Critique : exposition PST du Palm Springs Art Museum, « Particles and Waves »

À Los Angeles, la génération des baby-boomers apparue après la Seconde Guerre mondiale a coïncidé avec l’efflorescence de l’industrie aérospatiale soutenue par l’armée. Au Palm Springs Art Museum, « Particles and Waves: Southern California Abstraction and Science, 1945-1990 » rend bien compte de l’impact général du boom technologique d’après-guerre sur les peintres et sculpteurs de la région. L’exposition rassemble 66 œuvres de 34 artistes.

Le spectacle fait partie du festival subventionné par Getty »Art PST : collision entre l’art et la science.» Son titre particule/onde fait allusion à la dualité souvent mystifiante de la réalité subatomique, qui a conduit à des découvertes scientifiques majeures pendant trois siècles, d’Isaac Newton à Albert Einstein. Le sujet de la technologie avancée et de son impact sur l’abstraction dans l’art du sud de la Californie n’est pas nouveau. Mais l’expérience perceptuelle a été un fil conducteur dans l’histoire de l’art contemporain de la région, il est donc bon de voir une exposition de festival axée sur la Californie du Sud. Rares sont ceux qui le sont.

Pour l’art, la connaissance est ancrée dans l’expérience — par exemple, dans le discernement des motifs rythmiques et de la sensation spatiale dans les ondulations de tons bleus, violets, verts et neutres dans la magnifique peinture à l’huile « Multi wave » d’Oskar Fischinger de 1948. Les bords blancs transforment la des formes pulsées dans des suggestions de phénomènes naturels – des pétales de fleurs épanouies et des vagues océaniques déferlantes – mais ni l’un ni l’autre n’est décrit de manière réaliste. L’artiste germano-américain, qui a travaillé aux studios Paramount après avoir fui Adolf Hitler en 1936, créait de la musique visuelle.

Fischinger, bien qu’à peine inconnu, apparaît comme un personnage remarquable dans l’exposition, les complexités géométriques de ses peintures et films conservant un haut niveau de panache sophistiqué. (Des films abstraits extrêmement inventifs de Fischinger, ainsi que de Charles et Ray Eames, Charles Dockum et les frères John et James Whitney sont projetés en permanence dans la salle de conférence du troisième étage du musée.) Il en va de même pour Helen Lundeberg, dont les géométries architecturales familières dans les peintures de paysages obtenez une tournure inattendue dans trois toiles des années 1960 inspirées de réflexions extraterrestres.

« Parmi les planètes » est un plan plat de couleur gris ardoise interrompu par de grands arcs brun grisâtre en haut et en bas. Un petit point dans le coin inférieur droit transforme visuellement la composition austère en un essai sur la dynamique perceptuelle de l’espace profond, comme si nous – comme ce petit point – flottions sans attaches. Lundeberg crée un espace visuel à travers la couleur, la forme, l’échelle et la composition. Elle a débuté dans les années 1930 en tant que surréaliste en explorant les mystères de la mémoire humaine, mais ces peintures abstraites exceptionnelles libèrent totalement l’imagination.

La confiance retrouvée de la culture américaine d’après-guerre dans l’art, qui n’avait pas encore suscité beaucoup d’enthousiasme populaire au XXe siècle, allait rapidement se fondre avec des sensibilités bien ancrées, établies pour la première fois par un événement technologiquement passionnant en Californie du Sud. En 1910, un quart de million de personnes avaient passé 10 jours à s’évanouir à cause du Rencontre aéronautique internationale de Los Angeles – le premier spectacle aéronautique casse-cou du pays. Une sensation médiatique tonitruante dans la ville de Carson a vanté les promesses et les périls du départ terrestre. L’extravagance a eu lieu à peine six ans après le décollage des frères Wright à Kitty Hawk, en Caroline du Nord, lors du premier vol habité plus lourd que l’air. (En un rien de temps, 53 terrains d’atterrissage pour avions auraient été construits à moins de 30 miles de l’hôtel de ville de Los Angeles.) L’aérospatiale californienne est instantanément devenue une chose.

L’industrie a connu des hauts et des bas au cours du demi-siècle suivant. Cependant, lorsqu’une « course à l’espace » entre les États-Unis et l’Union soviétique a éclaté en 1957, la guerre froide a amplifié le géant commercial florissant de la région.

L’exposition se concentre généralement étroitement sur des artistes familiers – Larry Bell, Fred Eversley, Claire Falkenstein, Robert Irwin et bien d’autres – en ajoutant quelques-uns qui ne le sont pas. Certains sont entièrement nouveaux pour moi.

«Galaxy» d’Eva Slater, 1954, insère un réseau syncopé de formes peintes dans un panneau de bois, fusionnant le mouvement optique avec la stase matérielle. (Le même motif triangulé apparaît dans une sculpture kaléidoscopique récente lors de l’exposition fracassante de l’artiste islandais-danois Olafur Eliasson actuellement à Musée d’art contemporain de Los Angeles.) Robert Bassler a créé des groupes de formes en résine moulée hautes, épaisses et chromatiquement luxueuses qui plient la lumière pour se lier visuellement, comme une version de l’ère spatiale de « Le Baiser » de Constantin Brancusi.

