Déguiser “The Hours” au Met : papier peint vintage et Calvin Klein des années 90

Lorsque le designer britannique Tom Pye a été intégré pour la première fois à l’équipe créative de “The Hours”, un nouvel opéra de Kevin Puts qui a eu sa première au Met mardi, c’était juste pour les décors.

Mais c’était avant qu’il n’apprenne que l’opéra, comme le film de 2002 inspiré du même roman de Michael Cunningham, avait tout mis en œuvre pour tenir les rôles principaux : trois femmes éparpillées à travers le XXe siècle dont les destins semblent unis par une lien mystérieux avec “Mrs. Dalloway. Avec Joyce DiDonato, le Met a trouvé sa Virginie ; dans Kelli O’Hara, sa ménagère désespérée du milieu du siècle Laura Brown; et dans Renée Fleming, sa puissante éditrice de livres Manhattanite Clarissa Vaughan.

“Quand j’ai entendu les castings, je me suis dit:” Je fais aussi les costumes “”, a déclaré M. Pye.

Bien qu’il “ait adoré quand il est sorti”, M. Pye, 54 ans, avait scrupuleusement évité le film, qui a reçu une nomination aux Oscars pour la conception des costumes d’Ann Roth.

“Cela peut être vraiment distrayant, si vous essayez de concevoir et de trouver votre propre image pour tout”, a-t-il déclaré.

Dans une récente interview, il a expliqué sa vision des trois femmes au cœur de “The Hours”.

Tout en adaptant l’histoire tentaculaire et multigénérationnelle de M. Cunningham pour la scène, un objectif est rapidement devenu clair : aider le public à ne pas perdre de vue qui fait quoi où – et dans quelle décennie.

“Dans le livre, c’est très” un chapitre, un chapitre, un chapitre “”, a déclaré M. Pye, faisant référence à la structure épisodique du roman de M. Cunningham. “Dans le film, ils jouent un peu plus, et c’est cinq fois plus.”

Sachant qu’il y aurait souvent plusieurs personnages chantant sur scène en même temps, M. Pye voulait être “aussi simple et direct” que possible.

“Alors j’ai été très, très clair – ou, je suis en essayant pour être très, très clair – dans les palettes de couleurs et les mondes du costume et des décors », a déclaré M. Pye,« pour que vous sachiez que vous êtes dans le monde de Virginia, vous savez que vous êtes dans le monde de Laura, de sorte que même si la chanteuse ne se situe pas exactement dans son monde, sa palette de couleurs la suit, et elle peut être libre sur scène pour être un peu plus complexe.

Pour créer une palette cohérente qui suivrait Virginia tout au long de la performance, M. Pye s’est tourné vers le groupe Bloomsbury, un collectif informel de penseurs et d’artistes, ainsi nommé pour le quartier bohème de Londres que beaucoup d’entre eux appelaient chez eux.

La vraie Virginia Woolf et sa sœur, la peintre Vanessa Bell, appartenaient au groupe, qui avait “une palette vraiment spécifique”, a déclaré M. Pye, pointant le travail de Bell et Duncan Grant, un collègue peintre qu’elle a repris. dans une ferme du Sussex appelée Charleston. “Vous voyez ce genre de couleurs tertiaires – moutardes et oranges brûlées et verts olive.”

Si le public est censé associer Virginia à l’automne et à la terre – «des pigments naturels qui, selon vous, pourraient être fabriqués à partir de produits naturels», comme l’a dit M. Pye – le personnage de Laura occupe un coin complètement différent de la roue chromatique.

“Il n’y a rien de naturel là-bas”, a-t-il déclaré.

Pour la palette de Laura, M. Pye s’est inspiré de Technicolor dans le but de projeter l’optimisme d’après-guerre. “Ce ne sont pas des couleurs normales”, a-t-il déclaré, les comparant plutôt aux Cadillac et aux restaurants des années 1950. “Ils sont tous assez fabriqués par l’homme, fabriqués – à l’opposé de Virginia.”

Pour habiller le personnage de Clarissa, une femme professionnelle vivant à Manhattan à la fin du siècle dernier, M. Pye s’est inspiré de ses propres souvenirs de la fin des années 1990, dont certains de ses premiers emplois au théâtre new-yorkais. Il faisait principalement des décors à l’époque, se souvient-il, ce qui signifiait à l’époque beaucoup de murs de verre, de boîtes en verre et “tout récupéré”.

