La rétrospective René Magritte à l’Art Gallery of NSW
Le vêtement de l’aventure. Le démon de la perversité. Une fin à la contemplation. Le chant de la tempête. La plaine des airs. Un rare vieux Picasso vintage. Le goût des larmes. La lampe philosophique. C’est un morceau de fromage.
Faut-il visiter l’exposition Magritte à la Art Gallery of New South Wales (AGNSW), vous aurez droit à une poésie de titres de peintures autant qu’à un monde d’étranges merveilles visuelles. Allant de ludique et spirituel à triste et insaisissable, les titres capturent la profondeur, la résonance émotionnelle et la rigueur intellectuelle que l’artiste surréaliste belge René Magritte (1898-1967) a employées tout au long de sa carrière de quatre décennies.
Avec humour, Magritte utilise des illusions, des jeux de mots visuels et une peinture volontairement traditionnelle pour explorer nos relations entre réalité et représentation, entre image et langage. Il se décrit lui-même comme un « peintre d’idées ».
Même si vous ne connaissez peut-être pas les noms des tableaux de Magritte, ils vous seront probablement familiers. Pensez à une pomme géante écrasée entre quatre murs (La salle d’écoute – La chambre d’écoute1952), des centaines d’hommes portant des chapeaux melon flottant comme des gouttes de pluie au-dessus des toits d’une ville (Golconde – Golconde1953) ou un œil rempli d’un ciel bleu nuageux (Le faux miroir – Le faux miroir1929). Ou, peut-être le plus célèbre, une pipe accompagnée des mots « Ceci n’est pas une pipe » ou « Ceci n’est pas une pipe » (La trahison des images – La Trahison des Images1929).
Le travail de Magritte est familier car ses peintures et son langage visuel saisissant ont influencé de manière indélébile la culture du XXe siècle à nos jours. Du pop art à Beyoncé, de l’industrie publicitaire à Les Simpsondes domaines de la sémiotique et de la philosophie à l’histoire d’amour à succès de John Green sur le passage à l’âge adulte, La faute dans nos étoilesMagritte a infiltré, influencé et été référencé par d’innombrables penseurs, artistes et mouvements.
Étrangement, Magritte en tant que personnage est resté quelque peu obscur. Il est beaucoup moins connu que nombre de ses contemporains surréalistes, comme Salvador Dalí ou Max Ernst. « Malgré la renommée des peintures individuelles de Magritte », reflète Michael Brand, directeur de l’AGNSW, « l’évolution et le développement complets de la pratique de Magritte ne sont pas très connus. »
En organisant la première rétrospective à grande échelle de Magritte présentée en Australie, l’AGNSW cherche à combler cette lacune dans nos connaissances surréalistes. L’exposition, en préparation depuis 2018, y parvient grâce à une approche chronologique qui divise la carrière de Magritte en six chapitres distincts. Il retrace l’évolution des idées du surréaliste au fil des décennies tout en mettant en valeur sa fascination permanente pour certains motifs tels que les chapeaux melons, les pipes et les rideaux.
Si les grands noms de l’œuvre de Magritte sont merveilleux à voir de près, l’exposition devient particulièrement intéressante dans la manière dont elle met en avant certaines des œuvres les moins connues de l’artiste. Cela commence par exemple par un autoportrait cubiste de 1923 plutôt que par une de ses célèbres œuvres surréalistes. Cette décision curatoriale inhabituelle constitue un point de départ à partir duquel les développements des idées de Magritte sont contextualisés. Cette réflexion sur la façon dont les images sont disposées dans l’espace et, par conséquent, sur la façon dont le public interagit avec elles, reflète agréablement l’intérêt de Magritte pour la façon dont nous lisons les images, les utilisant pour donner un sens au monde qui nous entoure.
Une autre histoire inattendue et fascinante qui émerge est celle qui se cache derrière les titres. Une fois que Magritte avait terminé une œuvre d’art, il invitait ses amis – dont beaucoup étaient poètes, écrivains et philosophes – à proposer leurs titres. L’exposition rend hommage aux résultats réjouissants de cette approche inhabituelle, chacune des six sections portant le nom emprunté à l’un de ses tableaux. Selon Nicholas Chambers, conservateur principal de l’art international moderne et contemporain à l’AGNSW, Magritte a décrit ce processus comme « l’invitation de ses amis à trouver les titres ». Autrement dit, rechercher, contempler et interpréter le sens d’une œuvre d’art.
