Entretien de fin avec Joshua Oppenheimer

Mère (Tilda Swinton) fait un mauvais rêve. À côté d’elle dort le père doux et affable (Michael Shannon). Elle se sort d’un cauchemar et est réconfortée par son mari. Elle lui ment et dit qu’elle va bien, mais ce n’est clairement pas le cas.

Comment pourrait-elle l’être ? Elle sait tout. Elle sait que si elle sortait du lit et quittait sa maison, elle se retrouverait face à une mine de sel froide. Elle sait que juste au-dessus de la mine de sel, le monde est en feu et que tout le monde est mort. Elle sait que l’homme à côté de qui elle dort, ce mari doux et affable, est responsable. Et elle sait qu’elle n’est pas innocente non plus.

La fin est une comédie musicale avec des chansons chantées par les six survivants vivant dans un luxueux bunker. Ils sont tous des bienfaiteurs du business pétrolier, c’est-à-dire qu’ils sont toujours en vie. C’est un château de cartes soigneusement construit qui, après 20 ans de vie sous terre, est devenu une routine. Mais lorsque Girl (Moses Ingram) arrive, leur faux sentiment de sécurité est menacé et les mensonges qu’ils se sont racontés pour survivre chaque jour commencent lentement à s’éroder.

C’est un projet curieux et surprenant du réalisateur Joshua Oppenheimer, surtout connu pour son superbe documentaire L’acte de tuerdans lequel lui et ses co-réalisateurs demandent à leurs sujets de reconstituer des meurtres de masse dans lesquels ils ont été impliqués lors des troubles civils en Indonésie au milieu des années 60. J’ai rencontré Oppenheimer avant La finl’expansion du théâtre à l’échelle nationale. Nous avons parlé de l’évidence – son grand saut du documentaire aux comédies musicales – et, plus curieusement, de ce que cela nous dit sur les gens lorsque leur montre-bracelet coûte plus cher qu’une voiture.

The Verge : Je veux commencer par la question évidente ici : pourquoi cette histoire exigeait-elle une comédie musicale ? Qu’est-ce que vous vouliez explorer dans ce genre ?

Joshua Oppenheimer : Les comédies musicales sont vraiment le genre par excellence du faux espoir, et je dis faux espoir parce que je pense qu’il s’agit en fait du désespoir déguisé en mouton par l’espoir.

L’idée que quoi qu’il arrive, le soleil se lèvera demain – ou sa forme plus extrême, à la fin, que notre avenir est radieux, ce que chante la famille alors qu’elle regarde en quelque sorte l’abîme à la toute fin de l’année. film, essayant désespérément de se convaincre que c’est le cas – c’est complètement passif parce que la petite orpheline Annie, quand elle chante « le soleil sortira demain », elle veut juste que ce soit le cas et compte sur la bonne chance.

Et je pense que la passivité vient de cet endroit profond, d’un profond sentiment d’impuissance. C’est un genre américain parce que nous prétendons être une démocratie, mais d’une certaine manière, nous avons toujours été cette oligarchie assez rude et brutale avec une Constitution qui n’est guère démocratique du tout, avec tout, du collège électoral au Sénat, en passant par du gerrymandering aux nominations à vie à la Cour suprême à nos systèmes de freins et contrepoids. Voici un pays qui se dit que vous avez tout ce pouvoir pour façonner votre avenir, mais non seulement nous avons moins de mobilité sociale que presque n’importe quel autre pays industrialisé. L’histoire de la misère à la richesse s’avère être un mensonge. Mais l’histoire démocratique est aussi un mensonge.

La finL’ouverture de est intéressante de par sa chaleur. Vous avez le Père qui console la Mère après un mauvais rêve, mais au fil du temps, on apprend que ces personnages ont fait des choses assez mauvaises.

