L’artiste visuel George Wylesol explique qu’il faut rester frais tout en progressant, en s’appuyant sur ses instincts naturels et en apportant de la personnalité à son travail.
Vous avez récemment fait un Publication Instagram sur la réalisation de toutes vos dernières pièces dans un hôtel géant vide au milieu de la Mongolie intérieure. J’aimerais savoir comment cette expérience a eu lieu et comment elle s’est déroulée.
Ma femme est chinoise. Elle vient de Mongolie intérieure. Nous nous sommes rencontrés ici à Baltimore, à l’école. Elle n’est pas revenue à la maison pour voir sa famille depuis peut-être quatre ou cinq ans à cause de la pandémie, alors cette année nous sommes revenus. Sa famille vit dans une région très rurale et isolée de la Mongolie intérieure. C’est un peu comme une région montagneuse et désertique. Sa famille est divorcée et il y a beaucoup de drames familiaux et c’est vraiment gênant, donc je ne voulais pas rester avec eux. J’ai eu cet hôtel super bon marché en bas de la rue, mais ma femme est restée avec sa mère tout le temps. J’étais donc là, seul, dans cet hôtel complètement vide, sans aucun visiteur, pendant environ deux mois d’affilée. C’était vraiment bizarre.
Je pensais que ce serait bon pour la créativité, parce que j’ai un peu un blocage créatif ces derniers temps. Je pensais que ce serait bien d’y arriver et de travailler tous les jours, mais je n’ai rien fait. Je ne pouvais pas du tout travailler là-bas.
L’isolement n’a donc pas été une sorte de création…
Non, cela ne m’est pas arrivé. Je veux dire, j’ai eu de bonnes idées et j’ai fait beaucoup de travail professionnel. Je voulais faire des projets plus importants comme retravailler mes cours et des trucs comme ça, et je ne pouvais tout simplement pas en avoir… C’était comme si j’avais trop de temps, alors je ne faisais que regarder la télévision et me promener.
Je pense que ce sera intéressant pour les artistes qui rêvent peut-être de travailler dans ce type d’isolement d’apprendre.
Ça pourrait aider certaines personnes, oui. Mais ça n’a pas fonctionné pour moi, donc je ne sais pas.
Je veux parler du côté commercial de l’illustration. Je vous ai entendu parler de l’importance pour les illustrateurs de se concentrer sur des projets personnels pour développer leur carrière. Pouvez-vous en parler davantage ?
Je pense que ces conseils sont vraiment utiles pour les étudiants ou les personnes qui viennent tout juste d’obtenir leur diplôme et qui tentent de démarrer une carrière. Je vois des étudiants sortir de l’école et construire leur portfolio avec de faux projets professionnels. Ils se donneront une illustration éditoriale à réaliser, ou feront du fan art pour quelque chose. D’après mon expérience, et en voyant cela se produire, j’ai l’impression que cela ne fonctionne pas du tout pour trouver un emploi et trouver du travail. Ce à quoi les directeurs artistiques réagissent et qui les incitent à vouloir commander quelqu’un, c’est la personnalité et l’application de cette personnalité pour avoir une voix personnelle unique. Dans cet environnement d’illustration, une grande partie du travail peut être très similaire. Beaucoup de gens utilisent les mêmes outils et les mêmes pinceaux, et dessinent des personnages et des objets de la même manière. Donc, quoi que vous puissiez faire pour sortir de cette situation et vous séparer, je pense que c’est le moyen de trouver du travail.
Quelle est la relation idéale directeur artistique/illustrateur ? Comment conseilleriez-vous aux illustrateurs de mieux communiquer avec leurs directeurs artistiques ?