Bettina Brendel, dont le gigantesque tableau à six panneaux de 1969 « Particules ou vagues ? » a donné son titre à l’exposition, tentatives avec un succès mitigé pour évoquer les contradictions déroutantes de la dualité fondamentale, présentant une séquence de hachures, de rayures dentelées et de courbes gonflées. Les formes brumeuses flottant dans l’espace sombre dans la boîte à lumière cinétique farfelue de Frank J. Malina, « Spring II » (1959), animent la visualisation des schémas de pensée psychiques dans les grandes peintures surréalistes de Roberto Matta.

Aucune de ces œuvres n’avance pour suggérer un artiste majeur oublié. Mais une exposition collective comme celle-ci bénéficie d’une ampleur qui dépasse la simple qualité superlative. Cette gamme démontre à quel point un élément puissant de l’air du temps était répandu, tout en soulignant également par comparaison à quel point les réalisations d’artistes essentiels comme Irwin et Bell ont été importantes. Un aperçu de l’art que nous pensions connaître est élargi.

Un exemple : l’époustouflante « dot painting » d’Irwin, l’œuvre phare de l’exposition.

Il s’agit d’un groupe présenté en Amérique du Sud à la Biennale de São Paulo de 1965, qui a coïncidé avec le début d’une dictature militaire réactionnaire au Brésil. Deux peintures à points d’Irwin ont été physiquement attaquées et détruites. Imaginez une telle réaction bruyante aujourd’hui, simplement confronté à une toile carrée légèrement courbée comportant des milliers de petits points verts et rouges. Impossible.

Vus à plusieurs mètres de distance, les points fusionnent en un halo de couleur amorphe. La surface du tableau semble molle, se dissolvant d’un plan statique dans un nuage optique. L’accent artistique s’éloigne radicalement du rôle traditionnel d’un objet consistant à transmettre une signification spécifique et s’oriente vers le discernement individualisé du spectateur. Ce changement radical dans l’autonomisation perceptuelle en dit long sur les forces contradictoires de l’éthos culturel de l’époque. Pour le Brésil résolument conformiste, le sentiment de liberté sans contrainte d’Irwin peut aider à clarifier ce qui a mis en colère ces observateurs destructeurs.

Quelques omissions dans l’exposition sont surprenantes, en particulier les soi-disant « thermomètres érotiques » formés dans un relief en plastique de couleur industrielle qui Craig Kaufmann réalisé dans les années 1960, ainsi qu’un environnement lumineux rayonnant par Doug Wheeler. (Le « » de James TurrellAfrum« , une illusion d’optique cubique réalisée avec de la lumière projetée, est visible, mais une installation de Wheeler engloutirait certainement plus d’espace que ce que le musée de Palm Springs pourrait fournir ; des dessins pourraient compenser.) D’autres surprises sont alléchantes.

« Orbit the Earth (Moving Point) » de Falkenstein, une fresque murale de près de 20 pieds de large sur neuf panneaux, date de 1963. Ce n’est peut-être pas une coïncidence si c’est la même année. cosmonaute Valentina Terechkova est devenue la première femme à s’aventurer dans l’espace.

La toile vivante, qui n’est guère une illustration d’un événement, utilise des peintures métalliques argentées et brun doré réfléchissant la lumière appliquées dans de vastes champs de virgules de type cachemire qui se dématérialisent en une surface scintillante spatialement ambiguë. L’ancien motif cachemire persan est depuis longtemps un symbole de force et de fertilité, et un cercle zen brossé remplissant un panneau représente la paix intérieure tout en faisant également office d’emblème planétaire. Les lignes de suivi traversent le vaste champ, rappelant les rayons cosmiques traversant une chambre nuageuse. La peinture murale de Falkenstein démontre amplement les compétences picturales d’un artiste mieux connu comme sculpteur (un beau relief mural et quatre sculptures moins intéressantes sont également visibles).

La conservatrice de PSAM, Sharrissa Iqbal, et le commissaire invité Michael Duncan, organisateurs adeptes de l’exposition et de son catalogue rempli de documents, ont également inclus l’une des merveilleusement excentriques «Shakespeare Equations» de Man Ray. Ce groupe de peintures a été réalisé pendant son séjour à Hollywood, mais ils proviennent de photographies de modèles mathématiques complexes du physicien Henri Poincaré que l’artiste a prises à Paris. Des ruisseaux de peinture s’écoulant des bords d’une forme robotique claironnante, ondulante et autrement indescriptible représenteraient les larmes du roi Lear affligé de chagrin, tentant sauvagement d’humaniser la réalité scientifique froide, quoique presque inexplicable, de la source de Man Ray.

Le tableau est exposé dans une galerie et examine l’utilisation des mathématiques par les artistes – l’un des cinq segments informatifs de l’exposition. Les autres considèrent la couleur en mouvement, l’abstraction de l’ère spatiale, l’optique et le cinéma expérimental. Certains artistes se présentent dans plusieurs sections.

Ce qui fait que tout cela fonctionne, c’est que le commentaire scientifique est tangentiel. Man Ray s’intéressait autant à Shakespeare, à la poésie et au théâtre qu’à Poincaré, à la physique et à la philosophie des sciences. L’exposition se concentre sur la manière dont les artistes créent de l’art plutôt que de prétendre que l’art et la science suivent des voies parallèles. En prime, il fournit un contexte historique intéressant pour « Olafur Eliasson : OPEN », cette grande installation tentaculaire et révélatrice spécifique au site, réalisée pour le Geffen Contemporary du MOCA.