Le drôle Tim Heidecker mélange la comédie et la musique avec « Slipping Away »

Qui est vraiment Tim Heidecker ? Même pour les fans de sa comédie, il est parfois difficile de le savoir. En tant que maître de son propre univers de divertissement depuis plus de 20 ans, le multi-trait d’union qui a fait sensation en tant que co-créateur de « Tim and Eric Awesome Show, Great Job! » sur Adult Swim est quelqu’un dont l’humour vient du fait d’habiter différents personnages au fil des ans. Il a fait carrière dans la création de nouveaux mondes absurdes qui ressemblent souvent peu à sa vie quotidienne de père de banlieue décontracté, hyper alphabétisé et regardant le baseball.

C’est du moins son côté qui ressort lors d’une récente interview dans son studio d’enregistrement à domicile dans les collines sereines et couvertes d’arbres de Glendale, où il se cache souvent pour écrire des chansons plus introspectives qu’hilarantes ou filmer des épisodes de son hebdomadaire. , talk-show téléphonique « Heures de bureau ». En prenant le temps d’enregistrer son nouvel album, « Slipping Away », qui sortira vendredi, sa vraie vie se révèle davantage, même s’il écrit un mélange trompeusement complexe de chansons folk chaleureuses sur la paternité et d’autres qui présentent des contes dystopiques post-apocalyptiques. redouter.

Avec son groupe en tournée — Eliana Athayde à la basse et au chant ; Josh Adams à la batterie ; Vic Berger aux clés ; et Connor « Catfish » Gallaher à la guitare et au pédalier – Heidecker a créé son album le plus ambitieux à ce jour. « Slipping Away » se nourrit de courtes vignettes sonores qui créent une ambiance qui passe d’une musique de route légère à des jams existentiels plus sombres qui finissent en quelque sorte par donner de l’espoir. Récemment, nous avons discuté avec Heidecker de sa façon de s’amuser avec son identité d’auteur-compositeur-interprète. La conversation a été modifiée pour plus de longueur et de clarté.

La construction du monde est un élément important de votre comédie : créer des personnages et des intrigues dans une série comme « Tim et Eric Awesome Show, Great Job ! » ainsi que dans vos stand-ups ou vos faux documentaires comme « Mister America ». En quoi votre approche de la construction du monde dans la musique diffère-t-elle de celle de la comédie ?

C’est certainement différent. Je suis en train de construire un nouveau monde, je suppose, et il y a une continuité avec le type de chansons que j’écris et le style dans lequel elles sonnent, ou les arrangements et le style de production. Il y a définitivement une ligne directrice d’un disque à l’autre : les thèmes sont similaires, les acteurs sont similaires. Dans n’importe quel univers ou monde, il y a des gens à l’intérieur, et cela devient cohérent. Dans mon petit groupe de collaborateurs, il y a des gens célèbres qui ont travaillé sur mes disques, comme Natalie. [Laura Mering] de Weyes Blood, Jonathan Rado et Kurt Vile, Mac DeMarco et maintenant avec mon groupe actuel, leurs personnalités commencent à émerger et les gens, espérons-le, en deviennent fans. Je m’habille d’une certaine manière dans le monde de la musique ; c’est un peu plus proche de la façon dont je m’habille réellement. Mais chaque fois que vous montez sur scène, vous réfléchissez à quoi vous allez ressembler, à quoi cela va ressembler sur un film ou quand les gens prendront des photos de vous. Donc j’habite comme un personnage, c’est sûr, mais c’est un peu plus ancré, un peu plus proche de moi.

Dans le clip de « Wells Running Dry », qui a été tourné dans le studio d’enregistrement où vous avez réalisé l’album, quel était votre objectif en montrant les coulisses de la façon dont vous faites de la musique avec votre groupe ?

Je suis fan de voir les processus, je suis fan de voir comment les choses se produisent. Je pourrais regarder des heures de séquences en studio. C’est quelque chose qu’on ne voit pas toujours. Parfois, c’est très ennuyeux, et parfois il faut tourner longtemps pour trouver quelque chose qui en vaille la peine. Mais dans cette vidéo en particulier, je voulais montrer à quel point il y a de collaboration et d’amour entre nous tous. À travers certains de mes projets et une partie de ma présence en ligne, mon humour sur Twitter, mon personnage de stand-up, j’ai l’impression que c’est peut-être ce que je suis. Mais je pense qu’à travers la musique, c’est une chance de voir que je suis plutôt affable et terre-à-terre et que j’apprécie les autres. Et j’ai fait [music] avec ces gens depuis si longtemps que je dois être assez tolérable d’être là.

Qu’est-ce qui a inspiré le titre de l’album « Slipping Away ? »

Les titres sont une affaire délicate à gérer. Je suis évidemment un grand fan des disques et des petits trucs qui apparaissent au fil du temps. Il y a un disque ou deux dont le titre n’est pas le titre de la chanson, mais c’est une réplique d’une des chansons. Ainsi, « s’éclipser » est une phrase de la chanson « Tripping ». Pour moi, cela avait deux significations : l’une est positive, celle de lâcher prise, d’être ouvert, de trébucher, de se perdre. Et puis le côté sombre, le deuxième côté, c’est que tout s’efface, tout s’effondre. OK, donc j’aime les endroits où il a une signification côté A et une signification côté B.

Je pense aussi que la pochette de l’album a aussi une double signification. C’est une photo du [recording studio] salle de contrôle avec une chaise vide. Et cela a deux significations pour moi, c’est-à-dire entrer, s’asseoir et écouter mon disque. Et l’autre côté, c’est que personne n’est là, tout le monde est parti.

