8 artistes remarquables à la Biennale de Gwangju 2024

En tant qu’événement artistique, la Biennale de Gwangju a une mission unique : commémorer la terrible tragédie du soulèvement étudiant violemment réprimé qui a eu lieu dans la ville en mai 1980. Mais pour la Biennale de Gwangju 2024, contrairement aux éditions précédentes, cet héritage a été moins au centre des préoccupations. Dirigé par le commissaire français Nicolas Bourriaud, l’événement, qui se déroule principalement dans la salle des biennales de Gwangju, repose plutôt sur l’idée de Pansoriune tradition musicale folklorique coréenne dont le nom signifie « bruit de l’espace public ». Ce thème rassemble les œuvres de 72 artistes pour créer un « paysage sonore du XXIe siècle », selon le slogan de l’exposition. En contraste frappant avec la Biennale de Venise de cette année, tous les participants sont vivants.

Le son, comme on pouvait s’y attendre, occupe une place importante dans l’exposition. Noel W. Anderson, par exemple, a habilement intégré des chansons de James Brown dans un supercut de grognements et de vocalisations du chanteur, qui résonnent dans l’escalier de l’exposition dans une méditation sur la masculinité noire. De nombreuses œuvres exposées explorent l’oppression et la marginalisation : des problèmes, selon le cadre curatorial, liés à l’occupation et à la production de bruit dans l’espace public. Le changement climatique occupe également une place importante dans les thèmes des œuvres. Le paysage sonore du moment actuel, selon cette exposition, est une lamentation sur un monde en crise.

Ailleurs, dans les différents pavillons satellites répartis dans la ville et organisés en dehors du cadre curatorial de l’exposition principale, certains artistes ont pris le relais de l’histoire de la dissidence politique de la ville. Au pavillon CDA Holon, une troupe d’étudiants universitaires défilera jusqu’à la place de la démocratie de la ville une fois par semaine pendant toute la durée de la Biennale, leur chorégraphie étant élaborée par les artistes du pavillon avec des mouvements basés sur la violence cautionnée par l’État.

Voici les artistes marquants de la Biennale de Gwangju 2024.

Né en 1993 à Francfort, Allemagne. Vit et travaille à Düsseldorf.

Parmi toutes les œuvres exposées, celle de Mira Mann s’inscrit dans la tradition de Pansori plus directement, notamment leurs installations dispersées dans une maison vide du quartier de Yangnim. Là, la vidéo de Mann La mère peut se souvenir d’un autre (2022) — présentée pour la première fois au DREI en 2022 — est projetée sur trois écrans de télévision installés au sol. La pièce réinterprète l’histoire de Simcheongga-gai. Ce typique Pansori L’histoire d’une fille qui se sacrifie dans la mer d’Indang pour sauver son père de la cécité est racontée de manière oblique, à travers des scènes sinueuses de la vie contemporaine tournées dans des séquences de style vidéo amateur. Le personnage central est joué par les membres de la famille de l’artiste et d’autres artistes, tandis que l’histoire traditionnelle coréenne est chantée en chœur.

Né d’une mère coréenne en Allemagne, Mann explore souvent dans son travail l’histoire de l’immigration coréenne dans son pays d’origine. Une autre installation dans le lieu principal de la Biennale, un long miroir de style dressing intitulé objets du vent (2024), est un mémorial aux nombreuses infirmières coréennes qui ont immigré en Allemagne à la fin des années 1960, apportant la tradition des percussions folkloriques coréennes pungmul avec eux. Jindo-buk des tambours, des éventails à plumes et des instruments en acier inoxydable ornent le monument.

La Biennale de Gwangju étant axée sur le son, il n’est peut-être pas surprenant que l’un des artistes les plus remarquables soit un musicien. Arutiunian est à la fois compositeur et artiste, travaillant sur la dissidence sonore et les histoires personnelles du son. Dans le pavillon principal, son œuvre visuellement saisissante Ci-dessous (2024) se compose de cinq sculptures en bitume. Ces disques noirs envoûtants, recouverts d’une substance visqueuse, posés sur des supports à hauteur d’enceinte, émettent un son grave et grondant qui tire sur les limites de la conscience du spectateur. Ce son est censé évoquer la progression du matériau alors qu’il bouillonne à travers la croûte terrestre.

Ailleurs, dans le quartier de Yangnim, le cœur de la Biennale, Arutiunian a investi les confins du Podonamu Art Space avec une autre œuvre sonore. L’artiste y a recréé une performance d’harmonium des années 1940 du légendaire compositeur et mystique grec arménien George Gurdjieff, qu’il a ralentie pour en faire une pièce de cinq heures. L’œuvre rappelle une performance improvisée dans le milieu parisien de Gurdjieff au milieu du siècle, tentant de faire écho à cette connexion humaine, des décennies plus tard.

Née en 1987 à New York. Vit et travaille à Los Angeles.

En parcourant la rangée de petits tableaux de Beaux Mendes dans l’exposition principale de la Biennale, il est difficile de les classer parmi les peintures de paysage. Mais bien que ces toiles semblent dépourvues de lumière du soleil – contenant principalement des formes grises fantomatiques ou des formes obscures marron foncé – elles proviennent d’un processus qui commence en plein airLa série exposée, « Forêt-Noire », doit son nom à une région du sud de l’Allemagne qui l’a inspirée.

