Le peintre Yuri Yuan parle de la protection de votre créativité – The Creative Independent

J’ai remarqué que dans ton show à Make Room, Le grand nageur, il y a un protagoniste central, un personnage qui se répète à travers les peintures. Je suis curieux de savoir comment ces récits naissent. Comment entrer dans cet espace créatif ?

J’ai remarqué pendant mes études supérieures qu’une grande partie de mon travail était basée sur des histoires. C’était très narratif. Donc, à mes études supérieures, j’ai suivi des cours d’écriture. J’en ai pris un qui portait sur un essai personnel, ce que j’ai vraiment aimé, car il peut s’agir de fiction ou de non-fiction. C’est court. J’aime beaucoup les nouvelles écrites par Murakami. Parce qu’ils sont courts, cela nécessite vraiment de mettre en place les personnages et la scène.

J’adore avoir une pratique d’écriture. C’est une histoire très différente de ma peinture. Je n’illustre jamais quoi que ce soit de ce que j’écris, et je n’écris jamais sur ce que j’ai peint, mais ils ont tous le même sentiment, le même sentiment de nostalgie, de perte, de mélancolie et la même manière d’utiliser la métaphore.

Avez-vous pensé à explorer d’autres médiums ?

Je pense que la peinture est mon médium principal. C’est comme une langue que je parle. L’écriture complète ma pratique de la peinture. Je n’ai jamais publié aucun écrit. Souvent, j’ai juste des pensées aléatoires et je les note. Je n’appellerais pas cela une pratique formelle. Je ne veux pas diminuer ce que font les autres écrivains en comparaison. Ils le font comme métier. Je ne veux pas dire que je suis écrivain simplement parce que j’écris.

Dépanneuse2023, huile sur lin, 36 × 48 pouces

Comment la peinture est-elle devenue un métier pour vous ?

J’ai toujours voulu être peintre. Je n’ai jamais pensé à autre chose. J’ai commencé à griffonner quand j’avais quatre ou cinq ans et j’ai toujours été plutôt doué en dessin quand j’étais enfant. J’ai suivi des cours d’art et je suis allé dans une école d’art avec un programme d’art spécial, puis j’ai fait un premier cycle en art. Cela a été tout au long de ma vie, c’est là que je me concentre. Fondamentalement, tout le sens de mon existence était centré autour de la peinture. Je n’ai jamais vraiment envisagé d’autres métiers. Je déteste appeler cela une carrière, mais j’aime appeler cela une vocation. Parce que c’est quelque chose que je veux faire tout au long de ma vie et cela n’a rien à voir avec le fait que je sois payé ou non.

Comment conciliez-vous votre direction créative avec les exigences de la vie professionnelle ?

Je pense que c’était une leçon difficile à apprendre en tant que jeune artiste parce que l’école ne m’y avait certainement pas préparé. La carrière était un peu taboue, surtout au premier cycle.

J’ai un slogan dans mon studio qui m’aide. Il est toujours accroché dans mon studio depuis mon premier studio au premier cycle, et il est écrit « Peignez ce que vous voulez ». Récemment, j’ai ajouté un autre panneau indiquant « Laissez les conneries du monde de l’art devant la porte ».

Je pense vraiment que j’ai insisté sur certaines choses qui ne sont probablement pas très stratégiques en termes de carrière. J’ai refusé certains spectacles. C’est juste ce que je devais faire. J’ai aussi quitté mon studio de New York. J’ai déménagé dans un studio de Jersey City. Je n’ai pas déménagé à Brooklyn. L’une des raisons, outre le loyer, était de pouvoir prendre de la distance. Je pourrais me cacher à Jersey City comme un ermite. Quand je veux aller à Manhattan et socialiser, je peux, mais pour mon studio, je le protège. Je refuse les visites en studio quand je ne suis pas prêt, parce que je sais que quoi qu’ils disent, ça va me monter à la tête.

