chaque album classé par ordre de grandeur
Huzzah ! Les Cure sont de retour. Eh bien, ils ne l’ont jamais fait vraiment été absents – ils ont fait une tournée marathon goth-rock spectaculaire sans relâche étant donné qu’ils n’ont pas sorti d’album depuis ‘4:13 Dream’ en 2008… jusqu’à maintenant.
« Songs Of A Lost World », sorti le 1er novembre, est enfin arrivé ; un album chargé de questions existentielles et magnifiquement tourné vers le passé ; et aussi une belle occasion pour nous de revenir sur toute la discographie de Robert Smith and co.
Vous pouvez comprendre pourquoi The Cure est goudronné avec ce pinceau sombre plus noir que noir, mais il y a tellement de lumière, de vie et de joie dans leur musique qui s’étend des hauteurs les plus vertigineuses de la pop jusqu’au plus sombre des ténèbres. Parcourez leurs plus grands succès, la collection de faces B « Join The Dots », et surtout les compilations de remix sous-estimées « Mixed Up » et « Torn Down » pour vraiment avoir un avant-goût de leur polyvalence. Mais pour vous guider sur le chemin long et sinueux de leur riche catalogue, voici chaque album de The Cure – classé du pire au meilleur.
Mots: Andrew Trendell et Huw Baines
14
« Sautes d’humeur sauvages » (1996)
Il ne faut jamais dire que The Cure n’est pas un rire, et ils ont certainement essayé de peindre un sourire au rouge à lèvres avec « Wild Mood Swings » – un album digne de son nom. Les choses étaient un peu floues pour The Cure en 1996. Smith a un jour plaisanté en disant que le groupe avait un batteur différent chaque semaine, au point qu’il en oubliait qui était derrière le kit. Le résultat est un désordre chaud et décousu, alors que le pendule oscille entre les genres et les ambiances en passant par le jazz, la pop, le psych et quelques saveurs tropicales. C’était une danse assez déroutante vers la fin du siècle. Une réinitialisation était nécessaire. (À)
Il y a une différence entre quelque chose de difficile et ce qui est une corvée. Réalisé avec Ross Robinson, dont les méthodes extrêmes lors de la création des premiers disques de KoRn ont produit les plans noueux du nu-metal, « The Cure » est abrasif et aventureux sur le plan de la texture, mais ne pose pas beaucoup de coups mélodiques. En fait, cela ressemble à beaucoup d’accumulation et pas beaucoup de libération. Certains d’entre eux sont plutôt épouvantables – voir le « Labyrinthe » en spirale et crasseux – mais cela ne va pas assez loin. Malgré la promesse présente dans sa rencontre d’esprit, il n’y a rien ici pour égaler la puissance de The Cure laissé à eux-mêmes en tant qu’enfants. (HB)
12
« 4:13 Rêve » (2008)
Ah, la grosse virgule avant la plus lourde des pauses. Le dernier album de Cure depuis 16 ans semblait certainement être le dernier, au cours de cette décennie de taquineries tantriques avant qu’on nous promette le LP de retour « Songs Of A Lost World », et il tient largement le coup. De l’amour vertigineux de ‘The Only One’ à la noirceur crispante de ‘Sleep When I’m Dead’ (ce dernier remontant à ‘The Head On The Door’), ‘4:13 Dream’ reste un pur album de Cure. Ce n’est pas le pic Smith, mais cela a certainement suffi à nous donner envie de plus. (À)
Une vraie curiosité. Composé et enregistré alors que Smith faisait double emploi avec Siouxsie And The Banshees, « The Top » a une présence espiègle et ludique qui ne ressemble à rien d’autre dans le catalogue de Cure. Découvrant une veine de psychédélisme dans son écriture, Smith l’a utilisé pour façonner à la fois le sophisti-pop palpitant de « The Caterpillar » et le squelch étrangement nauséabond de « Dressing Up », qui semble tout à fait contemporain même maintenant. Restez pour le bruit sourd et mécanisé de « Shake Dog Shake », partez avant que « The Empty World » ne vous dise à quoi ressemblerait « Stop The Cavalry » de Jona Lewie s’il avait été aspiré à l’envers. (HB)
10
« Fleurs de sang » (2000)
