À « Noon to Midnight » de LA Phil, même les ratés font de la magie

« De midi à minuit », le marathon annuel de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, accueille les familles, les créateurs de tendances artistiques, le public dévoué à la nouvelle musique et les simples curieux dans tous les coins et recoins du Walt Disney Concert Hall. Le billet de 12 $ – soit moins que tout ce qui se trouve dans les food trucks devant ou dans la plupart des boissons du café en plein air – revient à un dollar de l’heure.

Visitez un marché de producteurs samedi matin, puis présentez-vous au Disney Hall à l’heure du déjeuner, et la transition se fait en douceur. Les vendeurs de musique exposés sont des ensembles locavore de musique nouvelle. Vous vous promenez et vérifiez tout ce qui est en saison.

Cette année, cependant, c’était différent. Pour la première fois, le LA Phil a sélectionné une commissaire, la compositrice Ellen Reid, dont la musique est souvent liée au lieu et qui adore composer des promenades sonores. Elle s’est concentrée sur de nouveaux travaux qui utilisent d’une manière ou d’une autre des enregistrements sur le terrain ou évoquent notre environnement à mesure qu’il évolue.

« Les problèmes climatiques sont trop importants pour que la musique puisse les résoudre », a admis Reid lors de l’une des conférences qui faisaient partie de l’événement. Mais ce que les compositeurs peuvent faire de multiples façons, c’est documenter, à travers les sons, ce qu’est le monde d’aujourd’hui, ainsi qu’interagir avec ou manipuler les sons qui renforcent notre conscience de la nature.

Dans diverses parties du Disney Hall ainsi qu’à l’extérieur, le programme a donné 23 concerts formels (souvent deux ou trois en même temps), dont de nombreuses premières mondiales. Mais comme la nature, « Noon to Midnight » a défié toute catégorisation. Ce qui est nouveau et ce qui ne l’est pas est un continuum. Il y a eu des improvisations, des installations, des adaptations et des collaborations inédites entre musiciens, artistes et médias, avec Mère Nature toujours à l’honneur.

Un grand avantage de ce modèle démesuré est le rejet de la manie FOMO. Vous ne pouvez pas vous empêcher de rater quelque chose et de rater beaucoup de temps. Parcourez-vous et broutez-vous et obtenez-vous une vue d’ensemble des multitudes musicales ? Faites-vous un plan et essayez-vous d’attraper quelques incontournables ? Qu’en est-il de la nourriture, des boissons, du repos ?

Seuls les concerts dans la salle principale offraient du réconfort. Les chaises ont été retirées dans la salle BP pour des travaux expérimentaux, qui consistaient à s’asseoir par terre ou debout (les huissiers nous empêchaient de nous appuyer sur les murs). Les concerts dans l’amphithéâtre extérieur glacial impliquaient de s’emmitoufler. De cette façon, la musique devient un environnement, semblable à une longue journée à la campagne. Les moments forts semblaient moins importants que les rencontres qui constituaient une expérience globale. Ce n’est pas ce que vous avez entendu ni combien ; c’était la façon dont entendre et remarquer peut changer votre chimie.

Pour l’événement d’ouverture au BP Hall, Michael Pisaro-Liu a créé des drones électroniques complexes, presque dangereusement séduisants, jouant avec des ondes sinusoïdales oscillant hors champ lors d’enregistrements qu’il avait réalisés autour de Los Angeles. Plus vous écoutez, plus le son pénètre profondément en vous.

« A Companion Guide to Rome » d’Andrew Norman, neuf mouvements pour trio à cordes, chacun représentant une église, a été interprété délirant par différents groupes de Delirium Musicum dans la salle principale. Ce groupe virtuose a également donné la première représentation de « Trees of Greenwood » d’Andrew Yee dans sa version pour orchestre à cordes complet, avec la soprano Laurel Irene entonnant les noms des arbres comme une voix angélique venue d’au-delà, comme pour nous rappeler les membres d’un groupe disparu depuis longtemps. forêt.

