de culturel’artiste Lisa Corrine Davis, qui a rencontré Mayhew en 2018, a déclaré : « Richard a peint des paysages crédibles mais inexistants qui parlent d’identité à travers les notions d’espace comme moyen de comprendre le monde. Il reconnaît que l’espace est profondément lié à l’expérience des Noirs : les espaces dans lesquels nous pouvons être, les espaces dont nous sommes exclus et les espaces qui ont été supprimés. Les paysages de Richard ne sont pas observés et préservés, mais construits et inventés, une marque à la fois, n’existant que dans son esprit.

Mayhew, cependant, est peut-être mieux connu pour son affiliation à Spiral, un collectif d’artistes afro-américains formé en 1963 au plus fort du mouvement des droits civiques et dissous après avoir organisé leur seule exposition collective en 1965. Le groupe était composé de 14 hommes, dont Romare Bearden, Norman Lewis, Hale Woodruff et Charles Alston, et une femme, Emma Amos ; Felrath Hines l’avait invité à se joindre après avoir vu son travail. L’impulsion derrière la création de Spiral était que les artistes discutaient de problèmes affectant directement les artistes noirs. Mayhew était le dernier membre survivant du groupe et le seul à ne pas participer à une table ronde de 1966, publiée dans ARTactualitésà propos du groupe.

«C’était un groupe de réflexion [of] tous les artistes afro-américains », a-t-il déclaré dans l’interview du SFMOMA. « Il s’agissait de débattre et de remettre en question le système, mais aussi de se défier les uns les autres. … nous avons relevé le défi de la communauté new-yorkaise de l’époque, qui n’incluait pas d’artistes afro-américains dans les différentes grandes expositions et galeries. Et Spiral faisait partie des instigateurs de cette époque pour remettre en question le système des arts.

Richard Mayhew est né en 1924 et a grandi à Amityville, New York. La communauté d’artistes de Long Island a servi d’inspiration au jeune Mayhew qui a commencé à dessiner et à peindre dès son plus jeune âge, avec un artiste local lui servant de professeur d’art dès l’âge de 14 ans. Au cours de sa jeunesse, il était un visiteur fréquent. au Metropolitan Museum of Art, étudiant les œuvres de maîtres européens et américains conservées dans la collection de l’institution.

Dans l’histoire orale du GRI, Mayhew a déclaré que son ascendance était un mélange d’Afro-Américains et d’Amérindiens, y compris Shinnecock et Cherokee-Lumbee, mais il ne s’est souvent pas identifié comme ces derniers pendant une grande partie de sa vie « parce que chaque fois que je mentionnais [being Native American]il a été rejeté. J’ai donc vécu ma vie en tant qu’Afro-Américain », a-t-il déclaré.

Plus tard dans sa vie, Mayhew dira que son désir de peindre en mode paysage venait des deux parties de cette ascendance. « Cette combinaison est probablement la raison pour laquelle je peins le paysage comme la nature », a-t-il déclaré dans l’interview du SFMOMA. « En ce qui concerne les Afro-Américains et les Amérindiens, leur sang coule dans le sol des États-Unis. »

Mayhew a servi dans les Marines pendant la Seconde Guerre mondiale et a finalement reçu la Médaille d’honneur spéciale du Congrès. (Sa première épouse, Dorothy Zuccarini, décédée en 2015, est « celle qui a découvert et poursuivi le droit de Rick de recevoir » la médaille, selon une préface à l’histoire orale de leur fille, Ina Mayhew.)

Après son service, il a passé du temps en Europe, visitant les différents musées du continent, avec des escales à Paris, Amsterdam et en Allemagne. Il a déménagé à New York à son retour aux États-Unis en 1947, à l’âge de 23 ans. À cette époque, il a commencé sa formation formelle en histoire de l’art et en création artistique, en suivant des cours à l’Université de Columbia, à la Brooklyn Museum School of Art, et le Pratt Institute, ainsi que la Ligue des étudiants en art, bien qu’il n’y soit pas officiellement inscrit. Parmi ses professeurs à cette époque se trouvaient les peintres américains Edwin Dickinson et Reuben Tam. Mayhew a reçu sa première exposition personnelle au Brooklyn Museum en 1955.

Mayhew poursuivra ses études en Europe à la fin des années 50 et au début des années 60, d’abord en remportant une bourse John Hay Whitney en 1959, qui finança une année d’études à l’Accademia delle Belle Arti de Florence, puis en recevant une bourse du Fondation Ford, ce qui lui permet de rester en Europe, où il étudie également au Rijksmuseum d’Amsterdam.

