De nombreuses œuvres d’art impressionnantes ont été présentées dans les expositions des musées en 2024, que l’ensemble de l’exposition soit bon ou non. Voici 10 exemples mémorables d’expositions dans sept musées de la région.
De nombreuses œuvres d’art impressionnantes ont été exposées dans les expositions des musées en 2024. Parfois, l’exposition complète était remarquable, parfois moins, mais des peintures, sculptures, installations et autres œuvres individuelles sensationnelles ont le don de se démarquer de la foule.
Voici 10 exemples mémorables d’expositions dans sept musées au cours de l’année dernière, classés par ordre chronologique d’ouverture des expositions :
Lucas Cranach l’Ancien, « Adam et Ève »
Lucas Cranach l’Ancien, « Adam et Ève », vers 1530, huile sur panneau.
(Christophe Chevalier/Los Angeles Times)
Lucas Cranach (Allemagne, 1472-1553) était à la fin de la cinquantaine lorsqu’il peignit cette magnifique paire de panneaux grandeur nature, qui montrent les malheureux protagonistes bibliques de la disgrâce de l’humanité. L’artiste, ami de Martin Luther, avait une expérience de vie considérable. Il a fait d’Eve l’étoile brillante – une beauté gracieuse, son corps galbé encadré par un éclat de soleil explosif de cheveux ondulés. Adam, inquiet, la regarde avec un degré d’anticipation inquiète qui lui gratte la tête, une pomme serrée dans sa main, s’en remettant au fruit défendu élevé avec confiance dans la sienne. (Sa pomme demande : « Ceci ? » Sa pomme répond : « Ceci ! ») Les restaurateurs du Getty Museum ont passé deux ans et demi à restaurer habilement le chef-d’œuvre de Cranach, un point culminant de la collection permanente du Norton Simon Museum de Pasadena.
«Conserver Eden: «Adam et Eve» de Cranach du musée Norton Simon», Musée J. Paul Getty
Judithe Hernández, « Sainte Desconocida »
Judithe Hernández, « Santa Desconocida », 2016, pastel sur papier.
(Musée d’art au bord de la rivière)
Le magnifique « saint inconnu » du rayonnant dessin au pastel d’Hernandez, une composition à deux panneaux de plus de 7 pieds de large, plane dans un espace horizontal, flottant comme Ophélie noyée dans le célèbre 1851 de John Everett Millais. peinture du film suicidaire d’Hamlet. Cependant, plutôt qu’une tombe aquatique, c’est dans un mystérieux désert éclairé par la lune qu’elle dérive, une rangée de cactus épineux derrière elle semblant transpercer son corps. Les mains levées en signe de bénédiction, cette sainte laïque est une martyre — méditation poignante, voire hantée, de l’artiste sur les centaines de femmes travaillant dans le maquiladoras autour de la ville frontalière mexicaine de Juárez qui ont été enlevés et tués, comme le suggère la main rouge sang fuyant l’image de gauche.
«Judithe Hernández: Au-delà de moi-même, quelque part, j’attends mon arrivée», Centre Cheech Marin du Riverside Art Museum
Sergent Claude Johnson, « Chester »
Sargent Claude Johnson, « Chester », 1931, terre cuite.
(Don Ross / Succession du Sargent Claude Johnson)
Nous ne savons pas qui était Chester. Le jeune homme dans la sculpture de Johnson était peut-être plus un symbole culturel général qu’un portrait individuel. Johnson (1888-1967), fils orphelin d’un père blanc et d’une mère noire et autochtone, a quitté le Massachusetts pour s’installer en Californie en 1915 et, à mesure que son art se développait, il a été fasciné par l’expression sociale de l’identité chez les artistes de Harlem. Renaissance et mouvement mural mexicain. Chester prend doucement son visage doux et génial dans sa main gracieusement raffinée, un geste inhabituel qui exprime doucement l’amour-propre. La sculpture est un emblème subtilement puissant de ce que l’on appelle désormais la fierté noire.
«Sargent Claude Johnson», Bibliothèque Huntington, Musée d’art et jardins botaniques, Saint-Marin
Ed Ruscha, « Standard Station, Ten-Cent Western déchiré en deux »
Ed Ruscha, « Standard Station, Ten-Cent Western Being Torn in Half », 1964, huile sur toile.
