Les informations faisant état de la disparition de la pièce de théâtre pure à Broadway sont grandement exagérées, du moins si l’on en juge par la saison théâtrale d’automne qui a été chargée de drames de grande envergure.
La production fulgurante de Sam Mendes de « The Hills of California » de Jez Butterworth au Broadhurst Theatre, sans conteste la meilleure pièce que j’ai vue lors d’une frénésie de théâtre fin septembre, est devenue le billet incontournable pour les amateurs de théâtre new-yorkais exigeants cet automne. « McNeal » d’Ayad Akhtar, avec Robert Downey Jr. pour ses débuts à Broadway au Vivian Beaumont du Lincoln Center Theatre, n’a pas répondu aux attentes. Mais qui pourrait laisser passer l’occasion d’entendre l’un de nos dramaturges les plus pointus sur un sujet qui commence déjà à remettre en question notre sens de la réalité, l’IA.
Je devais voir « The Roommate » de Jen Silverman, avec le couple étrange le plus séduisant de Broadway, Patti LuPone et Mia Farrow, mais la maladie dans le casting a fait échouer mes projets. Pourtant, j’ai réussi à intégrer, sur un itinéraire de quatre jours, « Yellow Face » de David Henry Hwang (avec Daniel Dae Kim) au Todd Haimes Theatre de la Roundabout Theatre Company, « Job » de Max Wolf Friedlich au Hayes Theatre, et dans mon une diffusion hors Broadway, « Good Bones » de James Ijames au Public Theatre. (J’ai également assisté à la reprise enjouée de « Once Upon a Mattress » à Broadway, sur laquelle j’aurai plus à dire lorsque la production, avec Sutton Foster, débutera au Ahmanson Theatre en décembre.)
Daniel Dae Kim dans la pièce « Yellow Face ».
(Joan Marcus)
Ce fut un plaisir de retrouver « Yellow Face », dont la première mondiale a eu lieu au Mark Taper Forum en 2007. Leigh Silverman, qui a dirigé cette production, est de retour pour diriger la première de la pièce à Broadway, qui se déroule jusqu’au 24 novembre. Cette comédie intelligente, une œuvre autoréférentielle dans laquelle Hwang revient sur une controverse théâtrale dans laquelle il s’est retrouvé mêlé après s’être prononcé contre le choix de Jonathan Pryce dans le rôle d’un personnage eurasien lors de la première de Broadway en 1991 de « Miss Saigon ». Le tumulte qui a suivi a été plus grand que ce que le dramaturge lauréat d’un Tony avait prévu. Mais il a décidé d’aborder certaines des questions sur l’identité raciale qui ont émergé du brouhaha du casting dans sa pièce « Face Value », un échec spectaculaire qui s’est soldé en avant-premières à Broadway en 1993.
Dans « Yellow Face », Hwang rassemble ces événements liés dans une comédie qui introduit un dispositif fictif dans ce qui serait par ailleurs un récit simple. DHH, la mère porteuse du dramaturge, est désormais interprétée par Kim, une star du cinéma magnétique (« Lost », « Hawaii Five-0 ») avec un sex-appeal hollywoodien à revendre. N’importe quel écrivain masculin serait flatté d’être joué par Kim, mais le casting est délicieusement ironique dans une pièce qui rappelle une époque où les producteurs levaient les mains lorsqu’on leur demandait de trouver un leader américain d’origine asiatique pour présenter un film ou une émission de Broadway.
La production de Silverman, à d’autres égards, ne semble pas aussi confortable sur une grande scène de Broadway. Une partie du jeu comique semble caricaturale, mais l’écriture est si intelligente, fluide et libre que cela n’a guère d’importance. Et les scènes entre le DHH de Kim et Marcus de Ryan Eggold, le personnage purement inventé de la pièce, se délectent des hypocrisies hilarantes que Hwang envoie espièglement.
L’idée fausse de la pièce est que DHH a accidentellement choisi un artiste non asiatique pour jouer le rôle principal dans « Face Value », et Marcus, reconnaissant pour ce coup de pouce à sa carrière d’acteur, assume un rôle de défenseur communautaire qui ne fait qu’aggraver la situation. plus ridiculement dangereux. DHH a peur de perdre la face à cause de son rôle dans la transformation de Marcus en une star américaine d’origine asiatique. Il a eu la brillante idée d’affirmer que l’acteur était d’origine juive sibérienne lorsqu’il a appris la vérité sur son identité. En tant que porte-parole accidentel d’un casting politiquement conscient, il préfère ne pas être hissé à son propre piège.
L’auto-ironie de Hwang fait partie de l’émerveillement comique de « Yellow Face ». Mais ce qui est particulièrement rafraîchissant dans la pièce, c’est la façon dont elle aborde avec légèreté des questions profondément sérieuses de politique identitaire. Hwang est un dramaturge trop agile pour être doctrinaire. Il reconnaît ce qui doit être réparé, mais il refuse de perdre son sens de l’humour dans la lutte ou de s’exonérer de la comédie humaine qui pourrait être le seul employeur fiable garantissant l’égalité des chances.
Peter Friedman et Sydney Lemmon dans « Job » au Helen Hayes Theatre de Broadway.
