Critique : L’exquis « Les collines de Californie » de Jez Butterworth
La scène la plus terrifiante sur une scène de Broadway en ce moment se déroule en toute courtoisie.
Dans le deuxième acte de « The Hills of California » de Jez Butterworth, actuellement au Broadhurst Theatre dans une magnifique production mise en scène par l’oscarisé Sam Mendes, Luther St. John (David Wilson Barnes), producteur de musique américain et découvreur de talents, est arrivé. à l’hôtel ringard Seaview à Blackpool, en Angleterre. Nous sommes en 1955. Et Veronica (Laura Donnelly), la jolie veuve à la volonté de fer qui possède la maison d’hôtes, prépare ses quatre filles à devenir une réplique des Andrews Sisters, la sensation musicale de sa jeunesse.
Fatiguée de se débrouiller dans un marigot provincial, elle veut désespérément qu’ils réalisent ses rêves de célébrité non réalisés. Selon diverses versions de la légende, le père des enfants serait mort pendant la Seconde Guerre mondiale. Lorsque Joan (Lara McDonnell), l’aînée de Veronica, 15 ans, arrive en retard à l’entraînement plus tôt dans la pièce, elle lui dit : « Tu veux passer tes nuits à la fête foraine à flirter avec des garçons et finir par te faire mutiler sur Ribble Road. avec cinq enfants, continue comme ça, mon amour. Sinon, faites la queue.
L’arrivée de Luther est la pause que Veronica attendait. Ses filles, répétées à quelques centimètres de leur vie, s’assomment en chantant « Boogie Woogie Bugle Boy ». Mais alors qu’ils enchaînent sur « Redressez-vous et volez à droite », Luther lève la main. Il en a assez entendu. Il veut parler à Veronica en privé. Pourquoi font-ils des reprises de musiques d’hier ? Le public s’est tourné vers Elvis Presley. Et de toute façon, la seule fille avec un potentiel de star est Joan. Il pourrait peut-être faire quelque chose pour elle, mais il aurait besoin de l’entendre chanter en privé.
Joan, aussi fougueuse que sa mère, lui propose de chanter un tube de l’une des découvertes de Luther, Nat King Cole : « When I Fall in Love ». Veronica s’inquiète de la pertinence du choix. Luther, qui a l’autorité sinistre d’un Lucifer aux manières douces dans un costume froissé, s’en va par respect pour les souhaits de Veronica. Mais Joan sait ce que cette chance signifie pour sa mère. Elle est prête à faire ce que Veronica sait être mal. Veronica propose plutôt de monter à l’étage avec Luther, mais il feint la confusion. Il veut seulement entendre la fille chanter. Y a-t-il un problème ? Lorsqu’il suit Joan dans l’escalier raide de l’auberge, grimpant avec une furtivité prédatrice, Veronica reste en bas, brisée.
Ce qui s’est passé dans cette pièce, le traumatisme qui a ébranlé une famille, est le sujet de « The Hills of California », la pièce la plus profondément impliquante que j’ai vue lors d’un récent voyage à Broadway. L’architecture du drame, qui se déroule dans la maison d’hôtes de Veronica, crée un monde entièrement habité par l’ensemble chevronné, dont beaucoup de membres ont participé à la première mondiale de la pièce plus tôt cette année à Londres.
Mis en scène de manière obsédante par Mendes, qui a remporté un Tony pour sa réalisation de « The Ferryman » de Butterworth, « The Hills of California » alterne entre deux périodes. La pièce commence en 1976, avec Veronica mourant à l’étage dans de graves douleurs causées par un cancer de l’estomac. Jill (Helena Wilson), qui s’occupait de sa mère, a convoqué ses sœurs, Ruby (Ophelia Lovibond) et Gloria (Leanne Best), pour qu’elles soient là à la fin. Au-dessus de leur veillée se pose la question de savoir si Jeanne reviendra après une absence de 20 ans qui rappelle la visite de Luther. Les sœurs ont leur propre interprétation de ce qui s’est passé dans cette pièce, mais les conséquences ne sont pas contestées : Joan est tombée enceinte, a avorté et a été envoyée en Amérique, où elle a enregistré un album, puis est tombée hors des radars et dans le monde. scène de la drogue, vivant une vie de plus en plus sommaire face à la beauté séduisante qui a inspiré la chanson de Johnny Mercer « The Hills of California ».
