Les meilleurs stands du 20th Century Independent 2024

Harold Fortieril y a 4 semainesDernière mise à jour: septembre 8, 2024

La foire du XXe siècle de l’Independent, consacrée spécifiquement à l’art de sa période éponyme, se distingue comme une espèce singulière à New York. Hébergée dans le Battery Maritime Building à l’extrémité sud de Manhattan, la foire est esthétiquement transportante, comme marcher sur le Queen Elizabeth II ou assister à une fête dans la propriété de Gatsby à West Egg avant que les gens ne commencent à se noyer dans l’alcool.

L’élégance discrète de l’événement est indissociable de l’approche réfléchie qu’Elizabeth Dee, la fondatrice de la foire, a apportée à l’événement. The Independent (tant cette foire que son homologue organisée en mai) est accessible uniquement sur invitation. Les galeries sont nommées par le conseiller curatorial fondateur de l’Independent, Matthew Higgs, avec la contribution des galeries participantes et de l’équipe de direction de la foire. Le résultat est précisément mesuré, très international et quelque peu studieux, mais non dénué de vitalité ou de glamour. Ce n’est pas une mince affaire pour un événement qui ne compte que 28 galeries et qui présente exclusivement des œuvres réalisées entre 1900 et 2000.

L’un des avantages de l’organisation de l’événement dans un bâtiment historique de style Beaux-Arts est la façade et le balcon remarquables. Mais ce sont les œuvres à l’intérieur, accrochées aux murs blancs sur une moquette dorée et bleue, qui retiennent votre attention. Voici quelques-uns des meilleurs stands exposés lors de la troisième édition d’Independent 20th Century.

Stuart Davis à la Galerie Alexandre

Crédit photo : Avec l’aimable autorisation de la Galerie Alexandre
Connu pour ses abstractions jazzy, Stuart Davis a débuté sa carrière à 17 ans en tant qu’élève du directeur de l’école Ashcan, Robert Henri. Les œuvres exposées ici montrent Davis, un jeune éponge qui venait tout juste d’abandonner l’école pour étudier la peinture, s’imprégnant du tumulte de Manhattan, où il a découvert la musique ragtime aux côtés de suffragettes, de socialistes et de danseurs burlesques. Toute la vitalité et la musique des œuvres ultérieures de Davis sont là, mais ici, elles existent sous une forme figurative qui porte la marque du coup de pinceau rapide et improvisé de l’école Ashcan.
Squeak Carnwath à la galerie Jane Lombard

Crédit photo : Avec l’aimable autorisation de la galerie Jane Lombard
Dans les œuvres présentées ici, toutes datant des années 90, Squeak Carnwath se tourne vers l’intérieur, en utilisant des formes, des symboles et des mots qu’elle gratte ou étale sur une toile. Le but de ces œuvres est de créer un journal visuel de ses pensées. Le travail de Carnwath est jazzy, un peu comme celui de Davis, mais le sien est plus libre – moins Charlie Parker et plus Roland Kirk ou Charles Mingus. Mingus, en fait, est une comparaison pratique. Ses morceaux partaient souvent en vrille presque hors de contrôle avant d’être maîtrisés, organisés et rendus digestes. Le travail de Carnwath est similaire. On peut se perdre dans le détail, mais en prenant un peu de recul, la chanson entière devient claire.
Raoul Dufy à Nahmad Contemporary

Crédit photo : Alexa Hoyer, avec l’aimable autorisation de Nahmad Contemporary
À l’époque, le peintre français Raoul Dufy était un poids lourd – il était représenté par Louis Carré, le même marchand qui représentait également Matisse et Picasso, et il reçut en 1952 le grand prix de peinture de la 26e Biennale de Venise. Il n’a peut-être pas la même renommée que Matisse et Picasso aujourd’hui, mais les œuvres exposées chez Nahmad montrent pourquoi il a été si acclamé au cours du XXe siècle. Que ce soit à l’huile, à la gouache ou à l’aquarelle, Dufy a peint des personnages si animés qu’ils semblent presque bouger. C’est parce que Dufy a délibérément peint la lumière avec un mépris flagrant pour la tradition. Peter Schjeldahl a écrit un jour que « Raoul Dufy était parfait dans des domaines dont des générations d’artistes sérieux n’avaient aucune idée ». Espérons que ce ne sera bientôt plus le cas.
John Ahearn et Rigoberto Torres au Salon 94

Crédit photo : Photo d’Elisabeth Bernstein
Depuis près de 40 ans, John Ahearn et Rigoberto Torres collaborent à la réalisation de moulages en plâtre de leurs voisins du sud du Bronx et d’autres villes. Les moulages ont souvent été réalisés dans la rue et leur réalisation est devenue une sorte de fête de quartier à laquelle participent des personnes de tous âges. Les bustes, accrochés au mur du stand du Salon 94, montrent la diversité des émotions humaines, mais ils respirent surtout la dignité de leurs sujets et témoignent de l’empathie de ces artistes. Titi à la fenêtre (1985/2024) est le point culminant de ce stand. Titi était une figure incontournable du South Bronx, un chien de garde, une mère poule et une sainte patronne. Elle connaissait le nom de tous les enfants, et si vous aviez des ambitions politiques, vous auriez été fou de ne pas aller chercher sa bénédiction avant de lancer une campagne. Ici, elle est commémorée comme il se doit aux côtés d’autres personnes du Bronx, en témoignage des liens profonds entre Ahearn et Torres et les gens qui vivaient dans ce quartier.
Brad Kahlhamer à Venus Over Manhattan

Crédit photo : Avec l’aimable autorisation de Venus Over Manhattan
Les peintures, sculptures et œuvres sur papier de Brad Kahlhamer explorent le New York brutal des années 1980 et 1990 à travers le prisme amérindien. Né à Tucson, en Arizona, en 1956 de parents amérindiens, il a été adopté très jeune par une famille germano-américaine blanche. (En conséquence, il n’a aucune affiliation tribale car il ne peut pas retracer son ascendance, une condition requise pour l’inscription officielle.) En tant que jeune homme, Kahlhamer était en marge, légèrement exclu de partout où il allait. Ce n’est que lorsqu’il a déménagé à New York dans les années 1980, lorsqu’il s’est intégré à la scène artistique underground dynamique de la ville et à ses espaces alternatifs, qu’il a commencé à réaliser pleinement sa pratique, une combinaison de dessins de registres autochtones dans un style animé, quelque peu frénétique, qui doit quelque chose à Art Spiegelman et Peter Saul. Tout cela est plus qu’un peu punk.