“Tout ce que nous faisions à l’époque, c’était le minimalisme”, a-t-il déclaré. “Il y avait beaucoup de scènes vides.”

“Je regardais Calvin Klein, et Donna Karan, et tous ces grands designers qui travaillaient alors, et c’est tellement minimaliste dans les palettes de couleurs”, a ajouté M. Pye.

Selon M. Pye, la sensibilité des années 1990 se définissait par un instinct de sobriété : « ‘Décapons tout, allons aussi simple que possible’ », a-t-il dit. “Alors c’est ce que j’ai fait avec Clarissa.”

Vêtue de blanc et se tenant souvent devant un mur uni, Clarissa fonctionne souvent comme une sorte de barrière monochrome entre les mondes plus colorés de Virginia (à gauche) et de Laura (à droite). Pour M. Pye, il y avait quelque chose de satisfaisant dans l’effet visuel global.

“Il y a une pureté là-dedans et une modernité là-dedans”, a-t-il déclaré.

La fameuse première phrase de « Mrs. Dalloway », le roman historique de Virginia Woolf qui forme le l’épine dorsale spirituelle de “The Hours”, contient un indice sur le motif caractéristique de l’opéra : “Mrs. Dalloway a dit qu’elle achèterait les fleurs elle-même.

Clarissa commence également sa journée par une visite chez un fleuriste, où elle achète des roses (elle-même). Saisissant ce fil conducteur, M. Pye a espionné l’occasion de faire en sorte que le thème des roses “écho et rebondisse au fil des décennies”.

“Laura et Virginia portent des imprimés roses, mais je voulais qu’ils soient complètement opposés”, a-t-il déclaré. Pour créer le motif des robes de Virginia et de Laura, il s’est tourné vers le papier peint, et non les textiles, de leurs époques. Pour Virginia, il a trouvé deux options prometteuses, toutes deux des années 1920, dans une archive numérique du Smithsonian.

“J’ai aimé les roses sur l’une et le fond sur l’autre, alors je les ai rassemblées et j’ai changé chaque couleur”, a déclaré M. Pye. Le résultat est un tissu imprimé sur mesure qui, bien qu’il ne soit pas vintage au sens traditionnel du terme, est néanmoins «très, très années 20» dans l’esprit. En contraste avec les fleurs “assez serrées, très déco” de la robe de Virginia, le motif “très années 50” de Laura a été adapté d’un papier peint Sanderson et présente de grandes roses éclatantes.

Les trois femmes de “The Hours” se distinguent également par les silhouettes de leurs costumes – pas deux tout à fait semblables, et chacune un reflet de sa décennie.

La robe en soie à taille basse que M. Pye a créée pour Virginia aurait été un style familier dans les années 1920, avec une sensation de détente convenant à une femme vivant et écrivant à la campagne. “Je voulais que ce soit doux et qu’il y ait du mouvement”, a-t-il déclaré, ajoutant que “le groupe de Bloomsbury était composé uniquement d’artistes, donc il ne voulait pas se sentir trop structuré.”

Il y a une certaine extravagance d’après-guerre dans le look de Laura : avec les privations de la guerre en grande partie un souvenir, une femme comme Laura pouvait profiter d’une jupe qui était pleine pour l’amour de la plénitude. “Soudain, c’est : ‘Utilisons cinq fois plus de tissu que nécessaire pour faire une jupe, juste pour profiter de l’opulence de cela'”, a déclaré M. Pye.

La taille pincée et la jupe volumineuse de la robe maison de Laura rappellent une silhouette en sablier innovée par Christian Dior : « C’est cette fameuse robe Dior — la veste blanche et la grande jupe évasée — qui était vraiment radicale après les années 40, et après la guerre. Du coup, on revient à quelque chose de plus optimiste.

Pour Clarissa, chaque détail semble communiquer aisance et confiance — les manches retroussées, les poches fonctionnelles de sa jupe.

“Il y a certainement un peu de ce power dressing des années 80 qui aurait continué dans les années 90, en particulier pour une femme de son statut”, a déclaré M. Pye.

Dans les premières conceptions du costume du personnage, Clarissa portait un pantalon. Mais Mme Fleming n’était pas folle de l’idée, a déclaré M. Pye, et elle a finalement été rejetée comme un peu trop sur le nez.

“Cela se sent plus fort”, a-t-il déclaré.