Huit mille couches2023, huile sur lin, 60 x 48 pouces

Qu’est-ce qui vous passe par la tête lorsque vous prenez ce genre de décision ? Comment arrivez-vous à ce point où vous dites : « Oh, en fait, je ne peux pas participer à un autre spectacle cette année » ?

Ma priorité absolue est de m’assurer d’avoir un bon travail. Mon travail est la base. Si je n’ai pas de travail, je peux socialiser tous les jours, mais cela ne me mènera toujours nulle part. Personne n’est aveugle. Donc pour moi, à partir du moment où tout le monde de l’art commence à entrer dans mon travail, c’est à ce moment-là que je dis : « Non, je ne peux pas ».

Une autre chose que j’ai remarquée à propos de ce cirque du monde de l’art, c’est que cela me vient à l’esprit même lorsque les gens disent des choses gentilles. Quand les gens disent : « Oh, Yuri, j’adore ton travail. Ce travail est fantastique. Même cela m’affectera négativement.

Par exemple, quelqu’un pourrait dire : « Vous êtes si doué pour utiliser le bleu. J’adore cette couleur bleue dans ta peinture. Alors la prochaine fois que je peindrai, quand je choisirai un bleu, c’est ce dont mon esprit se souviendra. J’hésite de plus en plus à prendre un tube de peinture orange parce que, eh bien, je devrais peut-être m’en tenir à ce que je sais.

J’ai donc remarqué que même lorsque les galeries ou les collectionneurs ont les meilleures intentions et aiment votre travail, cela peut quand même affecter négativement mon état d’esprit. C’est pourquoi je dis non à beaucoup de visites en studio ou de spectacles. J’essaie de ne pas surexposer mon travail avant qu’il ne soit prêt.

Comment gérez-vous ces expériences lorsqu’elles se produisent ? Y a-t-il des choses que vous faites dans cet espace pour vous protéger de manière créative ?

J’aime généralement m’imaginer avoir trois chapeaux : le chapeau d’artiste, le chapeau d’affaires et le chapeau de philosophe. Quand je porte ma casquette d’artiste, je ne pense jamais à carrière, expositions, galerie. Je me concentre simplement sur la question suivante : cette forme est-elle la bonne ? Est-ce la bonne couleur ? Une grande partie des conversations que j’ai en tant qu’artiste se déroulent en studio. Là, je peux avoir une conversation plus significative sur le travail, et cela m’aide vraiment à développer ma pratique.

Mais quand je porte le chapeau du business, je comprends que je fais cela comme une carrière. Je ne peux pas nier cette partie-là. Alors quand je travaille avec une galerie, j’ai une casquette professionnelle. Je sais que c’est ce que je suis censé faire. Je suis censé être à l’ouverture. Je suis censé parler du travail aux gens. Ce n’est certainement pas ce que je préfère faire, mais j’apprécie toujours les conversations.

Et le troisième chapeau est celui de philosophe, que je porte lorsque je réfléchis profondément à la raison pour laquelle ce travail doit exister dans ce monde. Il s’agit de mes émotions et de mon histoire, mais comment cela va-t-il aider les autres ? Que peuvent en tirer les autres ? Où existe-t-il cette œuvre dans ce monde ?

Perdu dans la traduction2023, huile sur lin, 60 x 48 pouces

Avoir ces trois personnalités différentes est donc une façon de vous protéger de cette expérience d’éloge ou de critique.

Si vous entrez dans l’ouverture avec le chapeau d’artiste, vous allez vous blesser. Quand les gens disent des choses folles, vous pourriez être blessé. Parce que la personnalité de l’artiste est bien trop vulnérable pour parler au reste du monde. Mais l’homme d’affaires s’en sortira.

Y a-t-il eu des moments où il était difficile de distinguer ces choses

Je pense qu’au fil des années, je me suis entraîné à bien les séparer pour ne pas être blessé, car j’ai fait des études d’art.