Mayhew a également commencé à enseigner au début de sa carrière, ce qui deviendra un dévouement de toute une vie. Il a enseigné à la Brooklyn Museum School of Art et à la Art Students League, où il a étudié, ainsi qu’au Smith College et à la Pennsylvania State University. Il a enseigné à Penn State pendant 14 ans et a pris sa retraite en 1991 en tant que professeur émérite.

Lorsque Mayhew a déménagé à New York, l’expressionnisme abstrait était à la hausse et il a fréquenté le Cedar Bar, un point d’eau de l’Ab-Ex, avec de nombreux artistes avant qu’ils ne deviennent célèbres. Même si sa démarche artistique englobe certainement certains éléments du mouvement, Mayhew n’a jamais pleinement adopté la plénitude de l’abstraction. (Une influence plus importante sur lui fut George Innes, un peintre tonaliste du XIXe siècle.)

« Nous avons atteint un point où tout est éliminé », a-t-il déclaré dans l’histoire orale du GRI. « Tout est éliminé et on repart de rien. Qu’est-ce que tu as mais rien ? Symptomatique de ce qui se passe dans le monde en ce moment. C’est un symptôme du destructivisme et il s’agit de savoir comment l’éviter et trouver une norme, afin que la norme appartienne au passé.»

Comme beaucoup d’artistes noirs de sa génération, Mayhew entretenait une relation inégale avec le monde de l’art traditionnel. Le Whitney Museum, par exemple, ne possède qu’une seule œuvre de l’artiste, un tableau de 1960 qu’il a acquis en 1962. Bien qu’il ait reçu des bourses pour étudier en Europe, qu’il ait été intronisé à la National Academy of Art en 1969 et qu’il fasse partie de Spiral, il n’a pas été canonisé dans de nombreux récits de l’histoire de l’art américain d’après-guerre.

Ce n’est que récemment que son travail a été réévalué et adopté. La première monographie de son travail n’a été publiée qu’en 2020. Sa dernière rétrospective a eu lieu en 2009, répartie dans trois lieux de la Bay Area : le musée de Saisset, le musée de la diaspora africaine (MoAD) et le musée d’art et d’histoire. à Santa-Cruz. (Il avait alors déménagé de la côte Est dans la région de Santa Cruz.) En 2020, SFMOMA a consacré une galerie à ses peintures, dont six avaient été offertes par Pamela Joyner, une ARTactualités Top 200 Collector et administrateur du SFMOMA qui défend depuis longtemps son travail. Il a fait l’objet d’une étude de 40 tableaux au Sonoma Valley Museum of Art en Californie l’automne dernier.

« L’héritage de Richard Mayhew ne réside pas seulement dans sa maîtrise de la couleur et du paysage, mais aussi dans sa capacité à transcender le monde physique, évoquant l’émotion et la mémoire culturelle », a déclaré le président des galeries ACA, Dorian Bergen, dans un communiqué. «Son travail est un voyage spirituel, capturant l’essence de la nature comme reflet de l’expérience afro-américaine et amérindienne, enrichissant notre compréhension de l’identité et du lieu. Il nous manquera beaucoup.

Mais la couleur est devenue un élément central de la pratique de Mayhew, qu’il a poursuivie jusqu’à sa 100e année. (Venus Over Manhattan, son représentant actuel, ouvrira une exposition consacrée aux aquarelles de Mayhew, couvrant les trois dernières décennies, y compris de nouvelles œuvres, le 7 novembre à New York.) Son utilisation audacieuse de la couleur peut souvent être déconcertante, brûlant même vos rétines. Les couleurs vibrent d’une manière qui peut être difficile à exprimer avec des mots. Au cours de plus de huit décennies, il a maîtrisé la manipulation de l’œil grâce à son utilisation de la couleur, a-t-il déclaré. « La couleur est devenue une partie très sensible de mon développement », a-t-il déclaré à SFMOMA. « Comment cela affecte les émotions d’une personne. Je pense qu’on ne peut pas simplement regarder un tableau et voir une seule chose. Il y a cet autre élément qui se produit grâce à l’utilisation de la couleur et à la façon dont l’œil est captivé par l’image suivante.

Il a ajouté : « À quoi ressemble l’amour ? De quelle couleur est-il ? A quoi ressemble la peur ? De quelle couleur est la peur ? Toutes mes peintures sont basées sur l’émotion.