Pourquoi ces quatre prétendants aux Oscars choisissent la voie musicale

(Jorge Arévalo / Pour le temps)

Au cours de la dernière année, les départements marketing des studios ont apparemment fait de grands efforts pour cacher les éléments musicaux de leurs films (nous vous regardons, « Mean Girls » et « Wonka »). Il est donc plutôt rafraîchissant que quatre nouveaux et fiers ajouts au genre soient sur le point de laisser leur marque cette saison de récompenses. Michael Gracey, qui a dirigé la merveille du bouche-à-oreille « The Greatest Showman », comprend l’attrait continu des comédies musicales pour les cinéastes.

«Je dis toujours qu’il faut chanter quand les mots ne suffisent plus», dit Gracey. « Vous voulez que la scène vous amène émotionnellement à un point culminant. Et quand vous ne pouvez pas exprimer cette joie ou cette euphorie d’une autre manière, vous vous mettez à chanter. La même chose est vraie dans l’autre sens. Vous descendez au plus profond du désespoir, et dans ce moment de douleur et ce moment d’angoisse, chanter est le seul moyen d’exprimer ce que vous ressentez.

Le réalisateur australien s’affirme comme un véritable maître du numéro musical avec son dernier projet, « Better Man ». Centré sur la vie de Robbie Williams, le film diffère de la plupart des biopics récents car la pop star mondiale est représentée par capture de mouvement CG sous la forme d’un singe. C’est un choix créatif audacieux qui élève le récit, mais ce n’était même pas l’aspect le plus difficile de la réalisation du film. Cela s’est produit lorsque la reine Elizabeth II est décédée alors que le tournage était sur le point de commencer ce qui s’est avéré être un numéro incroyable qui se déroulait sur Regent Street à Londres.

« Nous avons dû trouver de l’argent frais pour investir dans ce numéro musical parce que nous devions attendre les funérailles », explique Gracey. « Il nous a fallu encore cinq mois avant de retourner dans cette rue. Et bien sûr, il y a ceux qui disaient : « Coupez-le, vous n’en avez pas besoin ». Et vous dites : « Non, non, non. Vous ne comprenez pas. Mais c’est le cas de tous les réalisateurs, n’est-ce pas ? Chaque réalisateur pense que chacune de ses séquences est la séquence décisive du film.

Pour Jacques Audiard, son succès pour la lauréate cannoise « Emilia Pérez » a été la première scène du film. Dans ce numéro, « El Alegato », Rita, interprétée par Zoe Saldaña, se met à chanter alors qu’elle se promène dans les rues de Mexico. S’exprimant par l’intermédiaire d’un interprète, le célèbre auteur français, qui n’avait jamais tourné de comédie musicale, admet : « Bien sûr, j’étais nerveux.

« Si j’ai le choix, j’aime commencer mes tournages par la scène la plus compliquée », explique Audiard. « Donc, commencer par cette scène de marché était pour nous un moyen de savoir où nous en étions. Et le tournage dans ce sens-là nous a informé même au niveau du ton, de la lumière, il y avait quelque chose de très important à mettre en place, c’est que tout le début du film se fait de nuit.

Audiard joue avec la forme cinématographique en extrayant souvent ses personnages du monde réel au milieu d’une chanson. C’est remarquable dans « Bienvenida », mettant en vedette Jessi, interprétée par Selena Gomez. Audiard explique : « Il y avait deux niveaux de réalité. Il y a Jessi dans sa chambre, et puis, tout d’un coup, nous partons ailleurs. Le nom que nous avions entre nous pour cette séquence était Dark Ideas, c’est-à-dire Jessi’s Dark Ideas. Vous faites parler cette fille, et tout à coup, elle entre dans son subconscient, et son subconscient est sauvage et furieux.

Joshua Oppenheimer, nominé aux Oscars pour ses documentaires « The Act of Killing » et « The Look of Silence », a fait le choix inhabituel de faire de son premier long métrage narratif une comédie musicale originale. Situé dans un monde post-apocalyptique où une famille riche survit dans un bunker caché, « The End » voit ses personnages exprimer leurs sentiments intérieurs à travers des chansons. Mais Oppenheimer a fait des choix précis. Contrairement à « Better Man » ou « Emilia Pérez », il n’y a pas de danseurs de secours ni d’effets visuels dans le contexte des scènes. Des acteurs tels que Tilda Swinton et George McKay portent eux-mêmes ces chiffres.

«Je savais que j’allais éviter le genre de coupe rapide post-MTV [aesthetic]. J’allais retourner à l’âge d’or des prises de vue plus longues », explique Oppenheimer. « Les chansons sont essentiellement en prises uniques, à moins qu’il y ait un changement de lieu que je n’avais pas prévu. Même si ce n’est pas encore de la danse, c’est quand même chorégraphié car il y a un rythme musical dans tout ce qui se passe.

Une grande partie de la chorégraphie a été imaginée sur le plateau, souvent dans une véritable mine de sel. Pour l’un des personnages majeurs de McKay, un homme en forme de manche à air gonflable que l’on pourrait voir faire la promotion d’une entreprise au bord d’une autoroute était une inspiration inattendue.

« Ils s’effondrent soudainement, puis gonflent et s’effondrent soudainement – c’était en quelque sorte la base de la chorégraphie », se souvient Oppenheimer. « Nous avons ensuite chronométré ces effondrements ou ces déflations aux moments où la vérité fait éclater la bulle du fils, qui sont des moments de prise de conscience. C’est la prise de conscience que tout ce qu’il a appris de ses parents est un mensonge.

Contrairement à ses pairs, Jon M. Chu a dû relever un défi bien différent. Son travail consistait à adapter la comédie musicale bien-aimée de Broadway « Wicked » au grand écran. Mais comme il le note, quand vous avez une chanson emblématique comme « Defying Gravity » sur laquelle travailler, c’est « le plus beau cadeau qu’un cinéaste puisse avoir ».

Chu dit : « Vous avez « Defying Gravity » en guise de rapprochement, du genre « Génial, cool ». Mais d’une manière étrange, avoir la portée du vol et l’intimité des mots quand on le fait comme un film est si précaire parce qu’on fait le mauvais [choice] et vous perdez le pouvoir de la chanson.

De plus, en tant que fan de la production originale, Chu ne voulait pas perdre trop de ces moments « bibliques » essentiels. Là encore, il reconnaît : « Parfois, je pensais que c’était la Bible, et puis nous nous disions : « En fait, cela n’a pas d’importance. Allons-y avec ce que nous ressentons ici en ce moment.