Butterworth est peut-être le dramaturge anglais le plus acclamé de sa génération. Sa pièce « Jérusalem » arrive souvent en tête des classements des meilleurs drames britanniques du 21e siècle. « The Ferryman » a remporté le Tony Award de la meilleure pièce. J’ai admiré certains aspects des deux œuvres, mais je n’ai pas réussi à susciter l’enthousiasme de mes collègues critiques. Je m’attendais à nouveau à être laissé dans le froid dissident par « Les collines de Californie », mais cette pièce de grande envergure se déroule dans mon esprit depuis que je l’ai vue.
C’est une œuvre longue, près de trois heures, écrite dans la tradition réaliste tchékhovienne et bourrée de détails romanesques qui ne peuvent être pleinement assimilés en une seule séance. Il y a des personnages qui pourraient être coupés et des scènes qui pourraient être raccourcies, mais je continue de faire des découvertes rétrospectives sur la psychologie et la moralité d’un drame familial controversé qui, par son extrémité tragi-comique et son humour noir audacieux, peut être comparé à « August » de Tracy Letts. : Comté d’Osage.
Le point culminant bien exécuté de la production ne dissipe pas l’ambiguïté. Lorsque l’adulte Joan (jouée par Donnelly, le partenaire de Butterworth, qui a reçu une nomination aux Tony Awards pour sa performance dans « The Ferryman ») apparaît enfin, ressemblant à un hippie débraillé et parlant comme un Californien, un médecin a déjà été appelé pour administrer un traitement miséricordieux. dernière injection de morphine à Veronica. Jill et Ruby sont ravies de revoir leur sœur perdue, mais Gloria reste furieuse. (Joan n’était pas la seule dont la vie a été déraillée par Luther.)
Joan s’aventurera-t-elle à l’étage pour pardonner à sa mère, comme le propose Jill, ou s’excuser, comme le demande Gloria ? Mendes fait ressortir la tension insoluble du moment.
Le designer Rob Howell divise parfaitement l’auberge entre le passé et le présent de la famille. Le décor tourne de sorte que l’escalier menant à la chambre de Veronica fait désormais face au public tandis que Joan effectue son ascension lente et incertaine. Mais ensuite, cette femme fatiguée par les voyages se retrouve face à face avec son jeune moi, s’arrête net et se retourne.
Au début, j’ai supposé qu’elle était incapable d’absoudre sa mère. Mais elle complique cette hypothèse lorsqu’elle explique à ses sœurs que la raison pour laquelle elle ne peut pas la voir est « parce que la fille qui a monté ces escaliers n’est jamais redescendue ». Est-ce qu’elle se protège ou protège sa mère ? Elle n’est pas enragée comme Gloria face à des événements qu’elle ne peut pas changer. Elle accepte ses cicatrices. Sa mère lui a appris qu’une chanson « est un endroit où être », quelque part sans murs, sans limites ni verrous, et elle a pris ce conseil à cœur. Sa vie est sa propre ballade, libre d’interpréter comme elle le souhaite.
Ce que j’ai le plus apprécié dans « The Hills of California », qui éclate par intermittence dans une chanson nostalgique, c’est qu’il n’impose pas son interprétation des personnages au public. Le riche terrain dramatique nous permet de nous forger notre propre opinion sur leurs motivations et leurs actions morales. Le portrait théâtral aspire à la complexité de la vie. Il se passe des choses dont nous ne nous remettons jamais, et pourtant, d’une manière ou d’une autre, nous continuons, obsédés ou non par ce qui aurait pu être, regrettant les paroles de notre vie ou tirant le meilleur parti d’une mélodie imparfaite.