5 artistes sur notre radar en novembre 2024

« Artistes sur notre radar » est une série mensuelle axée sur cinq artistes qui retiennent notre attention. En utilisant notre expertise artistique et nos données Artsy, nous avons déterminé quels artistes ont eu un impact le mois dernier grâce à de nouvelles représentations dans des galeries, des expositions, des ventes aux enchères, des foires d’art ou de nouvelles œuvres sur Artsy.

Matias Armendaris : B. 1990, Équateur. Vit et travaille à Mexico.

Hanya Beliá : B. 1994, Mexique. Vit et travaille à Mexico.

Des formes longues et grêles, comme des vrilles ou des tentacules, s’étendent à travers la pratique expérimentale et diversifiée du duo d’artistes ASMA, dont le travail englobe la peinture, la sculpture et le design. Ces enchevêtrements donnent naissance à des objets et des toiles complexes, souvent séduisants et légèrement surréalistes. Voir, par exemple, deux œuvres qu’ils ont exposées à Paris Internationale le mois dernier avec leur galerie représentative, House of Gaga : une nature morte en sourdine enfermée dans une cage en treillis métallique ; et la forme déformée et plaquée argent d’un pistolet verrouillé sur un vase contenant une seule tige.

ASMA est composée de Matias Armendaris et Hanya Beliá, qui se sont rencontrés à Mexico et ont commencé à collaborer de manière créative tout en complétant leur MFA à la School of the Art Institute of Chicago. Leur partenariat repose sur un engagement commun à utiliser les matériaux de manière inattendue, comme « peindre » avec du silicone ou sculpter avec de la laine d’acier.

Le duo a marqué une étape majeure cet automne avec l’ouverture de leur première exposition institutionnelle aux États-Unis : « Ideal Space for Music », à voir au SculptureCenter de New York jusqu’au 3 février 2025. Ils ont déjà eu des expositions personnelles dans des galeries telles que PEANA. à Mexico, Everyday Gallery à Anvers et Pangée à Montréal.

—Olivia Corne

B. 1987, Londres. Vit et travaille à Londres.

Dans « Target », une nouvelle exposition des œuvres de Patrick H Jones chez Duarte Sequeira à Braga, au Portugal, des troupeaux de chevaux de course se précipitent vers la ligne d’arrivée. Les chevaux se mélangent en d’épaisses couches de peinture, oscillant à la limite de l’abstraction alors que chaque tableau se fond dans le suivant pour créer une séquence onirique.

Ici, comme dans les œuvres précédentes de l’artiste londonien, les animaux agissent comme des symboles de l’émotion humaine. Ils apparaissent dans des scènes floues et des formations chaotiques, suggérant la turbulence et la férocité qui nous habitent. Cependant, dans cette nouvelle œuvre, l’artiste applique des nuances saisissantes de peinture à l’huile rouge et verte sur une palette sourde. Cette luminosité marque une rupture avec ses œuvres antérieures, caractérisées par des teintes plus sombres.

Jones a étudié à l’école d’art alternative Turps Banana à Londres. Son travail a été exposé à Londres et à l’étranger dans le cadre d’expositions individuelles et collectives chez Flowers, Timothy Taylor, Linseed Projects, la Galerie PCP, la South London Gallery et The Sunday Painter, ce dernier le représentant.

—Adéola Gay

B. 1986, Medellín, Colombie. Vit et travaille à Berlin.

Daniel Correa Mejía utilise une palette cohérente d’azur profond et de pourpre vif dans ses peintures de rêve. Sur du tissu de jute brut, l’artiste représente des corps humains fluides dans des décors sombres et vides, utilisant souvent ses sujets pour remplacer des émotions spécifiques. Par exemple, dans Le duel (2023) – présenté dans « Soy el dueño de mi casa », son exposition personnelle au PPOW l’année dernière – une silhouette rouge contemplative, les jambes tordues comme un tire-bouchon, plane comme dans le ciel. Le titre, qui signifie « le deuil » en espagnol, éclaire le symbolisme du tableau : les bords du personnage sont flous, comme s’il se désintégrait, représentant la perte spirituelle de soi qui peut accompagner le chagrin.