Il y a aussi deux parties de l’album dans son ensemble qui forment une arche qui évoque la façon dont la chance peut monter et descendre tout aussi rapidement dans la vie à cause du chaos ou d’événements inattendus. Avez-vous d’abord écrit une partie des chansons, puis les autres sont arrivées plus tard ? Comment s’est développé l’arc narratif de l’album ?

L’écriture de ce disque sortait définitivement de la pandémie et nous avions l’impression d’avoir eu un avant-goût de ce que vous auriez pu voir dans un film catastrophe. Il y a eu des moments dans nos vies où nous avons eu l’impression que, oh, merde, nous faisions une descente à l’épicerie pour trouver du papier toilette. Certaines des chansons que j’écrivais étaient en quelque sorte des chansons très littérales, des études de personnages, sur des personnes vivant dans un monde où les choses s’étaient effondrées. Donc ça venait vraiment du fait d’être dans les airs. Mais c’est vraiment lourd, et je ne voulais pas que tout l’album soit aux prises avec ça. Et je pense que tous les bons disques conceptuels contiennent toujours des erreurs [songs] parce que ce ne sont pas des comédies musicales ou des opéras rock. Donc les autres choses qui se passaient dans ma vie étaient que je venais de lancer ce nouveau projet, qui était le groupe. Et je vivais de nouvelles bonnes expériences, mais je me sentais aussi réfléchissant à ma place dans le monde et j’approchais de la cinquantaine. Donc la première moitié du disque est un peu plus domestique et un peu plus réfléchie. Et puis je pense que j’aime la surprise de la face B qui devient très lourde et très dystopique et abstraite et pas très personnelle. Je veux dire, c’est personnel dans le sens où ce sont des peurs, des angoisses et des cauchemars auxquels je pense que tout le monde peut s’identifier. Mais ce ne sont pas des choses qui m’arrivent.

Vous avez ajouté une touche légère à la fin de la dernière chanson, « Bells Are Ringing », avec votre fille Millie chantant l’outro. Il a ajouté un élément indispensable moment de nettoyage du palais. Comment est née cette décision ?

C’est sorti parce que je sentais que [the song] était trop lourd. Je contrôle ce que je diffuse ; il n’est pas nécessaire que cela existe. Il existe parce que je le crée et je peux dire ce que je veux. J’ai donc vraiment ressenti cette grande et belle fin du disque. Et au niveau des paroles, tout ce que je disais c’est que c’est fini et que les choses vont en enfer et que tout finit par mourir. Et je me suis dit : « Eh bien, c’est une sorte de dérobade pour terminer là-dessus, vous savez, ce n’est pas si intéressant. Ce n’est pas si profond. Alors j’avais cette petite ligne [“But underground, maybe there’s love growing, not a lot but it’s all we have. It might just be enough.”]. C’était trop cru pour moi de chanter, trop vulnérable, je suppose. Et je viens d’entendre le son d’un enfant qui chante, et Millie sait chanter et j’ai juste pensé que c’était une chose amusante à faire ensemble. C’était joli, on n’y a pas beaucoup réfléchi, sauf que quand je l’ai mis là-dedans, j’étais paranoïaque que ce soit une mauvaise idée. Mais quand je le jouais pour des amis, tout le monde me rassurait que c’était très attachant et mignon, ouais, que c’était, tu sais, c’est pour éviter de grincer des dents, comme on fait toujours.

Avez-vous toujours joué et enregistré votre propre musique ou avez-vous commencé à jouer après vous être lancé dans la comédie ?

J’ai toujours eu des groupes dès le lycée. J’aspirais à jouer de la musique depuis que j’étais enfant et je l’ai longtemps mis en veilleuse lorsque la comédie était vraiment puissante et quand Eric [Wareheim] et j’étais juste submergé par la création [“Tim and Eric Awesome Show, Great Job!”] puis faire une autre émission de télévision. Mais même pendant ces périodes, il y a tellement de musique dans ces spectacles que j’ai toujours pu avoir une guitare avec moi, m’asseoir devant un clavier et insérer quelques chansons pour le spectacle. Mais avec la naissance de ma fille, il y a maintenant 11 ans, et l’emménagement dans ma maison, cela m’a donné quelque chose à écrire que je n’avais pas auparavant. Quelque chose qui n’était ni ironique, ni satirique, ni une parodie de quelque chose. C’était comme: « Oh, je suis papa et je vis en banlieue. » Et, vous savez, « C’est une nouvelle phase en quelque sorte intéressante et peut-être que quelqu’un s’identifierait à cette expérience. »

Avez-vous réfléchi à la manière dont vous pourriez mélanger les mondes de la comédie et de la musique en tournée pour cet album ou dans un futur proche ?

Je pense que même pendant cette tournée et lors de la dernière tournée que je viens de faire en première partie de Waxahatchee, mon instinct de survie, mon instinct animal, est toujours d’être drôle. Ce sera le fil conducteur de tout le spectacle. Oui, il y a des chansons qui ne sont pas drôles du tout, mais je vais être drôle avant et après et pendant [the show]. Certaines chansons sont drôles, et je trouve que cela ressemble beaucoup au travail sur les personnages que je fais, comme avec le stand-up, c’est très drôle et amusant, mais c’est joli, étroit, comme si j’étais en mode personnage. Quand je suis juste moi sur scène avec le groupe, je peux faire toutes sortes de choses amusantes, plus proches de la façon dont je me comporte sur scène. [my podcast] « Heures de bureau ». Je prends très au sérieux l’idée de monter un bon spectacle et cela signifie qu’il sera dynamique. Il va y avoir des trucs rock, il va y avoir des trucs tristes, il va y avoir des trucs drôles. Je ne suis pas fan d’aller voir un groupe qui se contente de jouer ses chansons et de s’en sortir. Je veux que ce soit une soirée interactive, dynamique, drôle, mais aussi, vous savez, émouvante pour tout le monde.