Connu comme le troisième du sombre triptyque de The Cure aux côtés de « Pornography » et « Disintegration » (les trois disques étant ensuite rassemblés pour l’album live « Trilogy » de 2003), « Bloodflowers » est « thématiquement lié » à ces albums incontournables de Cure. , selon Smith, en étant introspectif, personnel, assez lourd et vraiment bon. C’est loin d’être un pastiche goth-pop des années 80, remarquez. Voici un groupe qui utilise son talent pour le post-punk grand écran, torride et à cœur ouvert pour les implanter dans le 21e siècle, tissant cette toile d’araignée pour que des groupes comme Interpol, The xx, Foals et bien d’autres puissent y grimper. (À)
Assemblé à une époque où The Cure était l’un des plus grands groupes du monde et (temporairement) éloigné de la menace imminente d’implosion, « Wish » pose une question complexe : est-il suffisant que les chansons soient bonnes ? Pour la plupart des groupes, la réponse serait : bien sûr. For The Cure après « Désintégration » ? Peut-être pas. Il s’agit d’un disque magnifiquement rendu et interprété avec art, tout à fait adapté pour remplir les énormes dômes qu’ils ont appris à jouer, mais, en conséquence, il lui manque le danger, les émotions déchirantes de leur meilleur travail. Ici, The Cure est tombé à un niveau de performance que la plupart des groupes ne pouvaient espérer atteindre. (HB)
8
« Dix-sept secondes » (1980)
Influencé par le premier et bref passage de Smith avec Siouxsie And The Banshees et par l’introduction du bassiste Simon Gallup, dont l’approche offrait une puissante combinaison de sensations et de musculature, une grande partie de « Seventeen Seconds » est une profonde déception sur laquelle vous pouvez toujours danser. Mais, s’éloignant des sons plus saccadés de leurs débuts, c’est aussi la première véritable incursion de The Cure dans la manipulation du son et de l’atmosphère, conduisant au saut « Play For Today » partageant l’espace avec l’instrumental morose « Three ». Arrivant moins d’un an après « Three Imaginary Boys », il s’agissait d’une étape d’évolution vitale que de nombreux groupes auraient eu besoin de beaucoup plus de temps pour franchir. (HB)
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7
« Trois garçons imaginaires » (1979)
Bien avant le rouge à lèvres, les cheveux épais et le théâtre de Tim Burton, The Cure est apparu comme le trio power-pop décousu composé de Smith, du bassiste Michael Dempsey et du batteur Lol Tolhurst. Vous pouvez entendre leurs premières influences punk de The Clash et Buzzcocks sur la nouvelle vague formatrice de ‘Accuracy’, ‘Grinding Halt’ et ‘So What’ et c’est suffisant pour envoyer The Jam courir vers le tube le plus proche pour se couvrir (malheureux pour Paul Weller , il est, euh, pas fan…). Mais voyez au-delà des aspérités de leur reprise de « Foxy Lady » par Jimi Hendrix, et parmi les joyaux de « 10:15 Saturday Night » et de la chanson titre se trouve le groupe qui continuerait à écraser magistralement la pop avec une mélancolie pas comme les autres. . C’est toujours un début fou et une écoute vraiment agréable. (À)
« Faith » est un disque écrit par quelqu’un qui se demande : « Qu’est-ce que tout cela signifie ? et « A quoi ça sert? » sont la même question. Le troisième album du groupe a vu Smith et ses camarades réfléchir à la mort et au désespoir existentiel qui accompagne le point de basculement de l’entrée dans la vingtaine. C’est une œuvre sombre et impitoyable qui, une fois que vous écoutez son faible bourdonnement de désespoir, est aussi souvent belle, des synthés méditatifs de « All Cats Are Grey » aux affres finales suppliantes de « The Holy Hour ». Il est intéressant de se demander dans quelle mesure la pochette – plus grise – a eu une influence sur la définition des attentes en matière d’expérience d’écoute vraiment oppressante. (HB)
5
« Embrasse-moi, embrasse-moi, embrasse-moi » (1987)
Un truc facile avec lequel battre les doubles albums est qu’ils passent trop de temps à colorier en dehors des lignes, mais sur « Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me », c’est tout l’intérêt. Reflétant une approche inhabituellement collaborative de l’écriture, avec Smith reprenant les idées de démo de ses camarades du groupe, vous trouverez ici du post-punk glacial, de la pop acoustique chantante et du rock indie rapide côtoyant des collages sonores inquiétants. Le vrai plaisir, c’est de se perdre au milieu de tout cela, d’errer entre les extrêmes de l’attaque de panique à cordes de « Icing Sugar » et la power-pop à l’estomac de papillon de « Just Like Heaven », qui est aussi parfaite aujourd’hui qu’elle. c’était il y a presque 40 ans. (HB)