Et j’ai eu cette conversation utile avec un conservateur du Whitney Museum, Chrissie Iles, que j’aime vraiment, vraiment, et je lui ai demandé quand j’étais étudiant : « Est-ce que les gens s’en soucient ? Est-ce que ces gens se soucient vraiment de ce que j’ai à dire ? Elle a répondu : « Eh bien, je dirais que 80 ou 70 % d’entre eux ne le font pas. »

Pour beaucoup de gens, l’art n’est qu’une forme d’investissement. « La peinture, c’est essentiellement de l’argent sur le mur », pour citer Larry Gagosian. Ils sont davantage intéressés par l’achat d’actions de jeunes artistes.

Mais pour les 20 à 30 % de personnes qui se soucient réellement de vous, qui sont très investies en vous en tant que personne, en tant qu’artiste, qui veulent vous voir grandir et sont très intéressées par ce que vous avez à dire et votre interprétation du monde, ces personnes à elles seules suffisent pour que nous puissions tous nous y consacrer à 200 %.

Comment vos expériences à SAIC et Columbia vous ont-elles façonné en tant qu’artiste ?

SAIC m’a appris à peindre. Columbia m’a appris à être un artiste. SAIC est une très belle école d’art. Nous avons une très bonne collection au musée. Donc, en plus de pouvoir étudier avec de nombreux artistes, je suis aussi allé beaucoup au musée et j’ai appris auprès des plus grands peintres. Quand j’étais coincé dans mon atelier, je me dirigeais simplement vers le musée en espérant que quelqu’un me donnerait la réponse. Peut-être que Manet le fera, ou Degas. Ce fut une très bonne expérience pour moi car je crois fermement au fait de regarder les peintures en personne. Il n’y a tout simplement pas de correspondance. Et pendant ces quatre années, je n’ai suivi que des cours de peinture.

À Columbia, vous découvrez vraiment ce qu’est le monde de l’art et comment les artistes fonctionnent socialement dans ce cercle. J’ai beaucoup appris sur la façon d’être un artiste et sur l’importance de développer sa propre communauté. Je bénéficie toujours d’un système de soutien très solide de la part de mes camarades de classe.

L’inconvénient que je dirai, c’est que je ne comprends pas pourquoi les écoles d’art doivent coûter si cher. C’est très difficile. J’ai dû occuper presque tous les emplois possibles. Au premier cycle, j’avais trois ou quatre emplois. À Columbia aussi, j’avais trois ou quatre emplois.

Alors, chaque fois que les gens me demandent : « Hé, tu penses que je devrais faire du MFA ? » Je ne connais pas la réponse. Je ne sais pas. Tout le monde ne peut pas en vivre. Je paie toujours la dette que je dois, les prêts que je dois pour mes études.

De toute façon le vent souffle (d’après Jules Breton)2023, huile sur lin, 72 x 60 pouces

Comment avez-vous décidé de prendre cet engagement financier ? Surtout au niveau du MFA ?

L’une des principales raisons était très réaliste. C’est parce que je suis un immigrant. J’avais un visa étudiant, donc je n’ai eu droit qu’à un an de stage avant de devoir quitter le pays. Et il est presque impossible pour quiconque ayant un diplôme supérieur de rester ici en tant qu’artiste et d’obtenir un visa d’artiste. Il serait très difficile d’obtenir un visa d’artiste à la sortie de mes études de premier cycle parce que je n’avais pas de spectacles. Je ne peux pas prouver que je suis un artiste professionnel. J’ai donc postulé dans quelques écoles supérieures et j’ai choisi Columbia.

Comment avez-vous géré la transition hors de l’école ? À quoi ressemble une journée type pour vous actuellement ?

À Columbia, c’était tellement structuré. Il y a eu beaucoup de visites d’ateliers. Vous devez faire les visites même lorsque vous n’êtes pas prêt. J’ai vraiment l’impression que moi et mes pairs avions l’impression que nos œuvres étaient…