(Émilio Madrid)
« Job », dont on a beaucoup parlé l’automne dernier à Broadway au Soho Playhouse, a déménagé au Helen Hayes Theatre de Broadway cet été et pourrait être le dormeur de la saison. Œuvre à deux personnages, la pièce (qui devrait se terminer le 27 octobre) met en vedette le vétéran Peter Friedman et le nouveau venu à Broadway Sydney Lemmon, diplômé de la Yale School of Drama qui se trouve être la petite-fille de Jack Lemmon.
Pourquoi la pièce de Friedlich est-elle devenue si populaire auprès des amateurs de théâtre new-yorkais ? La situation d’une jeune femme se présentant au cabinet d’un psychothérapeute avec une arme à feu crée une situation dramatique autonome que le public semble apprécier. Lemmon incarne Jane, modératrice de contenu dans une entreprise technologique, qui a eu une panne au bureau après avoir été exposée aux vidéos les plus horribles et qui a maintenant besoin d’un psychologue pour approuver son retour au travail. Friedman joue le rôle de Loyd, un psy de San Francisco qui, en moins de deux séances, doit dissuader Jane d’appuyer sur la gâchette.
Les artifices de la situation sont inévitables, malgré l’honnêteté scrupuleuse des interprètes de la production chargée du réalisateur Michael Herwitz. (En tant que thérapeute hippie vieillissant formé à Berkeley, Friedman est particulièrement doué pour faire preuve d’empathie professionnelle pour sauver sa propre vie). La pièce contient une tournure que les chevaux sauvages ne pourraient pas m’arracher, mais votre conviction dépend de votre volonté de succomber à une intrigue soigneusement programmée pour faire monter la tension dramatique. Je suis resté sceptique, mais j’ai apprécié l’absorption de mes collègues du public, qui étaient plus qu’heureux de suspendre leur incrédulité et de se lancer dans une aventure à sensations fortes dramatique de 80 minutes.
Khris Davis, de gauche à droite, Susan Kelechi Watson et Tea Guarino lors de la première new-yorkaise de « Good Bones », écrit par James Ijames et réalisé par Saheem Ali.
(Joan Marcus)
La dernière pièce de mon itinéraire était « Good Bones », d’Ijames, un dramaturge que j’avais hâte de mieux connaître après « Fat Ham », son riff brillamment hilarant et hilarant sur « Hamlet », lauréat du prix Pulitzer. « Kill Move Paradise », une pièce antérieure d’Ijames toujours diffusée au Théâtre Odyssey, construit un rituel de justice raciale d’urgence pour faire face à l’épidémie de tirs mortels de la police sur des Noirs non armés. « Good Bones », une pièce sur un couple marié, Travis (Mamoudou Athie) et Aisha (Susan Kelechi Watson), qui rénovent une maison de ville dans la ville où Aisha a grandi, est de forme beaucoup plus conventionnelle.
Aisha, qui a grandi dans la pauvreté, entretient une relation amour-haine avec sa ville natale. Elle travaille pour une entreprise qui construit un complexe sportif qui va démolir les mêmes projets qu’elle appelait sa maison. Son mari, un chef issu d’un milieu plus aisé, ouvre un restaurant de soul food haut de gamme dans le centre-ville. Les deux incarnent l’esprit de gentrification, mais ils ont autant de différences entre eux qu’avec Earl (Khris Davis), un entrepreneur méticuleux qui vit toujours dans les projets qu’Aisha veut démanteler.
Ijames met en place un drame-débat dans lequel les personnages apportent leurs histoires de vie uniques au conflit. Carmen (Téa Guarino), la sœur d’Earl, étudiante en finance à l’Université de Pennsylvanie, introduit un point de vue générationnel différent lorsqu’elle rejoint son frère pour terminer les travaux de rénovation.
La production, dirigée par Saheem Ali, collaborateur fréquent d’Ijames, se déroule dans la cuisine moderne et spacieuse qu’Earl rénove minutieusement pour redonner à cette maison de ville historique son éclat d’antan. La conception scénique (Maruti Evans) et les costumes (Oana Botez) maximisent l’attrait télévisuel de la production. C’est peut-être la raison pour laquelle « Good Bones » se présente parfois comme un pilote télé. La pièce aborde des préoccupations sociales urgentes qui sont tout à fait à l’aise dans un théâtre comme le Public, où elle se déroule jusqu’au 27 octobre, mais des résolutions à la mode et un peu trop de façade empêchent les conflits de devenir inconfortablement réels.
« Fat Ham », « Kill Move Paradise » et « Good Bones » sont écrits dans des styles si différents qu’ils pourraient être les œuvres de trois auteurs distincts. Sauf que chaque pièce s’intéresse de manière urgente à l’élément vital de la communauté. Pour Ijames, cela inclut non seulement qui est sur scène mais aussi qui est dans le public. Élargir le cercle des amateurs de théâtre n’est pas une réflexion après coup mais un impératif pour un dramaturge qui reconnaît que le théâtre, dans sa forme la plus florissante, sert de point de rencontre sociétal.
Mes fréquentations théâtrales à New York m’ont apporté ce dynamisme, confirmant qu’une théorie de la physique est valable pour le théâtre. Lorsque les spectateurs entrent dans un monde fictif, leur présence même change ce qu’ils observent. La preuve de ce concept est omniprésente dans une saison d’automne chargée à New York qui favorise des liens plus profonds entre les auteurs dramatiques et leur public attentif.