De nombreuses œuvres de Mejía représentent également des corps queer dans des décors intimes, recroquevillés nus au repos ou plongés dans une communion sexuelle. Ces couples semblent indifférents au regard du spectateur, créant leur propre univers d’amour privé.

PPOW a récemment ajouté l’artiste à sa liste et présentera son travail à Art SG en janvier. Son travail est visible jusqu’au 7 décembre dans une exposition personnelle au Mor Charpentier à Bogotá, faisant suite à une exposition personnelle avec Maureen Paley à Londres cet été. Il a également participé à des expositions collectives à la Galerie Judin à Berlin et au Museum More aux Pays-Bas cette année.

—Josie Thaddeus-Johns

B. 1982, Téhéran. Vit et travaille à Paris.

Des étrangers se réunissent dans des scènes de connexion tranquille – dansant, épluchant des fruits, jouant aux cartes, se reposant sur les flancs des collines – dans les tableaux oniriques de Nastaran Shahbazi. Son travail, qui contient des échos de l’imagerie impressionniste et de la palette de couleurs expressive des Fauves, a fait l’objet d’un pop-up organisé par The Hole lors d’Art Basel Paris le mois dernier. Une œuvre remarquable, Cyprès de toi (2024), utilise des nuances vibrantes de bleu, de vert et de violet pour représenter des couples attablés dans un café et un paysage vallonné et sombre, faisant un clin d’œil aux sujets préférés de maîtres comme Renoir et Pissarro.

Originaire de Téhéran, où elle a obtenu un diplôme en graphisme à l’Université Azad, Shahbazi a déménagé à Paris pour étudier la gravure et s’est ensuite tournée vers la peinture à l’huile. Après avoir passé trois ans à Hong Kong, elle est revenue à Paris, son domicile actuel. L’artiste superpose souvent des souvenirs de sa vie et voyage dans ses références historiques de l’art, ce qui donne lieu à une œuvre nostalgique et sentimentale.

L’exposition éphémère « Open Studio » de The Hole pour Shahbazi a suivi « Wild Roses », son exposition personnelle à la galerie de New York plus tôt cette année. Son travail a récemment été présenté dans une autre exposition personnelle à Scroll à New York et dans une exposition collective à la Ojiri Gallery de Londres.

—Maxwell Rabb

B. 1987, New York. Vit et travaille à New York.

La photographie de Daniel Terna allie expérience personnelle et récits historiques, documentant des moments culturels cruciaux aux côtés de scènes intimes et apparemment banales. Sa dernière exposition, « The Terrain », est présentée à la galerie Tribeca Jack Barrett jusqu’au 14 décembre. L’exposition personnelle présente des photographies des sept dernières années, couvrant des événements politiques tels que l’investiture présidentielle américaine de 2017, la Marche des femmes, la grève mondiale pour le climat et les récentes manifestations pro-palestiniennes, ainsi que des observations discrètes du quotidien de Terna. -jour. Son approche est marquée par un objectif impartial et observateur, permettant aux sujets d’apparaître dans leur propre élément.

Certaines de ces œuvres rappellent les ancêtres de l’artiste, contenant des échos des natures mortes poétiques de Wolfgang Tillmans et des portraits sans faille de Rineke Dijkstra, mais le travail de Terna est certainement distinctif. En tant que fils d’un survivant de l’Holocauste, il s’appuie sur sa propre histoire personnelle pour éclairer son travail, examinant souvent les traumatismes héréditaires et les antécédents familiaux. Par exemple, la photographie Monastère (2023-2024) – une image d’une couette moelleuse d’un blanc éclatant baignée de lumière naturelle – a été prise à l’abbaye Saint-Ottilien, un monastère bénédictin proche du site du camp de concentration de Dachau, où son père a été emprisonné. La scène paisible est transformée par son contexte, invoquant le poids de la mémoire et de la survie.