10. Ezra Feinberg – Pouvoir doux
Feinberg est apparu il y a environ 20 ans en tant que membre principal d’un groupe de rock psyché de San Francisco appelé Citay. Depuis, il a déménagé dans le nord de l’État de New York (pour pratiquer la psychanalyse) et ses albums semblent désormais explorer des musiques traditionnellement qualifiées de « psychédéliques » (stoner rock, krautrock, folk lysergique, acid house, etc.). Mais surtout, Feinberg soustrait tous les éléments « rock » : la batterie, la distorsion, la dissonance. Nous obtenons ainsi le minimalisme ludique de Pose Beams ; le rock kosmiche hypnotique de The Big Clock ; la house ambiante chatoyante de There Was Somebody There – toutes des pièces merveilleusement thérapeutiques qui font partie d’un cycle de chansons béatifiques. Lire la critique complète
9. Caroline Shaw et Sō Percussion – Rectangles et circonstances
Dans lequel le compositeur lauréat du prix Pulitzer chante de nouvelles chansons inspirées des poètes du XIXe siècle. Silently Invisible (d’après William Blake) est accompagné d’un rythme mécanique désorientant ; I Felt a Funeral, in My Brain d’Emily Dickinson se transforme en un morceau saccadé de hip-hop de casse appelé Like a Drum ; When I Am Dead My Dearest de Christina Rossetti constitue la base de l’électronique agitée de Sing On ; un vers écossais traditionnel appelé The Parting Glass est accompagné d’une émeute silencieuse de verres à vin courbés et de gobelets cliquetants. Le meilleur de tout pourrait être la version hypnotique et fantomatique d’un lied de Schubert qui termine le LP. Lire la critique complète
8. Astrid Sonne – Modifications du grand doute
Cette altiste, chanteuse et productrice danoise a sorti Great Doubt en février, mêlant ses odyssées expérimentales à des rythmes R&B glorieusement nerveux et désarticulés. En septembre est arrivé ce LP d’éditions et de remixes. Smerz emmène Say You Love Me dans le territoire du heavy dub, avec une batterie nerveuse et des voix auto-tunées ; les délicats synthés baroques aux allures de fugue de Staying Here sont transformés par Je3 en un morceau de rave ; Do You Wanna (Have a Baby) est emmené dans une autre direction, ses tambours sourds étant retirés jusqu’à ce qu’il se transforme en une douce méditation ; tandis que Blood Orange emmène Give My All dans un cadre tout aussi spartiate.
7. Laura Misch – Goûtez la Terre
En 2023, la saxophoniste, chanteuse et productrice londonienne Misch a sorti son premier album complet Sample the Sky, un morceau d’électro et de rythmes bouillonnants, inspiré par la nature interdépendante de l’écosystème. La suite est une refonte complète et presque méconnaissable de cet album alors que Misch joue en live en studio avec un groupe largement acoustique. Elle en a fait un morceau de musique de chambre intense et majestueux – presque baroque par endroits – et une exploration sonore beaucoup plus mélancolique du monde naturel, principalement centrée sur les fioritures fleuries de la harpe de Marysia Osu et les drones du violoncelle d’Emma Barnaby.
6. David Crowell – Point/Nuage
Le minimalisme, de par sa nature même, peut souvent être robotique, répétitif et mélodiquement guindé. Mais entre les mains du multi-instrumentiste new-yorkais David Crowell, il peut s’agir d’une forme merveilleusement riche et harmoniquement complexe, pleine de joie et de couleurs. Crowell, surtout connu pour jouer du sax et des guitares pour Philip Glass et Steve Reich, délègue ici le jeu à d’autres. L’ouverture de 15 minutes est un morceau de minimalisme de casse mettant en vedette Sandbox Percussion ; le plus proche de 10 minutes présente la violoncelliste et chanteuse Iva Casián-Lakoš accompagnée de drones électroniques woozy ; sur d’autres morceaux, le guitariste Daniel Lippel crée un flamenco baroque audacieux. Lire la critique complète
5. Carlos Nino et ses amis – Placenta
Il y a quelque chose de presque volontairement informel et chaotique dans cet album, dans lequel le percussionniste basé à Los Angeles rassemble un groupe diversifié de collaborateurs issus de domaines très différents du monde musical de Los Angeles – André 3000, Sam Gendel, Nate Mercereau, Laraaji, Surya Botofasina. , Adam Rudolph, Photay – et les accompagne dans diverses configurations ad hoc. Certains commencent comme des jam sessions impromptues dans une casse, d’autres comme des sketches musicaux aléatoires et griffonnés joués sur des synthétiseurs épuisés, mais tous commencent à prendre des dimensions hypnotiques au fur et à mesure de leur progression. L’effet est glorieusement désorientant.
