À la Biennale de Toronto, la précarité a du bon

Les commissaires de la troisième Biennale d’art de Toronto n’auraient pas la présomption d’imposer un thème à leur exposition collective dans 11 salles. Au lieu de cela, ils disent avoir écouté le vocabulaire des 36 artistes exposants. De toute cette écoute, ils ont au moins un titre : Precarious Joys.

Ce nom semble risqué pour un grand événement public – le public préférera peut-être les joies sur lesquelles il peut compter – mais il constitue un principe d’organisation solide pour une exposition révélatrice de l’art international. Les thèmes, si j’ose les appeler ainsi, du précaire, du transitoire et du migratoire émergent avec force d’une exposition qui comprend à la fois des œuvres existantes et 20 pièces nouvellement commandées.

L’idée de précarité a été initialement inspirée par les sculptures de l’artiste chilienne Cecilia Vicuna, sélectionnées pour la biennale par Miguel Lopez, un conservateur péruvien vivant à Toronto et qui a travaillé en Colombie, au Costa Rica, au Brésil ainsi qu’en Europe. Il n’est pas surprenant qu’il existe une programmation impressionnante d’artistes d’Amérique du Sud et d’Amérique centrale pour 2024.

Depuis les années 1990, Vicuna utilise des débris et des matériaux naturels échoués sur les plages pour créer de petites sculptures qu’elle laisse ensuite retourner à la mer, créant ainsi de l’art pour l’océan plutôt que pour la galerie. Une sélection de versions plus permanentes de ces petits objets fragiles et bricolés est exposée sur le premier mur du centre principal de la biennale, au 32, rue Lisgar, dans le quartier Queen et Dovercourt. Ils sont une réplique touchante à la matérialité et à l’acquisition dans l’art, même si Vicuna est désormais représentée par une galerie internationale à New York, où elle vit également lorsqu’elle n’est pas à Santiago.

Au coin de son œuvre, sur une série de murs blancs, l’artiste montréalaise Leila Zelli a imprimé une vague d’icônes bleues et noires, versions stylisées de personnages protestant contre le hijab en Iran. La situation de ces femmes est en effet précaire : beaucoup ont disparu dans les prisons iraniennes notoires. Et l’art lui-même disparaîtra à la clôture de la biennale en décembre, créant un lien simple mais profondément émouvant entre la forme et le contenu.

Les artistes montréalais sont largement représentés dans l’exposition grâce à son autre co-commissaire, Dominique Fontaine. L’un de ses meilleurs choix est l’œuvre de Maria Ezcurra, à qui on a demandé de créer une œuvre d’art public à l’extérieur de l’entrée nord du 32 Lisgar, dans le parc donnant sur la rue Queen.

Elle l’a fait en érigeant un auvent sur lequel elle a suspendu plusieurs chaussures – des baskets aux escarpins à talons aiguilles – chacune étant séparée de manière à ce que la tige s’ouvre comme les ailes d’un oiseau. L’artiste montréalaise, née en Argentine, élevée au Mexique et vivant au Canada depuis 2010, se décrit comme une double immigrante. Ainsi, avec cette exposition suspendue, elle a créé une charmante métaphore de la migration, à la fois humaine et volière.

Ezcurra s’intéresse aux oiseaux : elle a également un travail impressionnant à l’intérieur de 32 Lisgar, une grande série de dessins d’oiseaux canadiens en voie de disparition, de l’autour des palombes au grand héron bleu, magnifiquement rendus sur des morceaux de carton mis au rebut. Sommes-nous en train de jeter des espèces, comme nous jetons du papier ? Là encore, il existe un lien poignant entre le thème et les matériaux.

De nombreux artistes autochtones sont inclus cette année, mais les thèmes de l’indigénéité et de la terre, si centraux de la première Biennale de Toronto en 2019 car elle abordait le cadre au bord du lac, sont moins importants. Les travaux les plus intéressants à cet égard proviennent d’Amérique latine, notamment du Guatemala et du Pérou.

En montant les escaliers du 32 Lisgar, vous êtes accueilli par une collection de masques amazoniens de l’artiste péruvienne Nereyda Lopez. Installés comme un groupe animé d’animaux et d’esprits, ils sont fabriqués à partir de matériaux forestiers dans la tradition du peuple Uitoto, une communauté amazonienne proche des racines Tikuna et Kukama de Lopez. Ils évoquent des êtres à la fois amicaux et mystérieux, des personnages éphémères à demi aperçus dans la forêt.