Nous avons mis en place plusieurs choses dans cette scène. Nous avons mis en place la hantise et la suppression. Nous avons mis en place un Père chaleureux et attentionné. Nous établissons une mauvaise relation car la Mère lui ment immédiatement. Nous avons mis en place une sorte de confrontation mexicaine ou quel que soit le problème – ils ne peuvent pas en parler parce que le Père doit agir comme si tout allait bien.

Cette scène apparaissait ailleurs dans le scénario et plus tard dans le film, et c’est ce qui a inspiré le montage pour la mettre au début car elle offre les clés pour débloquer toutes les dynamiques de la première chanson d’ensemble : la Mère est malade. En toute tranquillité, Père sort de la salle à manger et chante « Pour toujours la force de notre famille ». Mère se détourne immédiatement et se dirige vers les fleurs. Nous connectons instantanément cela, pour quiconque y prête attention, à la scène qui vient de le précéder. Alors qu’avant [in the original edit] cette scène était là, ça allait manquer aux gens.

La performance de Michael Shannon est particulièrement surprenante. Il est très doux et attachant. Et son chant est tellement humain. Comment saviez-vous que c’était la bonne voix pour ce rôle ?

Il a cette voix douce et douce, comme le genre de pulls en tricot qu’il porte. Mais il est si sincère qu’il n’a pas cette peur machiste de presque s’exciter dans son désir d’amour. Il entre donc dans les hauteurs, dans le fausset avec aisance, tant dans le chant que dans la parole.

Il ressemble presque à Jimmy Stewart dans M. Smith se rend à Washingtonmais avec ce genre de rage bouillonnante qui peut devenir de la haine de soi ou de la rage et qui est intrinsèquement dangereuse et déséquilibrée en dessous. Je pense qu’il est beaucoup plus intéressant que M. Smith.

Mais il est tellement avunculaire. Et j’adore ça. Et puis il est tellement surprenant. [Shannon] est tellement libre en tant qu’artiste, en tant qu’interprète qu’il va là où sa vie intérieure le mène et que cela le rend sincère et brisé. Je veux dire, tous ceux que je choisis ont quelque chose qui partage cette imprudence qui, je pense, fait d’eux collectivement moins une troupe que… J’en suis en quelque sorte venu à les décrire comme des membres de la secte Doomsday s’inscrivant pour l’enlèvement. Ils ont bon espoir, ils sont perdus et ils sont terriblement mortels.

J’ai adoré la froideur du bunker. Et c’est en sachant qu’à l’extérieur tout est en feu, non ? Comment avez-vous procédé pour effectuer des repérages pour cela et aussi, pourquoi l’apocalypse est-elle si froide ?

Tout ressort vraiment des chansons. Quand les chansons étaient ces tentatives désespérées de se convaincre que tout ira bien, elles étaient musicalisées comme dans toutes les comédies musicales de l’âge d’or et de faux espoirs musicalisés, j’ai réalisé que le public devait pouvoir oublier parfois qu’il était dans le bunker. En fredonnant avec eux pendant qu’ils chantent, nous devrions oublier avec eux qu’ils sont enfermés dans un bunker. Et cela signifiait qu’il devait y avoir des extérieurs qui nous conduisaient à ce genre de colonie de termites ou de colonie de fourmis, modèle de bunker où vous avez une grande structure de caverne souterraine, puis certaines des cavernes sont aménagées dans ces belles pièces, et certaines d’entre elles sont juste crus.

Et cela a conduit à l’idée que les extérieurs seraient la mine de sel. Nous avons tourné pendant trois semaines dans une mine de sel, et nous avions juste l’impression que cela devait ressembler au clair de lune. Il y a une parole, « Tu peux briller comme la neige au clair de lune », et je pense que cela a inspiré [cinematographer] Mikhail Krichman et moi avons rendu les mines de sel froides et bleutées. Et puis les chambres pourraient être confortables contrairement à cela quand elles ne le sont pas. Quand ce n’est pas le cas, les fleurs en papier seraient d’un rouge éclatant.