En parcourant les 120 œuvres exposées, dont 80 peintures, le visiteur devient également un acteur actif de cette quête de sens. Cette tâche n’est pas simple. Magritte s’est activement opposé à la fixation de lectures spécifiques de ses œuvres. Interrogé sur leur signification, il a répondu de manière célèbre et insaisissable : « Le mystère est le thème suprême. »
L’exposition dévoile habilement une partie de ce mystère en révélant des couches d’histoire et de contexte. L’une des sections les plus marquantes, par exemple, se concentre sur le travail de Magritte dans les années 1940 et explore la manière dont le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale a affecté sa pratique.
Cette période de violence et de bouleversements sociaux a conduit Magritte à remettre en question la pertinence des aspirations avant-gardistes et révolutionnaires originelles du surréalisme, qu’il croyait avoir échoué. Au lieu de poursuivre la tradition surréaliste consistant à peindre des visions sombres pour explorer l’inconscient, Magritte s’est tourné vers l’humour et le bonheur, développant une nouvelle approche saisissante qui instrumentalise l’humour à des fins politiques, philosophiques et artistiques, qu’il a baptisée « le surréalisme ensoleillé ».
Celui-ci se caractérise par un style impressionniste avec des coups de pinceau visibles, une rupture nette avec son travail précédent, signalé dans l’exposition par des murs rose poussiéreux qui contrastent fortement avec le gris des autres espaces de la galerie. Les scènes peintes par Magritte ne tiennent pas compte de la recherche impressionniste de rendre une véritable représentation du monde et de son atmosphère dans les peintures à l’huile. Au lieu de cela, Magritte a appliqué ce style à des sujets bizarres et souvent troublants.
Sur l’une des toiles de cette section, un cochon à l’allure impertinente portant un blazer regarde par-dessus son épaule, établissant un contact visuel avec le spectateur. Le cochon se dresse sur fond de cimetière peint avec des pinceaux à la Renoir ou à la Van Gogh. Titré Un coup de chance (La bonne fortune) et peinte en 1945, l’œuvre est profondément troublante. Est-ce un commentaire sur la folie de l’époque que vit Magritte ? Ou s’agit-il simplement d’une plaisanterie, d’une itération de ce que Magritte appelait « PLAISIR-HUMOUR » ? Peut-être que c’est les deux. Peut-être ni l’un ni l’autre. C’est un mystère ouvert à l’interprétation qui semble d’une manière troublante et prémonitoire pour le monde tumultueux et désorientant dans lequel nous nous trouvons aujourd’hui.
Ce sentiment de prescience s’accroît au fur et à mesure que l’exposition avance. Les peintures deviennent également plus grandes à mesure que Magritte a davantage accès aux matériaux après la guerre et développe un intérêt pour le cinéma. L’idée selon laquelle les choses ont simultanément de nombreuses significations, souvent contradictoires, est explorée plus en détail à mesure que Magritte revient à son style de peinture délibérément traditionnel. L’horreur cohabite avec l’humour. Joie avec chagrin. Amusement avec dégoût.
La domination de la lumière (L’empire des Lumières) 1954, par exemple, montre une scène divisée en deux. Dans la moitié supérieure de l’image se trouve l’un des ciels bleus nuageux emblématiques de Magritte. La moitié inférieure représente un quartier sombre au bord d’un canal, éclairé uniquement par un lampadaire. Au premier regard, le tableau semble capturer l’éclat du crépuscule où la lumière du jour et la nuit s’entrelacent brièvement. En y regardant de plus près, on commence à comprendre que les lumières ne s’additionnent pas : midi et minuit cohabitent sur la toile. Clair et sombre. Le tableau est obsédant et solitaire. C’est aussi très beau. Cette scène semble aussi avoir hanté ou fasciné Magritte – ou peut-être les deux ? Il en peint 27 variations sur une période de cinq ans.
Dans notre monde riche en images, où les images et la réalité se confondent constamment, Magritte enseigne l’importance d’une réflexion critique et approfondie sur ce que nous voyons. Prendre des images avec des pincettes mais aussi s’engager avec elles. Jouer avec eux et trouver de la joie, de l’humour, de l’horreur et de l’étrangeté. S’attaquer aux significations potentielles d’une image, puis revisiter ces images encore et encore.
On imagine que La domination de la lumière pourrait avoir des milliers d’autres noms, dont chacun témoignerait des subtiles différences de compréhension de chaque spectateur. Le crépuscule de la désorientation, La panne d’électricité à l’heure du déjeuner et Variations sur la certitude sont quelques-uns qui me viennent à l’esprit. Dans l’œuvre de Magritte, il y a toujours une impression de plus de possibilités.
Magritte est exposé à la Art Gallery of New South Wales, Sydney, jusqu’au 9 février.
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Cet article a été publié pour la première fois dans l’édition imprimée de Le journal du samedi le 2 novembre 2024 sous le titre « La poésie des images ».
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