L’illustratrice Pepita Sandwich parle de ne pas se limiter dans son travail – The Creative Independent

Vous créez des essais visuels autobiographiques dans lesquels vous partagez des histoires de votre vie quotidienne, des émotions et des histoires de famille. Comment décidez-vous quelles parties de votre journée ou quels croquis multiples deviennent la pièce officielle ?

Dans mon travail, j’essaie toujours d’apporter ce sentiment d’invisible. Je suis toujours très intéressé à capturer un sentiment et à le traduire ensuite sous forme visuelle. Ce qui m’intéresse, c’est de traduire les sentiments en bandes dessinées. J’ai l’impression d’être un traducteur de mots ou de sentiments plus abstraits ou surréalistes, traduire cela en quelque chose qui peut être très visuel et qui comporte de nombreuses métaphores visuelles est ce qui me donne cette étincelle et cette excitation de créer des bandes dessinées.

J’utilise beaucoup de symbolisme ou de métaphores pour transmettre ces éléments abstraits, mais beaucoup de ces sentiments sont liés à ma propre expérience. Et mon travail est très nostalgique, beaucoup de choses sur lesquelles j’écris sont des choses que je vis. D’une certaine manière, je veux capturer un moment et le faire durer pour toujours. Mais aussi dans un monde qui va vite, je veux suspendre le temps et explorer un sentiment ou une expérience, puis partager cela dans mon monde intime, mais comprendre ensuite que je ne suis pas le centre de l’univers et que beaucoup de gens pourrait avoir le même sentiment en même temps. Cela pourrait aider d’autres personnes à savoir qu’elles ne sont pas seules, et cela m’aide aussi à sortir de ma tête et à ne pas avoir l’impression d’être au centre de tous ces problèmes.

Chaque fois que je fais des essais visuels, je commence généralement par quelque chose que je vis et qui me semble important ou qui résonnera dans le monde parce que quelque chose se passe qui me donne l’idée que beaucoup de gens pourraient vivre la même chose. Je commence généralement par dire : « Je ressens cela » ou « Je vis cette expérience ». J’essaie de sortir de mon esprit et de me mettre à la place des autres, d’avoir de l’empathie, de voir le monde à travers les autres, et d’élargir ce récit en quelque chose de plus universel, peut-être de le ramener à moi-même pour donner une conclusion. J’essaie d’être le plus perméable possible aux choses qui se passent. Donc très intuitif, je réfléchis, lis et vois le travail des autres non seulement sur les réseaux sociaux mais aussi en lisant, en allant au cinéma, en voyant ce qui se passe et en étant connecté à d’autres expériences.

Comment trouver l’équilibre entre raconter l’histoire avec des mots et la montrer avec des images ? Comment la partie écrite nourrit-elle le côté visuel ?

Cela dépend du type de travail que je fais, mais avec mes essais visuels, je commence par écrire un scénario. J’écris les mots, puis avec les dessins, j’essaie d’élargir cette idée ou peut-être de la porter à un autre niveau. J’essaie de ne pas répéter ce que je dis avec des mots sur ce qui est dans le dessin. J’essaie de lui donner une autre couche de compréhension à travers le dessin et peut-être en utilisant des métaphores visuelles pour rendre les dessins un peu plus étranges et surréalistes. J’essaie de relier les mots et les images de manière étrange et de ne pas être très évident sur ce que je dessine. Les dessins sont davantage une exploration de ce que je peux ajouter d’autre à cette phrase ou à ce texte.

Pour d’autres bandes dessinées qui sont plus poétiques ou des travaux personnels que je fais, où je fais des sentiments plus abstraits et où il n’y a pas beaucoup de récit ou de choses qui ont un sens de recherche, c’est plutôt un sentiment. Pour cela, je commence par dessiner, puis j’ajoute les mots. Je fais beaucoup d’exercices différents dans ma pratique créative où je vais peut-être dans un magasin et dessine des choses que j’y vois, ou je prends un livre et je dessine différents mots que j’y trouve, puis j’ajoute le texte lui-même.

Et comme ça, j’ai l’impression que le dessin est plus intuitif, et puis le même dessin, ça me donne des indices pour trouver les mots. Je ne sais pas si cela a du sens, mais parfois, en dessinant d’abord ce que je vois, puis en trouvant ce que ces dessins essaient de me dire, je découvre quelque chose de nouveau.

Avez-vous un exercice créatif qui vous aide lorsque vous essayez de trouver l’inspiration ou lorsque vous vous sentez bloqué sur le plan créatif ?

J’ai commencé ma carrière sur Internet et je suis beaucoup sur Internet pour le travail, pour ma propre plateforme et pour développer ma pratique. Mais depuis quelques années, j’essaie de trouver des images en dehors d’Internet. J’essaie d’aller dans un musée tous les vendredis et je dessine des parties de différentes peintures ou sculptures ou je trouve des images qui m’inspirent. Et après les avoir dessinés, je les relie avec des images.

Ici à New York, j’adore aller au Strand parce qu’ils ont beaucoup de livres d’occasion, ou même aller dans des friperies et dessiner des décorations ou des objets vintage ou encore des choses tirées de livres illustrés d’une autre époque. Je pense que c’est une façon très intéressante de se connecter avec le passé et aussi de se surprendre, car si vous trouvez des images qui ne vous sont pas fournies par un algorithme, c’est plutôt comme si vous créiez votre propre algorithme de réalité.