(Associés des musées / LACMA)
Une station-service générique mais monumentale divise la toile de 10 pieds de large en deux sur une diagonale excentrique, aplatissant toute illusion de trois dimensions. La station est celle que Ruscha a souvent vue à Amarillo, au Texas, lorsqu’il faisait des allers-retours en voiture de Los Angeles à sa maison d’enfance à Oklahoma City. Cependant, il pourrait être n’importe où, soutenu par un ciel azur lisse sans la moindre trace de paysage identifiable. En tant que produit, lieu et image, il est « standard » à plus d’un titre. Fait révélateur, dans le coin supérieur droit, Ruscha a ajouté un magazine de cowboy occidental bon marché, son récit tapageur sur le destin manifeste de l’Amérique ayant été déchiré en deux. Travaillant à Los Angeles alors que la scène artistique new-yorkaise était en plein essor, Ruscha a mis un sérieux doute dans les normes culturelles dominantes.
«Ed Ruscha / Now Then», Musée d’art du comté de Los Angeles
Mickalene Thomas, « Déesse afro tournée vers l’avenir »
Mickalene Thomas, « Afro Goddess Looking Forward », 2015, strass, acrylique et huile sur panneau de bois.
(Mickalene Thomas)
À côté d’une corne d’abondance florale au sommet d’une table, une femme moderne et colorée avec une coupe de cheveux élégante et des vêtements vibrants qui se confondent avec l’arrière-plan aux motifs voluptueux de l’image est allongée sur un canapé, regardant directement le spectateur avec un air confiant. Cette description du luxueux 1937 d’Henri Matisse «Odalisque jaune» correspond également au splendide autoportrait de Thomas. (Le Matisse, l’une des nombreuses œuvres de ce type, est un trésor du Philadelphia Museum of Art, juste de l’autre côté de la rivière Camden, dans le New Jersey, où Thomas a grandi.) Comme le peintre français modernisant la tradition du XIXe siècle d’une femme soumise et inclinable. figure du XXe siècle affirmé, l’artiste américain insère des signaux contemporains, notamment des collages photographiques et des strass, pour actualiser et refaire le thème du 21e siècle. La différence la plus significative : plutôt qu’un artiste masculin configurant une image sensuelle de la féminité, c’est une Thomas dynamique qui prend les rênes pour se représenter.
« Mikalene Thomas », Le large
Olafur Eliasson, « Assemblée pluriverse »
Vue de l’installation lumineuse multimédia mixte 2021 d’Olafur Eliasson, de la taille d’une pièce, « Assemblage Pluriverse » au Geffen Contemporary du MOCA.
(Olafur Eliasson)
C’est tout à fait remarquable ce qui peut être réalisé avec des morceaux de plastique transparent et multicolore aux tons bijou, quelques lampes à haute intensité, quelques moteurs et des morceaux de métal brillants. Dans cette énorme pièce de projection, Eliasson déploie une fantasmagorie de formes changeantes et d’espace amorphe sur un vaste canevas de tissu tendu entre les murs d’une grande galerie de musée sombre. Le résultat est une « image animée » abstraite, glissant à travers un cosmos visuel comme une animation fascinante d’une peinture surréaliste de Arshile Gorki ou Roberto Matta. Vous êtes invité à vous promener pour voir comment la magie se produit à l’avant. À notre époque de désinformation, de désinformation et d’intelligence artificielle, l’exposition franche de l’artiste sur ce qui se passe derrière le rideau est tonique.
« Olafur Eliasson : OUVERT », Geffen Contemporary au MOCA
Oskar Fischinger, ‘Multi-vague’
Oskar Fischinger, « Multi-ondes », 1948 ; huile sur toile.