J’essaie d’enseigner cela dans ma classe. Je veux dire, je n’ai jamais été directeur artistique, donc je ne sais pas ce qui se passe dans les coulisses là-bas. Pour moi, un directeur artistique idéal est quelqu’un qui reconnaît ce que je fais de mieux, puis qui dit simplement : « D’accord. Allez-y, et je ne dirai rien. Je vais juste te laisser faire ton truc. J’ai l’impression que, pour moi, lorsque je suis en quelque sorte microgéré, le travail en souffre vraiment. Ensuite, le travail qui en résulte est tellement ennuyeux, et je m’en fiche, quand il s’agit de ce genre d’environnement microgéré. Mais j’enseigne beaucoup de professionnalisme, comme comment envoyer un e-mail, comme un e-mail d’appel à froid à un directeur artistique qui comprend un bref message, votre œuvre. Assurez-vous de les rechercher, assurez-vous que votre travail y correspond, soyez rapide et à temps, et donnez des croquis sur les délais. Toutes ces compétences générales sont vraiment importantes, surtout pour un travail en ligne, où l’on ne rencontre jamais personne.
Vous êtes désormais représenté par une agence, mais à vos débuts, comment trouviez-vous des clients ? Avez-vous utilisé des outils ou des documents pour suivre les relations clients, les tarifs, des choses comme ça ?
Ouais, c’est vraiment difficile de trouver du travail maintenant. Il y a tellement de bons talents dans le domaine. C’est très difficile de se faire remarquer, d’autant plus qu’en 2023, les réseaux sociaux fonctionnent différemment de ce qu’ils étaient lorsque j’ai commencé à travailler, et c’était il y a moins de dix ans. J’ai envoyé beaucoup d’e-mails à froid et j’ai envoyé des cartes postales de mon travail aux directeurs artistiques. Ce truc n’a jamais vraiment fonctionné pour moi. Je veux dire, je sais qu’il faut être persévérant et continuer à le faire, alors je dis toujours à mes élèves de le faire. Mais je pense que tous les emplois que j’ai commencé à obtenir avant d’être représenté étaient grâce à Tumblr, qui à l’époque était très populaire.
J’ai donc publié mon travail sur Tumblr, et les directeurs artistiques m’ont vu là-bas et m’ont simplement commandé, car ils ont vu le travail se dérouler sur Tumblr. Mais aujourd’hui, il n’existe pas vraiment de plateforme permettant de simplement partager une image seule. Instagram a totalement ajusté son algorithme ou autre. Mon engagement a chuté de façon spectaculaire. Tout doit être une vidéo maintenant, pour une raison quelconque. Donc je ne sais pas. Je ne sais pas comment vous feriez pour construire ça aujourd’hui, comme TikTok peut-être ? Mais je ne sais pas si les directeurs artistiques sont sur TikTok pour le remarquer.
Vous avez mentionné que le paysage des médias sociaux est différent aujourd’hui de ce qu’il était il y a dix ans. Il existe également d’autres préoccupations plus récentes comme l’IA. Êtes-vous préoccupé par l’IA? Est-ce quelque chose dont vous parlez avec d’autres illustrateurs ?
Nous en parlons. Je pense que tous ceux à qui je parle s’accordent à dire que cela ne nous inquiète pas vraiment. J’ai l’impression que ce n’est pas si bon. Droite? À un niveau très superficiel, la première réaction est du genre : « Wow, c’est cool qu’un ordinateur puisse générer une image d’un dinosaure avec une arme à feu dessus, ou autre. » Mais quand vous regardez réellement l’image, il y a tellement de parties floues et mal dessinées. Même s’ils réparent ces générateurs, Je pense que ce pour quoi on commande un illustrateur, ce sont ses idées et sa personnalité. Vous commandez à un illustrateur sa façon de communiquer visuellement, et tout le monde ne peut pas le faire. C’est une compétence qui s’apprend. Je pense que ce que l’IA va remplacer, c’est la photographie, l’illustration, quiconque fait des publicités de jeux mobiles vraiment merdiques, l’IA va remplacer cela. Je ne pense pas que cela va remplacer les très bons illustrateurs qui ont une voix et une âme.
