Le maître-peintre montant Móyòsóré « Móyò » Martins prend d’assaut l’Europe avec des expositions simultanées à Genève et Paris

Au moins 18 personnages masculins vêtus de chemises et de pantalons à rayures bleues et blanches occupent un triptyque massif, certains dans des positions puissantes, d’autres en détresse, et au moins deux têtes humaines ont été coupées avec des épées. Une tête de cheval coupée du panneau de gauche semble se réanimer, comme si elle avait été jetée dans la toile centrale. La tenue masculine est un hommage au maître-peintre autodidacte en pleine émergence. Móyòsóré « Móyò » Martins‘ grand-père et père, qui étaient des « voyants » et portaient des vêtements distincts afin de pouvoir être identifiés pour leur talent étrange.

Notre regard est instable et perpétuellement enchanté alors que nous naviguons dans la frénésie d’activité née de l’imagination de l’artiste multimédia basé à New York, élevé à Lagos, au Nigeria, par un père brésilien et une mère nigériane de l’État d’Ekiti. Le père même qu’il honore sous des figures ressemblant à celles de Dogan lui a interdit de se passionner pour l’art, et Móyò a étudié l’informatique au Ghana et en Côte d’Ivoire avant d’immigrer à New York en 2015.

« Mon œuvre est intentionnellement brute… Je superpose le fond puis je le déconstruis, ce qui donne une sensation d’usure sur la toile. Aucune peinture ne se ressemble car chacune contient des motifs symboliques et des messages cryptés cachés. Je veux fusionner la vision avec le monde donné et le nouveau dans lequel je vis maintenant. Le mot « Pourquoi ? » est visible dans une grande partie de son travail car cela vous amène à vous poser la même question », explique Móyò, comme l’appellent ceux qui apprécient la vraisemblance de son œuvre artistique et de sa pratique créative inimitables.

Ah ! Je (Triptyque) (2023-2024), une huile, un bâton d’huile, des pigments et du graphite sur toile qui mesure près de huit pieds de haut et 19½ pieds de large une fois étirée, souligne l’ampleur de la force créatrice de Móyò. L’œuvre monumentale que j’imagine comme pièce maîtresse d’une grande exposition muséale est un moment fort de la première exposition parisienne de Móyò, MÓYÒSÓRÈ MARTINS, vernissage le 16 octobre, à la veille de l’ouverture VIP de Paris+ pour Bâle, au 8 rue Chapon, au cœur du Marais. Présenté par TRAFICARTS avec le soutien généreux de ses partenaires d’affaires mari-femme Asher et Michelle Edelman, Jérôme Neutres et Aurore Blanc, est visible jusqu’au 15 novembre, mettant en valeur la découverte de soi et la connexion avec ceux qui l’entourent, après un retour à ses racines universitaires. au Ghana, en Afrique, à travers le Bras autour de l’enfant résidence d’artiste. L’organisme de bienfaisance offre « des foyers sûrs et aimants aux enfants vivant dans l’adversité ». Les œuvres créées lors de cette résidence sont présentées pour la première fois au public au salon parisien.

Une telle collaboration et un tel effort collectif pour amplifier un artiste émergent rapidement constituent une tendance positive rare vers un retour à une époque où les galeries contribuaient à construire et à faire progresser les carrières des artistes. Alors que les galeries continuent de fermer rapidement après leur lancement sans le meilleur intérêt des artistes qu’elles représentent ou exposent, il s’agit d’un changement sismique sur le marché qui n’a pas été observé depuis des décennies. De tels efforts constituent un marché de l’art véritablement mondial.

Plus de la moitié des œuvres exposées à Genève se sont vendues dans les deux premiers jours, a indiqué Michelle Edelman.

L’exposition se déroule parallèlement à la toute première exposition personnelle de Móyò à Genève, en Suisse. MÓYÒSÓRÈ MARTINS : À TRAVERS LA LUMIÈRE, ouvert le 11 septembre et est également visible jusqu’au 2 novembre au Olivier Varenne Art Moderne & Contemporain. L’obscurité indulgente de certaines œuvres de cette exposition illustre l’importance de la lumière, tant au sens pictural qu’au sens humain.

« Genève, c’est traverser la lumière et vivre ces défis et ces avancées », a déclaré Móyò. « Le défilé parisien suit cette période avec une nouvelle perspective et connaissant mon impact sur la vie des autres, c’est ce qui compte vraiment à ce stade de ma vie. Comme mon expérience d’être présent à l’école au Ghana pour ma résidence d’artiste – à ce moment précis. Voir les choses au-delà de moi-même et avoir maintenant la capacité d’évoluer vers quelque chose de plus grand ou de moindre.

Expliquant davantage le titre de ses débuts européens, Móyò a déclaré : « Il y aura toujours plus de travail à faire, car nous sommes des organismes vivants et nous continuons à grandir. Je traverse cette transformation vers la phase suivante. Je traverse la lumière.