4. Daniel Inzani – Mondes sélectionnés
Un triple album pourrait être considéré comme un acte d’orgueil monumental de la part de ce pianiste et compositeur autodidacte, mais l’épopée de deux heures d’Inzani est un triomphe. Les trois disques sont très différents : le premier, Form, présente des compositions de chambre formelles, dont un quatuor à cordes en quatre mouvements ; le second, Lore, présente une série de pièces dramatiques ressemblant à des bandes sonores pour un ensemble orchestral étendu ; le troisième, Play, s’aventure dans l’univers du jazz contemporain. Ce qui pourrait être une série de pastiches prend plutôt la forme d’une série unifiée de suites, chacune dotée d’un fort sentiment de cohésion narrative et de clarté musicale. Lire la critique complète
3. Michelle Moeller – Fin de matinée
Le musicien américain Moeller est un pianiste de formation classique qui, alors qu’il étudiait auprès de Zeena Parkins, est devenu obsédé par la technologie des synthétiseurs analogiques. Afin de « désactiver son cerveau de pianiste » et d’éviter de jouer sur un synthé comme elle le ferait sur un piano normal, elle utilise des interfaces autres que le clavier pour générer des sons – des bruits déformés, éthérés, de l’ère spatiale – qu’elle manipule en temps réel. Cet album contient des expériences intrigantes de minimalisme, de texture et de drone, mais Moeller intègre également cela à son expérience classique, avec des méditations improvisées et des solos pour piano, piano préparé et flûte qui sont si fortement mutilés avec des effets qu’ils sonnent comme s’ils fondaient. . Lire la critique complète
2. Nala Sinephro – Infini
Sur son deuxième album, cette musicienne belge basée à Londres alterne entre harpe à pédales, piano et synthés tout au long d’une suite de rêve en 10 parties, mettant en vedette les meilleurs interprètes de jazz britanniques dont Nubya Garcia, James Mollison, Sheila Maurice-Grey et Lyle Barton. Mais, plus encore que son premier Space 1.8 en 2021, Sinephro va au-delà du jazz spirituel vers l’électro de l’ère spatiale et la musique ambiante, mélangeant Alice Coltrane et Throbbing Gristle avec le BBC Radiophonic Workshop. Cela a inspiré une performance différente mais tout aussi merveilleuse au Barbican en octobre dernier, qui ferait à elle seule un magnifique album live. Lire la critique complète
1. Damian Dalla Touré – Je peux ressentir mes rêves
Damian Dalla Touré est un saxophoniste italien basé à Leipzig, qui a collaboré avec certains des meilleurs musiciens de jazz de Londres pour le premier album de 2022, Happy Floating. Pour son suivi, il a décidé d’explorer un monde musical complètement différent, inspiré par des enregistrements sur le terrain du monde naturel réalisés alors qu’il travaillait comme artiste en résidence dans une école de musique au Chili. Il y a très peu de jazz ici, et presque pas de saxophone. Au lieu de cela, lui et un casting international créent neuf méditations chatoyantes et oniriques, établissant des comparaisons avec la musique New Age de Windham Hill, la musique ambiante du Quart Monde de Jon Hassell et Floating Points. Collaboration présélectionnée pour le prix Mercury avec Pharoah Sanders.