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Le minimalisme complexe de Daniel Senise

SÃO PAULO, Brésil — L’histoire du mouvement artistique brésilien Génération 80 est souvent racontée comme un retour à la peinture : plutôt que comme une rupture définitive avec l’hégémonie de l’abstraction sous ses nombreuses formes (Béton, Néo-Concret, Nouvelle Figuration et Tropicalia). , il s’agit d’une absorption de styles abstraits dans un intérêt renouvelé pour la peinture figurative vaguement définie. Les artistes de la génération 80 qui viennent immédiatement à l’esprit, comme Beatriz Milhazes, Luiz Zerbini ou Leda Catunda, sont aussi redevables à l’abstraction géométrique qu’à l’expressionnisme (Zerbini), au textile comme support (Catunda) et à la matérialité populaire et commerciale. (Milhazès). Les œuvres récentes de nombreux peintres de la génération 80 se distinguent par leurs couleurs souvent vibrantes, leurs motifs puissants et leur incroyable densité de composition.

Les peintures de Daniel Senise, en revanche, sont grandioses mais épurées. À première vue, ils semblent froidement cérébraux. Il faut se rapprocher de la surface des toiles pour constater qu’elles regorgent en effet de détails. Ce n’est pas un hasard si ma récente expérience du travail de Senise, au Musée d’art contemporain MAC-USP, à São Paulo, où il mène une enquête sur sa carrière comprenant 37 peintures datant de 1992 à 2022, m’a semblé être un travail de détective – une association renforcée par le nom de Senise. une de ses toiles tentaculaires, une monotopie de détritus de bois et acrylique sur toile, « Detective » (2007).

Organisé par Hélouise Costa et Marta Bogéa, Biographe : Daniel Senise est la première exposition personnelle de l’artiste dans un musée connu pour défendre les artistes contemporains brésiliens. Organisée chronologiquement, avec un plus petit échantillon d’œuvres du début des années 1990 dans l’espace mezzanine plus intime, et une exposition plus large d’œuvres plus récentes à grande échelle dans la vaste salle principale, l’exposition permet aux visiteurs d’assister à l’évolution de l’intérêt de Senise. en résidus, et son déplacement croissant du domaine plus personnel vers un mélange de références historiques et historiques de l’art, en particulier en ce qui concerne l’architecture et l’idée de ruines.

Peint dans des bruns sales, « Detective » représente une sous-section d’une étagère vide. La composition est étrangement recadrée, inclinée à l’infini et, en fin de compte, relève plus d’un puzzle ontologique que d’une simple représentation de mobilier. Le titre mystérieux, la perspective désorientée et le sentiment excitant que l’œuvre pointe d’une manière ou d’une autre au-delà d’elle-même, ses lignes s’échappant – dans une distance infinie, dans le temps – invitent tous les spectateurs à s’attarder sur ses vides imminents. Le lien entre les structures creuses et ce qu’elles suggèrent est naturellement spéculatif, mais tout au long de l’enquête, je n’ai pu m’empêcher de remarquer que c’est précisément cet aspect conjectural — reliant la biographie et les espaces architecturaux de Sense aux références et aux bâtiments historiques de l’art — qui fait de son œuvre si poignant.

Le processus de Senise renforce les liens entre la biographie et l’histoire de l’art. Dans « Home » (2005), par exemple, il utilise de la colle pour collecter les détritus des parquets de son atelier, puis les incorpore dans des peintures acryliques. Le résultat est une impression de peinture comme résidu de présence corporelle et de matière vitale. De cette manière, « Home », qui semble représenter une pièce vide avec des murs de briques, des étagères et des accessoires, est un transfert beaucoup plus littéral de l’espace et de sa dimension psycho-émotionnelle vers une forme picturale. De manière expansionniste, l’artiste représente également des bâtiments historiques de l’art, notamment des musées et d’autres sites. « Untitled (Galeria dell’Accademia) » (2022), par exemple, associe du plâtre mural à de la peinture acrylique, de sorte que les marqueurs résiduels soient clairement visibles – un commentaire sur la façon dont le temps imprègne l’architecture de mémoire, mais peut aussi l’effacer. . L’architecture de Senise est hantée, car même si sa base matérielle est physiquement présente, elle présente une vision des musées comme susceptibles aux processus historiques et temporels d’effacement. Les monuments de l’artiste sont des masses solides mais spectrales : témoins de processus historiques, ils sont obstinément muets.

L’une des installations de peinture de Senise présentées ici résume parfaitement l’idée d’une ruine glorieuse : « Le soleil m’a appris que l’histoire n’est pas si importante » (2010) est composée de morceaux de papier recyclé provenant d’imprimés composés de publications d’art – ou, un pourrait-on dire, de la pâte à papier artistique – liée avec de la colle et du plâtre. Entrer dans l’enceinte à trois murs, construite autour de l’un des piliers fixes du musée, c’est un peu comme entrer dans une tombe blanchie à la chaux ou dans des bains publics classiques. Le papier ressemble à des carreaux de bain, et ce n’est qu’en les voyant de près que le spectateur distingue tous les résidus, la « saleté », incrustés dans les carrés apparemment vides. En apparence monolithique et vierge, mais en réalité variée et imparfaite, la ruine, blanchie par le soleil, est une structure mélancolique. Pourtant, dans sa froide sérénité, il évite de devenir sentimental. Ici, l’approche cérébrale de Senise semble faire allusion au fait que l’histoire de l’art, même si elle souhaite se considérer comme une discipline consolidée, est un amalgame de matérialité et de contenu recyclés, indéterminé jusqu’au bout, éloquent mais oblique.

Daniel Senise, « Le soleil m’a appris que l’histoire n’est pas si importante » (2010)

Biographe : Daniel Senise se poursuit au Musée d’Art Contemporain MAC-USP (Av. Pedro Álvares Cabral 1301, São Paulo, Brésil) jusqu’au 10 mars. L’exposition a été organisée par Helouise Costa et Marta Bogéa.