En parlant de voix et de style, je pense que la question « comment avez-vous développé votre style » est une question difficile. Mais y a-t-il un moment ou un moment où les choses ont cliqué, et quel genre de travail avez-vous dû faire pour en arriver là ?
Cela a pris vraiment très longtemps. C’est quelque chose avec lequel j’ai eu du mal quand j’étais étudiant, et même un peu pendant mes études supérieures, où je n’avais tout simplement aucune personnalité dans mon travail à l’époque. Tout ce que je savais faire, c’était dessiner des trucs académiques, comme des natures mortes, des dessins de personnages et des trucs comme ça. Ce n’est que lorsque j’ai fait mes études supérieures et que j’ai pu expérimenter un peu plus les processus que les choses ont commencé à sortir. J’aime beaucoup dessiner avec Illustrator. Ça a juste cliqué avec moi, le programme. Et j’ai eu un atelier animé par Mikey Burton, un artiste qui a mentionné qu’il utilise une imprimante pour obtenir des textures sur son travail.
Je me suis dit, d’accord, je pourrais peut-être expérimenter cela, car nous avions là-bas un tas d’imprimantes différentes. J’ai donc beaucoup expérimenté pendant ma première année d’études supérieures sur la façon de faire un dessin numérique, de l’imprimer, de l’agrandir, de le numériser et d’obtenir toute cette texture. Et finalement, tout s’est en quelque sorte mis en place. Cela s’est produit à la fin de ma première année d’études supérieures, lorsque mon professeur a vu une partie du travail que je faisais avec des textures vraiment déformées et des trucs vraiment glitchants. Elle a dit : « C’est bon. » Ce petit encouragement a vraiment aidé à le solidifier, puis cela a évolué lentement.
Maintenant, vous êtes en quelque sorte connu pour un certain style, comme les couleurs vives et ces arrière-plans texturés que vous venez de mentionner. Vous sentez-vous parfois piégé par ce style ?
Non, un peu. Je veux dire, j’y ai beaucoup pensé au cours de la dernière année, et je me sens un peu ennuyé. J’ai l’impression de l’avoir compris. J’ai compris ce style. Je change encore de choses et j’essaie de nouvelles choses, mais à une échelle beaucoup plus petite qu’avant. J’ai donc pensé ces derniers temps qu’il était temps de commencer quelque chose de nouveau, comme un nouveau processus. C’est bien d’avoir un flux de travail avec lequel vous pouvez aborder des projets professionnels et les réaliser, car les délais sont très serrés. Je n’ai pas le temps d’expérimenter pleinement chaque pièce. C’est donc bien d’avoir cela en place, mais là encore, je ne sais pas vraiment quoi faire. Je m’ennuie un peu et je veux expérimenter de nouveaux matériaux ou quelque chose du genre.
Ce sentiment d’être nouveau dans quelque chose, de ne pas savoir quoi faire et d’essayer des choses qui ne fonctionnent peut-être pas me manque. Et ça va, parce que tu ne le montres jamais à personne. J’essaie de revenir un peu dans cet espace libre.
Comment entrer dans cet espace libre ? Est-ce simplement grâce à une expérimentation de travail sur des projets personnels, ou est-ce que vous changez votre situation ou votre environnement ou quelque chose comme ça ?
Je pense que je dois changer le média dans lequel je travaille. Je connais très bien Illustrator et Photoshop maintenant. Je leur enseigne, je les utilise environ huit heures par jour, tous les jours. Je ne remets donc rien en question, ni ne me demande comment obtenir cet effet, ou quelque chose comme ça. J’ai besoin de faire quelque chose que je ne sais pas comment faire, comme expérimenter un processus complètement différent que je n’ai jamais essayé auparavant. Il y a quelques années, j’apprenais Blender moi-même et j’ai ressenti la même chose. Je me disais : « Oh, je ne sais pas comment faire ça. J’expérimente. Ça ne va pas si bien,…