Le conservateur britannique Neville Wakefield parle de l’introduction de l’art dans le désert d’Arabie saoudite

Au milieu du désert du nord-ouest de l’Arabie saoudite, une immense sphère en miroir reflète le paysage lunaire environnant, des centaines de pots en terre cuite parsèment le sable et des parfums d’encens et de myrrhe flottent entre les canyons.

Ce sont des œuvres d’art faisant partie de la troisième édition de Desert X. AlUla. Situé dans une région avec un profond héritage d’échanges interculturels et qui abrite le premier Patrimoine mondial de l’UNESCO (Hegra), cette exposition adaptée au site réalisée par Desert X de Californie et la Commission royale pour AlUla cherche à son tour à favoriser le dialogue culturel à travers l’art.

L’exposition en plein air, qui voit 16 œuvres contemporaines d’artistes saoudiens et internationaux trouver leur place dans le majestueux paysage désertique, fait partie du plus vaste festival des arts AlUla : une grande célébration des arts, comprenant des expositions de l’artiste saoudienne Manal. Al Dowayan (qui représentera l’Arabie Saoudite au Biennale de Venise cette année), des photographies du légendaire artiste marocain Hassan Hajjaj, des résidences d’art et de design et la révélation du lauréat de l’Ithra Art Prize.

Le commissaire britannique Neville Wakefield travaille avec Desert X depuis le début, façonnant son voyage de la vallée de Coachella à l’Arabie saoudite et revenant cette année à AlUla en tant que co-directeur artistique, avec Raneem Farsi. Euronews Culture s’est entretenu avec Wakefield sur ce qui rend Desert X AlUla spécial, stimulant et catalyseur de progrès dans la région.

Comment en êtes-vous arrivé à vous impliquer dans Desert X AlUla ? Qu’est-ce qui vous a attiré vers le projet ?

Neville Wakefield : Cela a commencé en Californie, avec Desert X là-bas. J’y suis depuis le début, j’en suis donc le directeur artistique fondateur. Je m’intéresse à la façon dont le fait de sortir l’art des murs institutionnels donne l’opportunité d’impliquer de nouveaux publics, et DesertX a vraiment abaissé le seuil d’entrée.

Avec un musée ou une institution, vous avez une barrière architecturale, une barrière économique et souvent une barrière sociale. Vous avez aussi en quelque sorte une barrière ontologique, en termes de vision des objets qui ont été extraits de leur contexte et placés dans ce « cube blanc ». Si vous ne connaissez pas l’histoire de l’objet, cela ne veut pas dire grand-chose. En revanche, chacun entretient une sorte de relation au paysage, primaire ou médiatisée. En réalité, le paysage est le conservateur. Abaisser cette barrière – j’ai vraiment adoré cette idée.

Dans cet esprit, quel genre de réponses avez-vous eu de la part des gens ?

Ici comme en Californie, une grande partie de notre public est composée de gens qui n’iraient jamais dans un musée – c’est leur introduction à l’art. La chose la plus gratifiante dans une émission comme celle-ci, c’est quand quelqu’un a la révélation qu’il ne s’agit pas d’une conversation qui se déroule dans un espace avec lequel il n’a aucune relation et qui ne l’intéresse pas ; c’est quelque chose qui leur appartient. Je pense que tout cet art, d’une certaine manière, est une conversation, et la manière dont cela se répercute est très importante.

L’aspect communautaire est vraiment important. C’est particulièrement intéressant ici car il n’en est qu’à ses balbutiements. Beaucoup de gens n’ont pas été beaucoup exposés à l’art – vous savez, il n’y a pas encore beaucoup d’écoles d’art en Arabie saoudite, donc la plupart de l’art, ou de l’éducation artistique, vient de l’extérieur. Je pense que ça change. De nombreuses œuvres sont accompagnées d’incroyables programmes communautaires, comme par exemple une série fantastique de livres pour enfants distribués dans les écoles locales, entièrement consacrés au spectacle. Et puis nous avons les bénévoles. Tous les bénévoles sont des membres de la communauté locale et certaines œuvres ont été créées avec l’aide de la population locale.