« Learning » d’Andrew McIntosh a ouvert le concert de Wild Up au BP Hall, avec un percussionniste communiquant de petits sons intrigants avec ceux d’enregistrements sur le terrain réalisés dans la forêt nationale d’Angeles. À l’extérieur, dans l’amphithéâtre Keck, John Eagle a laissé sa mémoire être un guide peu fiable dans « dedans-dehors », ses enregistrements sur le terrain se sont transformés en drones rauques et profonds qui méritaient une réponse enthousiaste de la part du quatuor à cordes nerveux Isaura. De retour à BP, le Calder Quartet a apporté une chaleur exquise aux lignes mélodiques ensoleillées et glissantes de « Death Valley Junction » de Missy Mazzoli.

« My Beloved Spectra » d’Anne LeBaron utilise des enregistrements de terrain extraterrestres modifiés électroniquement de la NASA pour nous ramener sur Terre avec le violon, l’alto et la harpe du trio céleste RedKoral. La compositrice environnementale de Soundscape, Annea Lockwood, s’est plongée profondément dans des sons d’eau saisissants et gargouillants qui ont été améliorés électroniquement et a fait sauter le commun avec son duo de percussions au piano « Jitterbug », interprété par Vicki Ray et Wesley Sumpter.

De longues files de participants attendaient la propre contribution de Reid, « Oscillations : 100 Years and Forever », écrite à l’origine pour le centenaire de LA Phil. Les solistes vocaux, les chœurs et la projection ont créé une lettre d’amour immersive à Los Angeles, hier et aujourd’hui. Pendant 20 minutes, Reid a fait croire en une ville qui méritait d’être protégée.

Ce n’était qu’un petit échantillon d’une vaste journée et nuit, qui s’est transformée en un grand événement dans l’auditorium principal : « Lightscape » de Doug Aitken, l’éléphant dans la pièce attendant vraisemblablement d’éclipser tous les autres. « Noon to Midnight » a été créé à l’origine pour entourer un concert de Green Umbrella du LA Phil New Music Group. Il reste le seul programme qui nécessite un ticket séparé.

Dans ce cas, une collaboration majeure entre l’orchestre et la LA Master Chorale a accompagné la vidéo de 65 minutes d’Aitken. « Lightscape » semblait être le ticket le plus populaire. Il était épuisé depuis longtemps. Beaucoup se sont présentés juste pour « Lightscape ».

Je ne pense pas avoir jamais rencontré un public plus mécontent au cours des quatre décennies de concerts de Green Umbrella. Les gens les uns après les autres sont venus me voir pour se plaindre de ce qui semblait être une publicité brillante remplie de belles personnes, d’un magnifique lion de montagne, de belles maisons, d’une belle nature. Une vieille camionnette délabrée avait du glamour. Un danseur de break a fait d’une usine Amazon un endroit agréable et dynamique pour l’enregistrement sur le terrain.

La partition – avec des morceaux de Philip Glass, Terry Riley, Steve Reich, Meredith Monk, Beck et d’autres, dont Aitken – a été composée par l’artiste et directeur artistique du Master Chorale Grant Gershon. Pour la performance live, les membres du LA Phil New Music Group et de la Master Chorale, dirigés par Gershon, se sont incroyablement synchronisés avec le film.

« Lightscape » sera sûrement plus à l’aise en tant qu’installation chic sur sept écrans le mois prochain à la Marciano Art Foundation. Lors de la performance live, les musiciens sont entrés en collision avec une bande-son composée de voix parlées et de sons environnementaux trop amplifiés. Pourtant, les musiciens faisaient de la magie, les instrumentistes et les chanteurs trouvaient enchanté de relever tous les défis environnementaux auxquels ils étaient confrontés, remplissant d’une substance merveilleuse ce qui pourrait autrement être une beauté vide. Aucun enregistrement sur le terrain ne pouvait espérer mieux.