4
« Chansons d’un monde perdu » (2024)
Celui que vous attendiez tous est enfin là. Après 16 années de préparation atroces, « Songs Of A Lost World » a été façonné par Smith faisant le point sur la vie et l’amour après avoir perdu son père, sa mère et son frère en succession rapide. Le résultat est sans doute son disque le plus personnel à ce jour, un disque qui plonge dans plus de 40 ans d’existence du groupe pour créer une œuvre d’une réelle profondeur émotionnelle ; tout un univers sonore, mais qui ne peut être que le leur. Vous pouvez leur pardonner d’avoir pris leur temps sur ce sujet, car cela semble si soigneusement étudié et aussi complet que vous pourriez l’espérer. Comme NME a récemment conclu : « La mortalité peut menacer, mais il y a de la couleur dans le noir et des fleurs sur la tombe. » (À)
3
« La tête sur la porte » (1985)
The Cure dans sa forme la plus poptastique, « The Head On The Door » devrait être accompagné d’un avertissement du gouvernement pour son butin de véritables bangers. Sortant de l’obscurité de leur travail précédent, le sixième album du groupe ouvre les rideaux pour laisser entrer le soleil d’hiver et illuminer la boule scintillante. Il y a encore des traces de leur menace dans des titres comme « Kyoto Song », « A Night Like This » et « Sinking », mais ce sont des titres comme « In Between Days », « Close To Me », « Six Different Ways » et « Push » qui a montré de quoi ce groupe était capable lorsqu’il a sauté du cercueil et est monté sur la scène de l’arène. (À)
2
« Pornographie » (1982)
« Pornography » fait partie de ces disques qui restent sur votre poitrine, lourds et immobiles. Enregistré dans une spirale de drogue, de dépression et de désespoir, il est horrifiant à la fois musicalement et lyriquement, fusionnant une tristesse implacable avec une attitude proto-industrielle envers les synthés pour créer essentiellement du goth-rock. C’est difficile et sans compromis – voyez comment les mélodies de « One Hundred Years » sont submergées par le chant funèbre – tout en abattant les murs, suggérant à une génération de jeunes musiciens qu’ils n’avaient pas à freiner leurs pulsions les plus extrêmes. Cela reste une œuvre d’art singulière qui n’offre pas de solution de facilité : vous regarderez le vide et vous l’aimerez. (HB)
1
« Désintégration » (1989)
Ne nous moquons pas des albums de niveau divin. Après le duo pure pop de « The Head On The Door » dans « Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me », The Cure était devenu une icône des années 80 et un pilier de MTV. Même David Bowie a admis qu’il avait été mordu par le virus et qu’il avait fait appel à Phil Collins pour produire le fromage et récolter de l’argent à l’époque, mais The Cure a terminé cette décennie avec un album qui défie l’époque mais définit l’identité.
De la pure grâce douloureuse de l’ouverture « Plainsong » (la meilleure chanson de Cure selon cet auteur – venez me combattre, nerds gothiques), en passant par la romance inversée de « Lovesong », le spectacle d’horreur frémissant de « Fascination Street » et le cauchemar opulent de « The Same Deep Nightmare As As You », « Disintegration » renverse la pop et la mélange avec des paysages sonores post-rock pour peindre l’amour et la vie sous une forme entièrement tridimensionnelle ; un câlin chaleureux du froid.
Et allez : « Photos de vous » ? ‘Berceuse’? « Prières pour la pluie » ? Cela fonctionne comme un album « best of ». C’est l’essence douce-amère et la personnalité stellaire du groupe mises en bouteille dans une dose de 72 minutes. Ce n’est pas seulement le meilleur album de The Cure, mais aussi un sérieux prétendant à l’un des meilleurs albums de tous les temps. Impeccable et intemporel. (À)