Plus nous approfondissons le langage visuel de Móyò, plus nous réalisons qu’il ne peut et ne doit pas y avoir d’interprétation définitive d’une œuvre en particulier. Les motifs, symboles et iconographies répétés et autoréférentiels, ainsi que sa palette de couleurs incomparable, offrent des indices, mais c’est souvent ce qui est laissé de côté qui nous entraîne plus profondément dans son histoire. Les « non non non non non… » incessants griffonnés sur les panneaux de gauche et du centre suggèrent une résistance, mais les mêmes lignes jaunes utilisées dans sa police « non » évoluent en gribouillages, étendant le dialogue au spectateur. Comme pour d’autres œuvres colossales, Móyò laisse une toile brute, invitant le spectateur intérieur (sa toile, son esprit, son imagination, son passage à travers la lumière) à puiser dans la richesse des références et à faire progresser la conversation avec son spectateur.

Mon éternelle pop-girl des années 1980 couine de joie alors que je reste bouche bée devant l’explosion de néon qui caresse gestuellement intelligemment le centre focal de Enitan (2023), à découvrir au salon de Paris. Le prénom masculin Enitan signifie « personne qui raconte une histoire » dans la langue yoruba du sud-ouest du Nigeria. Móyò et ses sujets picturaux constituent un univers de personnages narratifs.

Bien qu’il y ait une répétition de l’iconographie et de l’anthologie des personnages et du symbolisme personnel de Móyò à travers la gamme de ses toiles expressionnistes, chacune est effrontément unique, évoquant sa propre polyphonie d’émotions. Cela approfondit la vérité essentielle de l’art : évoquer l’émotion est le moyen le plus efficace de rapprocher l’humanité de son objectif d’empathie.

Le travail de Móyò est peut-être « brut » dans le sens où le sens est ouvert pour exposer, disséquer et explorer une myriade de récits viscéraux nés de sa conversation interne. Même si Móyò évite toute influence extérieure, son récit personnel est tissé dans chaque toile richement superposée. Plus qu’un bâtiment de texture avec de la peinture et des images, l’histoire de Móyò évolue avec chaque toile, le transportant depuis son enfance en Afrique jusqu’à son studio de Mott Haven, dans le Bronx, à travers chaque trait méticuleux et chaque choix de couleurs singulier. Ne vous y trompez pas, son travail est complexe et le voir peindre permettra à quiconque de croire en son affirmation selon laquelle l’imagination alimente son processus créatif. J’ai été témoin de l’esprit de Móyò en feu dans son atelier, alors qu’il semble suspendre sans effort un pinceau loin de sa virole pendant qu’il exécute des coups de pinceau méticuleux, tandis que les poils sur le ventre du pinceau transmettent leur sagesse visuelle sur des toiles à grande échelle. Les peintures dynamiques se transforment encore et encore, alors que Móyò flotte d’une toile mouillée à une autre, prouvant une fois de plus qu’il existe un fil conducteur singulier qui évolue et s’amplifie à travers sa pratique.

Dans une démarche typique des artistes bien établis avec une large base de fans et omniprésents parmi les domaines et les fondations des chouchous de premier ordre, Móyò a lancé sa première collaboration de marque avec Telluride, Colorado, basé sur le « roi des skis personnalisés », Wagner. Le Pensées brutes la conception des skis est basée sur de petites tablettes que Móyò utilise comme études pour ses futures peintures. L’huile, le bâton d’huile et le graphite sur toile montés sur des tablettes ont été créés alors que Móyò développait son premier Bouche affamée peintures.

Peut-être que rien n’est trop tôt pour Móyò, qui semble être au bord du gouffre de la célébrité mondiale des beaux-arts, comme en témoigne son succès Ventes aux enchères Sotheby’s à New Yorkson implantation européenne actuelle et une clientèle dévouée et en croissance rapide sur tous les continents.

« Lorsque Móyòsóré Martins a rejoint mon agence pour la première fois TRAFIC en tant que graphiste, j’ai immédiatement senti qu’il avait quelque chose d’unique chez lui. Un jour, il m’a mentionné qu’il était artiste et je lui ai demandé de m’envoyer certaines de ses œuvres. Puis, le COVID a frappé. Lorsqu’il a finalement partagé son travail, j’ai été frappé par son originalité et son authenticité. Son travail avait du cran. Mon mari et partenaire commercial, Asher Edelman, et moi avons ensuite rendu visite à Moyo dans son studio de Harlem, où il a dévoilé six années de travail qui n’avaient jamais été montrées à personne. Nous étions abasourdis. Notre relation professionnelle s’est développée de manière organique et avec succès », a déclaré Michelle Edelman.

j’ai eu le même intestin réaction en mars 2023, lorsque j’ai vu pour la première fois Attestation (attestation) lors de l’avant-première de Sotheby’s Contemporary Discoveries, axée sur les œuvres d’art créées depuis les années 1960, proposant des œuvres d’une grande variété d’artistes tels que Andy Warhol, Salmon Toor, Alex Katz, Helen Frankenthaler, George Condo, Kenny Scharf et Willem de Kooning.

Suivez Móyò sur Instagram, @​​moyosoremartins1910.

En savoir plus à propos de Móyò :

ForbesL’exposition personnelle de Móyòsóré Martins célèbre un «meilleur peintre que Basquiat», déclare un expert en art renomméPar