Ils doivent être comparés à une autre installation frappante de masques à la gare Union créée par l’artiste autochtone d’Alaska Nicholas Galanin, dont l’héritage est les Tlingit et l’Unangax : Retour de menace est une série de récipients tissés sombres, rappelant la vannerie africaine et de la côte nord-ouest, mais rendus en bronze et percés des yeux et des bouches du masque de ski noir d’un criminel. Montée sur des socles de musée dans l’architecture classique du hall ouest de la gare, l’œuvre se lit comme un commentaire à plusieurs niveaux sur le rôle des musées dans la collecte, l’exposition et maintenant la restitution de l’art autochtone. Notez que les trous pratiqués dans les paniers en bronze les rendent inutiles comme récipients.

Le travail de l’artiste textile péruvienne Cristina Flores Pescoran constitue un projet plus optimiste de récupération postcoloniale et produit l’une des installations incontournables de la biennale. Pescoran, qui vit et travaille désormais aux Pays-Bas, fait revivre les techniques historiques de crochet et de nouage péruviennes. Elle utilise du coton indigène, qui avait quasiment disparu après avoir été interdit par les colonisateurs pour ne plus pouvoir concurrencer leurs plantations.

Dans une galerie du neuvième étage du Tower Automotive Building dans le Junction Triangle (maintenant connu sous le nom d’Auto BLDG), Pescoran épingle une série de petites pièces nouées de cette œuvre. Elle les entoure ensuite de croquis stylisés du corps féminin, sa ligne aussi filandreuse que son fil. Ce n’est pas un hasard si elle compare la fragilité des textiles perdus à celle du corps : elle a souffert pendant des années d’une mystérieuse maladie cutanée qui a finalement été diagnostiquée comme une forme rare de cancer et traitée avec succès par chimiothérapie. Après des années de traitement médical, elle épingle son œuvre aux murs avec de nombreuses aiguilles longues et pointues.

Ce lieu de Sterling Road est le deuxième plus grand après celui de Lisgar Street et contient plusieurs autres exemples puissants de travaux textiles, notamment une pièce récemment commandée par la tisserande expérimentale guatémaltèque Angelica Serech qui pend comme un grand rideau dans l’espace.

Les textiles constituent la collection la plus fragile de tous les musées, mais la nourriture est encore plus éphémère. Ce regroupement comprend également Bibliothèque de pain platun projet intelligent de l’artiste torontois Sameer Farooq qui a étudié toutes les formes de pain plat – du pita au barbari et de la fougasse au naan – après avoir remarqué l’importance du four tandoor lors d’un voyage au Pakistan natal de son père. Il a trouvé des exemples de tous les pains plats pouvant être achetés à Toronto et les rassemble dans une installation sculpturale, témoignage des nombreuses diasporas de la ville.

C’est l’une des rares pièces de l’exposition qui s’adresse directement à Toronto ; une autre est une suite de photographies à grande échelle d’un quartier chinois en pleine évolution, prises par Morris Lum et exposées à la gare Union et à l’aéroport Pearson.

Même si environ un cinquième des artistes biennaux viennent de Toronto, la ville elle-même semble souvent éclipsée par des cultures artistiques plus exotiques ou à succès dans des exercices comme celui-ci. Il y a une certaine pénurie – ou peut-être une légère allergie à l’égard – d’anciens combattants fiables de Toronto qui pourraient donner du poids. À l’exception des panneaux photographiques de Sandra Brewster et des peintures audacieuses d’iconographie spirituelle africaine et caribéenne réalisées par l’influent artiste de Mississauga Winsom Winsom, peu d’artistes chevronnés de Toronto sont représentés ici. Si la place de Toronto semble précaire dans sa propre biennale, c’est en effet une joie de voir l’art de Farooq et Lum, une œuvre si fortement ancrée dans cette ville.

La Biennale d’art de Toronto se poursuit jusqu’au 1er décembre dans 11 lieux concentrés au centre-ville et dans l’ouest. La plupart sont en entrée gratuite.