Parlez-nous un peu du thème du Desert X AlUla de cette année, « En présence de l’absence » ?

Eh bien, je pense qu’il existe une idée fausse très répandue selon laquelle le désert est un endroit vide : c’est une toile vierge sur laquelle vous pouvez, en tant qu’artiste, projeter votre identité. Plus on passe de temps dans les déserts, plus on se rend compte à quel point ils sont pleins de vie, bien que souvent invisibles dans leur forme. Je pense que de nombreuses œuvres reflètent cela ; nous souhaitions explorer le côté du désert le moins visible. Je pense que l’une des choses que les artistes font très bien, c’est qu’ils permettent de voir les choses avec des yeux différents, et ces yeux peuvent aussi exposer des choses que nous ne voyons pas vraiment.

Quelque chose vous a-t-il surpris dans la façon dont les artistes se sont engagés dans le paysage, et y a-t-il eu des défis particuliers qui ont été rencontrés lors du travail sur cette édition ?

Il y a toujours des surprises ! Cela peut être intimidant, et l’une des choses qui, à mon avis, est intéressante dans l’exploration du côté le moins visible est que vous n’êtes pas nécessairement obligé de vous intéresser à la majesté du paysage – vous regardez plutôt en dessous et autour de lui. Vous regardez ses histoires, les histoires qui la sous-tendent, les parfums qui ont soufflé dans le vent, cette sorte de « biosphère d’ombre » et les choses les moins visibles. Il y a un aspect de durée, et il y a une conversation avec le temps. On le ressent quand on est ici : il y a le temps géologique et il y a le temps biologique, et ce sont deux registres très différents. L’œuvre de Giuseppe Penone en est un parfait exemple : elle présente tous ces registres du temps, du bois pétrifié et mort au bois de bronze, en passant par l’arbre vivant derrière lui.

Il y a toujours des défis, mais les défis deviennent des vertus. Vous travaillez dans un environnement non contrôlé. Dans une institution, tout est contrôlé : la climatisation, l’éclairage. Assis ici, nous sommes couverts de poussière ! Les pièces ici peuvent littéralement s’enfoncer dans le sable.

Favoriser la conversation entre les artistes internationaux et locaux, et entre la scène artistique saoudienne et le monde, était l’un des objectifs que la fondatrice Susan Davis s’est fixé pour Desert X. Pensez-vous que cela a été un succès à cet égard ?

Je fais! Ces spectacles sont structurés sous forme de dialogues. Ce sont des dialogues entre les lieux, entre les artistes et entre les cultures. Chacun des Desert X ici est un dialogue à trois niveaux : saoudien, la région MENA et international, faute d’un meilleur mot. Je pense que nous jouons un rôle très important dans la conversation, surtout dans un pays où il n’y avait pas beaucoup d’occasions de montrer son travail jusqu’à très récemment. Ce que nous faisons ici n’aurait pas été concevable il y a à peine dix ans.

Quel rôle voyez-vous Desert X jouer sur la scène artistique saoudienne au sens large ?

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Je pense que cela modélise beaucoup de choses. C’est vraiment intéressant qu’ici, pour beaucoup de Saoudiens, ce type d’art en plein air dans le paysage soit leur première exposition à l’art contemporain. Il s’agit en quelque sorte d’un renversement de ce qui s’est produit en Occident, où la majeure partie de l’art était confinée, institutionnelle, puis a éclaté. Le processus est donc désormais inversé. Je pense que tout ce modèle que nous avons développé avec Desert X pour l’art dans le paysage est devenu dans une certaine mesure envié par les musées. Le nombre de visiteurs augmente, ce qui témoigne de la façon dont cela fonctionne en termes d’acquisition de nouveaux publics.

Desert X AlUla 2024 se déroule jusqu’au 23 mars. Il est organisé par Maya El Khalil et Marcello Dantas.