Revue de Vanessa Bell – la figure marginalisée de Bloomsbury révèle l’énergie du personnage principal | Vanessa Bell

Vanessa Bell m’a séduit. Elle n’a rien proposé de plus chic que des bouteilles et un bol, près d’une fenêtre qui donne sur les toits en terre cuite et les collines boisées. Le cadre de la fenêtre s’étend juste à l’intérieur du cadre du tableau, serrant la table et son contenu dans une bande étroite. Le gros flacon bleu est clair comme un ciel de Cornouailles en mai, la bouteille délicatement bouchée a la couleur d’une mer en plein été. Au-delà de la claustrophobie de la pièce se trouvent des bâtiments léchés de tous les riches roses rouges d’une roseraie.

Elle portait bien son nom, Bell. À son meilleur, ses couleurs sonnent avec clarté – se contrastant les unes contre les autres tout en restant distinctes. Elle s’y prélasse, mais les espaces qu’elle évoque sont vécus. Il ne s’agit pas d’une simple nature morte, mais d’un espace pour les corps, d’une maison. Malgré toute sa richesse tonale, les contraintes de l’espace intérieur délimitent également la position de Bell : une jeune mère, regardant par la fenêtre un monde dans lequel elle ne peut pas se déplacer librement.

Vanessa Bell est-elle l’artiste la plus célèbre dont vous connaissez à peine le travail ? Je ne peux imaginer que quelques tableaux – un autoportrait mélancolique sous un large chapeau de paille, un tendre premier croquis de sa sœur Virginia Woolf, un portrait sauvage et charnu de David « Bunny » Garnett, son visage rose et ses cheveux flamboyants. du travail agricole. Grâce à ses associations – avec le groupe Bloomsbury, les ateliers Omega, Charleston House – Bell est incontestablement un « nom », mais dont la vie menace toujours d’éclipser son art.

Bell semble condamnée à jouer un rôle de soutien dans l’histoire de sa propre vie – en tant qu’hôtesse, source d’inspiration, amante, mère. Son art est plus connu sous forme de fragments illustrant les histoires d’autres personnes : celle de Woolf, le partenaire de Bell, celle de Duncan Grant et celle de Roger Fry, l’ami (et parfois l’amant) avec qui elle et Grant dirigeaient les ateliers Omega. À peu près chronologiquement, A World of Form and Color est la plus grande exposition consacrée uniquement à Bell. Plus de 60 ans après sa mort, elle a enfin acquis l’énergie du personnage principal.

À travers le tumulte du début du XXe siècle, Bell s’ouvre au changement et à l’expérimentation. Ses premiers portraits impeccables ont la clarté fraîche de son tuteur, John Singer Sargent. En dehors de la toile, Bell était déjà un esprit indépendant, organisant un club progressiste du vendredi pour les artistes et les écrivains.

En 1910, Roger Fry organise la première de deux expositions londoniennes de peintres post-impressionnistes dont Cézanne, Gauguin, Matisse et Van Gogh. Le nouvel art provoqua à la fois le ridicule et l’indignation. Bell, déjà radicalisé, s’enthousiasme pour les possibilités picturales.

Son travail le plus dynamique et le plus énergique a eu lieu dans la décennie qui a suivi. Elle joue avec délice avec le pointillisme dans un portrait de Fry (peint selon ses propres termes « à la manière du léopard ») et expérimente le collage dans la surprenante Nature morte (Triple Alliance) de 1914. De grandes étendues de couleurs riches sont entrées dans ses peintures, à mesure que l’espace à l’intérieur devenait moins profond. Le rectangle d’une toile ou d’un carton était une zone de liberté qui contrastait avec les restrictions qui s’étendaient au-delà, même pour une femme riche comme Bell. Dans Nursery Tea (1912), elle dépeint la structure domestique qui lui permet de peindre : deux nourrices en tabliers impeccables s’occupant des enfants de Bell dans leurs chaises hautes.

Une plus grande liberté picturale arrive en 1913 grâce aux Ateliers Omega, pour lesquels Bell conçoit des tapis et des textiles. Se lancer dans les arts décoratifs « mineurs » était transgressif, mais cela ouvrait Bell aux motifs et à l’abstraction, au pouvoir de la ligne et de la couleur. Cette liberté infecte ses peintures – dans A Conversation (1913-16), trois femmes se dressent comme une montagne de pardessus sombres, leurs visages anguleux intensément inclinés l’un vers l’autre.

En 1916, Bell loua une ferme de Charleston dans le Sussex avec ses deux fils (une fille est née en 1918), Grant et son amant Garnett, tous deux objecteurs de conscience, dont les années de guerre furent consacrées au travail manuel. Bell et Grant ont invoqué la beauté à moindre coût – des couleurs et des motifs sur toutes les surfaces, des figures fantaisistes peintes sur les panneaux et les coffres. Sont inclus ici des portes et des paravents de Charleston lui-même, ainsi qu’un trio de portraits dans lesquels la maison joue autant le rôle d’un personnage que du modèle.

Historiquement, les femmes artistes ont été condamnées comme copistes plutôt que comme conductrices de l’innovation, et l’ouverture d’esprit de Bell à l’inspiration est considérée comme une preuve pour la condamner. L’étendue de son travail ici offre plutôt des moyens plus utiles par lesquels nous pourrions évaluer et célébrer Bell.

Son modernisme n’était pas seulement pictural. Il y a trois fabuleux nus masculins (un sujet radical pour une femme peintre) pour lesquels les modèles étaient les amants de Grant. Ses dernières œuvres se situent dans un monde peint de sa propre création : Nature morte avec un bol de néfliers (1953) montre des fruits qu’elle a fait pousser sur un dessus de table à motifs qu’elle a peint. Les artistes d’aujourd’hui aiment parler de « construction du monde » conceptuelle. Bell l’a vécu.