(Musée d’art de Palm Springs)
A quoi ressemble la musique ? De nombreux peintres de la première moitié du XXe siècle ont réfléchi à la question de l’abstraction sonore comme guide pour créer un art sans précédent, proposant une grande variété de rythmes abstraits de formes et de couleurs. Fischinger était parmi eux, utilisant le cinéma et la peinture comme médiums tout au long de sa carrière, qui a débuté en Allemagne et a culminé en Hollywood. Une masse palpitante de céruléen bordée de blanc est au cœur de cette peinture compacte, pas tout à fait carrée, mesurant 30 sur 36 pouces à peine six pouces plus large que haute. La forme rectiligne stable mais légèrement horizontale fait allusion au paysage tout en aidant à concentrer le regard. Les formes ondulantes se poussent vers les bords puis se replient sur elles-mêmes, comme les vagues de l’océan ou les pétales d’une fleur. Le résultat est une image visuellement sensationnelle, sa verve dynamique semblant incarner la vie des formes naturelles.
«Particules et vagues», Musée d’art de Palm Springs
Camille Claudel, « Torse de femme accroupie »
Camille Claudel, « Torse de femme accroupie », modèle vers 1884-85, fonte en bronze vers 1913.
(Le Musée J.Paul Getty)
Qui sait ce qui a poussé Camille Claudel, à 20 ans, à attaquer avec une lame le modèle en argile de sa sculpture représentant un nu accroupi sans tête, penché sur le côté et en équilibre précaire sur des pieds rugueux ? Le plus dramatique, c’est qu’elle a sectionné la jambe gauche entre la cuisse et la cheville. Claudel avait passé beaucoup de temps au musée du Louvre à Paris, où elle connaissait bien sa collection de sculptures classiques grecques et romaines, dont beaucoup avaient des membres cassés ou manquants. Un célèbre marbre ancien d’un Vénus accroupiefouillée dans une colonie romaine près de Lyon, en France, est entrée dans la collection du musée en grande pompe quelques années seulement avant que Claudel n’exécute sa pièce. Mais la femme dans sa sculpture, réalisée au début de son mandat dans l’atelier très fréquenté d’Auguste Rodin, laisse le classicisme loin derrière. Dans une conception étonnamment moderne, l’espace négatif de l’amputation brutale de Claudel expose – et met en italique – la physicalité dense et incontournable du corps humain.
« Camille Claudel », Musée J. Paul Getty
Gentile da Fabriano, « La stigmatisation de saint François »
Gentile da Fabriano, « La Stigmatisation de saint François », vers 1420, détrempe et feuille d’or sur panneau.
(Fondazione Magnani-Rocca, Parme)
À l’origine un étendard de procession doré qui était défilé à travers la ville sur un poteau lors de jours de fête spécifiques, l’éblouissante peinture double face de Gentile da Fabriano montre d’un côté le couronnement de la Vierge Marie et, de l’autre, saint François recevant les stigmates. Des rayons de lumière dorée descendent d’un être céleste ailé pour percer les mains, les pieds et le côté de l’humble saint, faisant écho aux blessures mortelles subies lors de la crucifixion du Christ. La composition de Gentile compare François, un pionnier spirituel choisi, à une marionnette à fils, ses mouvements mondains étant désormais dirigés d’en haut. À un moment donné au cours des 600 dernières années, le panneau de bois doré à la feuille a été coupé en deux. Le couronnement côté fait partie de la collection du Getty Museum depuis près de 50 ans. Pour la toute première fois, il a retrouvé le côté coupé de François, aujourd’hui conservé dans un musée à Parme, en Italie.
« Lumen : l’art et la science de la lumière », Musée J. Paul Getty
« Assiette avec le serpent de guerre de Teotihuacan »
« Assiette avec le serpent de guerre de Teotihuacan », Guatemala ou Mexique (Maya), 650-800.
(Christophe Chevalier/Los Angeles Times)
Il y a plus de 1 200 ans, un artiste maya non identifié a décoré une extraordinaire assiette circulaire en céramique de 16 pouces, peignant une moitié en engobe plat presque noir et l’autre en blanc cassé crémeux. La ligne nette entre l’obscurité et la lumière sépare strictement l’évocation de la nuit du jour. Mais sur les deux moitiés apparaît le même rendu de profil d’un dieu féroce – tous des tentacules glissants, des saillies émoussées, des notes d’armes et un feuillage rythmé et entrelacé, les couleurs rouges et noires de la créature ajustées pour animer l’être redoutable sur les deux arrière-plans différents. teintes. Jour après jour, quelle que soit l’heure dans une rotation toujours chaotique et souvent désespérée de la vie mondaine, le serpent guerrier est de service.