Ensuite, la disposition des pièces a été construite en studio, et la disposition a été déterminée par la structure des chansons. Vous regardez les gens s’effondrer littéralement en chantant. Nous voulons supporter cela, ce qui signifie qu’il ne nous semblait pas juste de couper si nous n’y étions pas obligés. Nous avons essayé de comprendre comment le chanteur principal d’un numéro pouvait nous amener par son action naturelle à la personne suivante. Cela a conduit à certains plans et idées d’étage.

Nous avons trouvé des plans d’étage pouvant accueillir toutes les chansons de notre ensemble. C’est devenu la conception du bunker. Et dans un sens, le plan du bunker a en fait pour ADN la structure des chansons.

Je veux vous poser des questions sur le rôle des montres-bracelets de luxe dans ce film. Tout le monde porte quelque chose de spécial – ce qui est un signe de classe courant dans les films, mais dans un bunker souterrain, ils se sentaient particulièrement poignants.

Il y a deux choses. Premièrement, je voulais faire un troisième film en Indonésie avec les oligarques arrivés au pouvoir grâce au génocide. Et je ne pouvais pas parce que je ne pouvais pas retourner en Indonésie en toute sécurité après L’acte de tuer. J’ai commencé à faire des recherches sur les oligarques dans des situations analogues ailleurs. Et j’ai découvert que quelqu’un achetait un bunker, et ça m’a inspiré La fin indirectement. Mais au cours de mon voyage et de mes années de travail en Indonésie, j’ai toujours su qu’un signe de corruption se manifestait lorsque les gens – et le signe d’un pays corrompu en général – était lorsque les montres des gens coûtaient plus cher que leurs voitures. C’est ainsi que vous saviez que les fonctionnaires étaient corrompus.

Je me suis vraiment intéressé aux montres en réalisant ces deux documentaires en Indonésie et en faisant des recherches sur ces oligarques réels. J’ai collecté des lignes similaires à celles que dit le fils lorsqu’il donne une montre à la fille. Il a parlé de l’or rose et de la peau d’alligator et de la montre la plus précise jamais réalisée. Et c’était en quelque sorte dans un coin de ma tête. Ensuite, j’ai écrit cette chanson sur le temps. [singing] Les secondes passent si vite avant que vous ne le remarquiez et elles disparaissent. Mais je me souviens du temps où les moments ne disparaissaient pas, où l’on fermait les yeux, une seule respiration pouvait durer indéfiniment. Le peu de respirations qu’il nous restait ne signifiait donc pas grand-chose.

Ces paroles ont cimenté le rôle des montres dans le film parce que… J’arrive maintenant au vrai point : en fin de compte, le temps est l’antagoniste, n’est-ce pas ? Dès le début ? Son fils est voué à finir seul parce que la mortalité est l’antagoniste de toutes les histoires. Et quand les parents mourront, le fils se retrouvera seul. Choisira-t-il de se suicider ? Va-t-il vivre le reste de ses jours dans une solitude dénuée. Le film parle de cette famille, ces personnages anonymes, c’est nous tous car la famille, c’est chacune de nos familles. Mais en même temps, c’est toute la famille humaine qui est en jeu et nous sommes confrontés à l’antagoniste existentiel du temps alors que nous décidons collectivement si nous allons ou non nous attaquer à la crise écologique, si nous allons ou non nous attaquer au changement climatique avant qu’il ne se produise. trop tard.

Le temps est vraiment quelque chose dont je veux que le spectateur soit parfaitement conscient. Et aussi si nous ne pouvons pas être présents les uns avec les autres parce que nous nous mentons ou parce que nous sommes incapables de nous excuser pour la façon dont nous nous sommes entendus. Par conséquent, nous sommes constamment inquiets de contourner sur la pointe des pieds des zones interdites qui vident nos relations, nous perdons alors une qualité de temps pendant laquelle nous pouvons simplement être ensemble et partager cette histoire de ce que nous sommes tous.