Mendes est issu d’une longue lignée de rabbins allemands, et leur grand-mère était une survivante de l’Holocauste. Ils se sont rendus en Allemagne pour travailler seuls sur ces œuvres obscures dans la forêt bavaroise et dans la vallée de l’Elbe (très prisées par des peintres romantiques comme Caspar David Friedrich). Réalisées avec des matériaux et des techniques inhabituels, comme la poudre de marbre et le marbrage à l’eau, ces œuvres parfois troubles et obscures évoquent une image ambivalente de l’histoire familiale de l’artiste, qui a quitté ce pays. Elles subvertissent également l’histoire de la peinture de paysage romantique, qui a glorifié le monde naturel avec des représentations de panoramas panoramiques et a été utilisée pour renforcer l’éthique fasciste des nazis.

Né en 1963, São Paulo. Vit et travaille à São Paulo.

Dans l’une des galeries supérieures du pavillon principal de la Biennale, les peintures d’Alex Cerveny représentent une sorte de panorama encyclopédique, informé historiquement, faisant référence aux thèmes de la migration internationale historique. Terre Sainte (2023), un paysage désertique vallonné est annoté d’illustrations de corps, de plantes et de listes alphabétiques de noms et de lieux, établissant des liens entre des thèmes apparemment disparates, comme les plaies bibliques d’Égypte et les chansons pop (« Yes Sir I Can Boogie », « One Moment in Time »).

Dans l’œuvre la plus récente exposée, le long paysage marin horizontal Les gens du bateau (2024), Cerveny s’intéresse à la migration des Vietnamiens suite à la guerre du Vietnam. Avec son titre et ses références littéraires (Le Odyssée et Moby Dick) peinte sur un bandeau en haut de l’œuvre, la scène peu illustrée établit des liens fascinants entre l’histoire coloniale de la navigation et ses sources mythologiques. Le Cyclope, par exemple, est l’un des monstres auxquels Ulysse est confronté dans le poème d’Homère, mais aussi le nom d’un navire perdu en mer en 1918. Il est en tête d’une longue liste de naufrages historiques qui serpente au centre du tableau.

Une boue épaisse s’écoule dans le nouveau film de Yuyan Wang Vert Gris Noir Marron (2024). Des bulles de pétrole boueuses sous leur forme brute dans des clips de séquences aériennes de champs pétrolifères ressemblant à des cratères. En gros plan, des doigts gigantesques placent des lignes électriques à côté de modèles miniatures de pompes à pétrole. Une version ralentie et effrayante de l’hymne classique des années 1980 de Yes, « Owner of a Lonely Heart », tourne en boucle tout au long du film, lui donnant un côté sombre et surréaliste.

Présentée dans le pavillon principal de la Biennale de Gwangju, dans une salle entièrement recouverte de gazon artificiel, l’œuvre mêle des scènes d’écocide à des scènes de production de fleurs artificielles sur les chaînes de montage des usines. Dans le film de Wang, le pétrole devient du plastique, qui à son tour devient une version triste et fanée de la beauté la plus mûre de la nature. Le résultat est une méditation hypnotique sur la mondialisation et le changement climatique.

Né en 1995 à Woodbridge, Virginie. Vit et travaille à Amsterdam.

Dans un coin de l’un des étages supérieurs de la salle principale de la Biennale se trouve une étrange salle fermée dans laquelle les visiteurs entrent par des rideaux en plastique de style restauration. À l’intérieur, sous des climatiseurs vrombissants, des bandes lumineuses bourdonnantes et des murs argentés à l’aspect antiseptique, se trouve une série de sculptures. Réalisées à partir de pièces d’une inestimable garde-robe coloniale hollandaise et plaquées de cuivre, elles sont l’œuvre de l’artiste américaine Brianna Leatherbury.

Pour cette installation, l’artiste a basé ses sculptures sur les biens précieux des investisseurs en bourse qui leur ont prêté des objets qu’ils « emporteraient dans leur tombe », selon la description de l’artiste. Intitulée Fardeau (2024), elle fait partie de la série « Insiders’ Grave » de Leatherbury et de leurs recherches plus vastes sur la signification de la valeur et de la propriété au fil du temps. Les sculptures sont empilées de manière aléatoire, comme si elles n’étaient pas destinées à être exposées au public, et semblent délabrées et délabrées. Leurs couches de cuivre semblent s’écailler et se décolorer malgré leur environnement à température contrôlée et aseptisé, évoquant la futilité des structures capitalistes sur une planète en décomposition et en réchauffement.

Née en 1985 à Cherbourg, France. Vit et travaille à Paris et Londres.

Les œuvres d’assemblage de l’artiste française Gaëlle Choisne affirment le rôle potentiellement curatif de l’art dans la documentation des traumatismes du passé. Par exemple, Mange-moi doucement (Licorne noire) (2024), exposée au pavillon principal de la Biennale de Gwangju, présente une photographie d’un bâtiment abandonné imprimée aux UV sur des dalles de béton et adossée aux murs de la galerie. Faisant partie d’une série documentant l’impact des catastrophes naturelles à Port-au-Prince, l’œuvre vise à commémorer ces lieux atmosphériques et inhabités.

A proximité, des melons et d’autres fruits, sur lesquels est imprimée une traduction coréenne d’un poème d’Audre Lorde, sont dispersés sur le sol en guise d’offrande. Les dalles de béton de l’œuvre, quant à elles, sont trempées dans du sel, une substance traditionnellement utilisée pour la purification, mais qui érode également l’image imprimée sur ce matériau généralement résistant. Ces images rituelles suscitent le deuil de leurs sujets, ravagés par le changement climatique.

Né en 1987 à Yogyakarta, Indonésie. Vit et travaille à Yogyakarta.