Pouvez-vous me parler un peu de votre début de carrière sur Internet ?

J’ai fait une école de mode à Buenos Aires parce que je pensais avoir le côté créatif et le côté dessin, mais aussi un côté plus commercial. Une fois mes études terminées, j’ai déménagé en Italie parce que j’avais gagné une bourse pour étudier la photographie. C’est là que j’ai découvert le métier d’illustration. J’ai donc commencé à dessiner toutes les nouvelles expériences que je vivais et même ce que j’achetais.

C’était au début des réseaux sociaux en 2011. J’ai donc téléchargé Instagram et commencé à partager mes dessins en ligne. Je me suis lancé un défi. J’ai dit : « Je vais être mon journal. » Je me suis donc engagé et je partageais un dessin chaque jour. Il n’y avait pas beaucoup d’illustrateurs ou de dessinateurs à l’époque sur les réseaux sociaux, et c’est tout naturellement que certaines personnes ont commencé à partager mes bandes dessinées et que j’ai commencé à avoir un public plus large. Et en 2016, mon éditeur argentin m’a demandé si je voulais faire un livre avec eux. J’ai donc conclu mon premier contrat de livre en 2016. J’ai l’impression que cela est dû à ma présence en ligne.

J’ai l’impression qu’avant Internet ou avant les réseaux sociaux, il fallait aller au travail pour demander ces opportunités. Parce que j’ai commencé à cette époque, les opportunités se sont présentées à moi parce que je montrais mon travail. Maintenant, j’ai une relation plus compliquée avec les réseaux sociaux. Il y a trop de contenu et beaucoup de répétitions, et j’ai un peu peur de faire un travail qui répond simplement au besoin de quelqu’un qui réagit à votre travail. Je suis dans cette étape compliquée où je ne veux pas me répéter, et je ne veux pas faire un travail dont je sais qu’il plaira aux autres simplement parce que je comprends comment fonctionnent les médias sociaux.

Je pense toujours que c’est une bonne plateforme et un bon moyen de montrer les choses qui vous intéressent. C’est un bon moyen de raconter des histoires et de partager avec des gens du monde entier, et cela connecte un public plus large, mais c’est définitivement plus compliqué qu’au début. Il y a beaucoup de contenu, et parfois ça peut me donner le vertige, ou ça me fait entrer dans cette spirale de pensée que je n’aime pas. J’essaie d’avoir une relation plus saine avec Internet. Et c’est pourquoi j’aime faire des livres parce que j’ai l’impression que la manière classique de créer de l’art sera toujours là, comme faire des livres, des films, des peintures ou même des vidéos. Mais quand c’est en dehors des limites d’Internet, c’est toujours quelque chose où vous trouverez beaucoup de vérité. À l’heure actuelle, sur Internet, les frontières entre ce qui est vrai et ce qui est faux sont très floues.

Vous êtes conscient de cette peur de la répétition ou de faire un travail qui vous plait. Que signifie pour vous cette répétition ?

Je n’ai pas peur de me répéter car j’ai beaucoup de sujets qui m’intéressent. Par exemple, je fais beaucoup de travail qui tourne autour des pleurs et des émotions et de ces réactions physiques qui sont liées à notre cerveau et à nos émotions. Mais j’ai l’impression que parfois, lorsque vous êtes immergé dans ces plateformes où vous partagez votre travail, vous pouvez aussi consommer beaucoup de contenus différents, et cela a un impact sur votre cerveau. Toutes ces images restent un petit moment en vous. Et j’ai parfois peur d’être affecté par ces images et de produire ensuite un travail contaminé par toutes ces vidéos et autres images, et j’imagine qu’il est impossible de ne pas être affecté par cela. Mais je me demande toujours, chaque fois que je termine une bande dessinée ou chaque fois que je dessine, est-ce authentique pour moi et est-ce quelque chose de différent que je veux partager ?

Je suis toujours sur Internet et je vais toujours y être, mais chaque fois que je travaille pour moi-même, j’essaie de me demander : en quoi cela peut-il être plus bizarre ? Comment cela peut-il être plus différent ? Comment cela peut-il être plus authentique ? Faire une pause après avoir terminé quelque chose ou prendre une minute avant de publier quelque chose est utile. Lorsque je fais une pause, je me demande si c’est quelque chose d’authentique et qui résonne avec ma réalité, et si c’est quelque chose de réel que je veux transmettre. Faire une pause une minute puis agir a un impact. Parce que les choses sur Internet évoluent très vite, et quelque chose se passe dans le monde entier et tout le monde réagit à cela, et quelqu’un publie quelque chose et beaucoup de gens le partagent, et c’est très rapide. Nous devons prendre une minute et traiter ces informations et ce que nous essayons de dire, puis les partager.

Je voulais parler du concept d’avoir sa « propre voix » et des attentes selon lesquelles les artistes devraient avoir leur « propre voix » dans leur travail. Qu’est-ce que cela signifie pour les illustrateurs et les créateurs de bandes dessinées et de dessins animés ? Parce que si je vois quelque chose qui est votre travail, maintenant je peux dire que c’est votre travail en le voyant. Le concept d’avoir votre voix comporte-t-il certaines limites ? Comment ce concept se recoupe-t-il avec le progrès et l’expérimentation ?

Je pense que l’artistique…